Resumo em Português:

Este texto é um ensaio de interpretação a respeito do caráter “múltiplo” e “projetual” de determinadas obras de vanguarda a partir da “teoria dos regimes de imanência” de Nelson Goodman e Gérard Genette. Por hipótese, suporemos que a aceitação do chamado “regime alográfico” no âmbito das artes visuais tenha sido responsável, no contexto histórico das vanguardas, pelo surgimento de obras de arte “projetuais”.

Resumo em Inglês:

This paper analyzes the “multiplicity” of the avant-garde works in accordance with approach of the “regimes of immanence” of Nelson Goodman and Gérard Genette. With this purpose, we understood the “multiple” artwork as an infiltration of the “allographic” regime within visual arts.

Resumo em Português:

A artista marroquina Majida Khattari utiliza a fotografia, as instalações e os desfiles de moda como uma provocação/reflexão sobre o papel do véu no universo muçulmano e no imaginário ocidental. Na série de fotografias denominada Orientalismes, a artista recria os quadros de Delacroix de uma forma subversiva. A relação com a obra do pintor ultrapassa a mera questão temática e pode ser aprofundada. Paul Jamot, ao falar da obra de Delacroix na Documents nº 5, de 1930, diz que qualquer tema, nas mãos do artista, converte-se numa forma de revelação e numa visão trágica, tanto nos gestos desesperados de homens em luta, como na aparente lassidão das jovens cativas. O uso das imagens orientalistas de Delacroix, por Majida Khattari, absorve o sentido trágico e absorve ainda a ideia da imagem como meio de eternizar e universalizar gestos quotidianos. Os véus que, na sua obra, escondem e desvelam, funcionam como mecanismos que tornam visível o que se quer ocultar. Este é o procedimento utilizado nos seus desfiles-instalações, que criam a delimitação de um espaço ambíguo entre eu e o outro. Entre o que se vê e o que se mostra.

Resumo em Inglês:

The Moroccan artist Majida Khattari uses photography, installations and fashion shows as a means of establishing a provocation/reflection on the role of the veil in the Muslim world and in the Western imagination. In the series of photographs called Orientalismes, the artist recreates the paintings of Delacroix in a subversive way. The relationship with Delacroix’s work goes beyond the mere thematic issue and can be further developed. Paul Jamot, in speaking about the work of Delacroix in Documents No. 5, 1930, says that any theme in the artist’s hands becomes a form of revelation and a tragic vision, both in the desperate gestures of fighting men, as in the apparent looseness of the young captive. The use of Orientalist images in Delacroix, by Majida Khattari, absorbs both the tragic sense and the idea of the image as a means of perpetuating and universalizing everyday gestures. The veils, which in her works hide and reveal, function as mechanisms which make visible what is supposed to be hidden. This is the procedure used in her shows-installations that create the boundaries of an ambiguous space between the Self and the Other. Between what is seen and what is shown.

Resumo em Português:

A retórica do mitate tem sido discutida nas últimas décadas como central na produção do período Edo, não só no campo da poesia como no da pintura. Almeja-se aqui fazer um estudo monográfico sobre o termo, destacando exemplos literários e pictóricos, bem como uma interpretação sobre os modos pelos quais este artifício retórico permeia a cultura japonesa de vários períodos.

Resumo em Inglês:

Mitate rhetoric has been discussed in the last decades as central in Edo period production, not only in the poetry field but also in painting’s. It is aimed here to investigate on the term, pulling out examples from literature and painting, as well as to interpret the ways in which this rhetorical artifice pervades Japanese culture in many periods.

Resumo em Português:

Através da metáfora entre a direção de um veículo automotor e o ensino de arte são discutidos três saberes necessários para o exercício da docência em artes visuais: historiografia, crítica/curadoria e produção artística. Em defesa da especificidade da arte dentro da disciplina Artes, são elencadas razões que justificam a posição de que o objeto artístico pode discutir com qualidade e de maneira independente das outras visualidades as questões inerentes à condição humana. O artigo apresenta um estudo bibliográfico com abordagem de cunho qualitativo que busca fundamentar as investigações sobre a formação de professores de artes visuais a partir de conceitos específicos da área artística. Conclui-se que o afastamento destes conceitos desencadearia uma educação substitutiva, paliativa, colocando a arte sem atribuições claras dentro do currículo escolar.

Resumo em Inglês:

Through the metaphor between the direction of a automotive vehicle and art education are discussed three knowledge required for the practice of teaching in the visual arts: historiography, critical/curatorial and artistic production. In defense of the specific art in the Arts discipline, are listed reasons justifying the position that the art object can argue with quality and independently of other visualities issues inherent to the human condition. The article presents a bibliographical studies with a qualitative approach that seeks to support research investigations into teacher training of visual arts and from concepts specific artistic area. We conclude that the removal of these concepts would trigger a substitutionary education, palliative, putting art without clear assignments within the school curriculum.

Resumo em Português:

No presente artigo refletimos sobre a história particular do ensino do desenho – tratamos a passagem da visão tradicional à moderna e o olhar contemporâneo acerca do tema. Baseados no trabalho de pensadores como Ana Mae Barbosa, Arthur Efland, Juan Bordes e Elliot Eisner, buscamos situar e compreender as concepções que configuraram o ensino de desenho na história. Destacamos no estudo as implicações das ideias construídas historicamente no sentido de compreender e discutir os caminhos da educação em arte na contemporaneidade.

Resumo em Inglês:

In this article we reflect upon the particular history of the teaching of drawing – we treat the transition from traditional to modern vision, until the arrival of Bauhaus and contemporary look about the issue. Based on the work of thinkers such as Juan Bordes, Elliot Eisner and Ana Mae Barbosa, so we seek to situate and understand the concepts that have been preserved, and they became the ones that were abandoned in the history within the teaching of design. We emphasize the study of the implications of historically constructed ideas in order to understand and discuss the ways of education in contemporary art.

Resumo em Português:

Consideramos a obra de Yves Klein como uma (das últimas) poética(s) moderna(s) ao reconhecer a polaridade entre cor e vazio do monocromo junto ao tópos do instante. Apoiados no conceito de suddenness do crítico literário Karl-Heinz Bohrer, identificamos, entre a saturação máxima do azul e o vazio (emergência e potência da forma), experiência do presente absoluto equivalente à produção do novo. Nos anos 60, porém, esse coeficiente do novo começa a ser cada vez mais rapidamente apropriado pelo discurso cultural. Klein se apega então aos instantes que “insistem em nos abandonar” (Cioran) através de uma “farsa monocromo”.

Resumo em Inglês:

We consider the work of Yves Klein as a (one of the last) modern work(s) when we recognize the polarity between color and void of the monochrome close to the theme of the instant. Based on the concept of suddenness of the literary critic Karl-Heinz Bohrer, we identify between the maximum saturation of the blue and the void (emergence and potency of form), experience of the absolute present equivalent to the production of the new. In the 60’s, however, this “coefficient of the new” starts to be increasingly appropriated by the cultural discourse. So Klein attaches himself to the instants that “insisting on abandoning us” (Cioran) through a “monochrome farce”.

Resumo em Português:

Este texto conta os assuntos com pedras, empilhando-os à maneira de Robert Smithson (1938-1973). Em 1965, o artista norte-americano apresentou pela primeira vez a obra dupla aqui em questão, de nome Quick Millions. Ao lado do objeto, uma pequena declaração fora redigida pelo artista para o catálogo da mostra ART ‘65: Lesser Known and Unknown Painters / Young American Sculpture – East to West, editado por Brian O’Doherty (Patrick Ireland). A fim de que a matéria impressa não aparecesse só ou mal acompanhada. Vem daí um monte de complicações.

Resumo em Inglês:

This text lists the subjects with stones, piling them in the manner of Robert Smithson (1938-1973). In 1965, the American artist first presented the twofold work in question here, named Quick Millions. Beside the object, a brief statement was written by the artist for the catalog of the exhibition ART ‘65: Lesser Known and Unknown Painters / Young American Sculpture – East to West, edited by Brian O’Doherty (Patrick Ireland). In order to prevent the printed matter from appearing alone or in bad company. Thence comes a heap of language.

Resumo em Português:

Rubem Campos Grilo, mineiro de Pouso Alegre, nasceu em 1946. Desenvolve, desde o início da década de 1970, amplo e intenso trabalho na xilogravura. Ele é, hoje, um dos principais artistas em produção no país e um dos destaques da gravura brasileira. Essa entrevista em profundidade foi concedida a Oto Reifschneider na manhã do 20 de janeiro de 2012, em sua casa, no Rio de Janeiro.

Resumo em Inglês:

Rubem Campos Grilo, a native of Pouso Alegre, Minas Gerais, was born in 1946. Since the early 1970s, he has dedicated himself to woodcut. Today, Rubem Grilo is one of Brazil’s foremost artists, and a master printmaker. This in-depth interview was conducted by Oto Reifschneider in the morning of April 20th, 2012, at his home in Rio de Janeiro.