Resumo em Português:

Este artigo examina parte da produção teórica e artística que Arthur Omar realiza nas décadas de 1970 e 1980. A partir de comentários gerais sobre a obra do cineasta, o texto localiza sua filmografia no cenário da produção moderna brasileira e discute sua teoria do “antidocumentário”, verificando, inclusive, as afinidades dessa abordagem com o “cinema de poesia”, de Pier Paolo Pasolini. Por fim, analisa Música Barroca Mineira , curta-metragem de 1981 que aborda aquilo que Omar chama de “civilização barroca” e mostra como um filme poderia assimilar à sua própria tessitura as características de seu objeto.

Resumo em Espanhol:

Este artículo examina parte de la producción teórica y artística que Arthur Omar realizó en los años 1970 y 1980. A partir de los comentarios generales acerca de su obra, el texto localiza su filmografía en la cena de la producción moderna brasileña y discute su teoría del “antidocumental”, verificando también las afinidades de ese enfoque com el “cine de poesía”, de Pier Paolo Pasolini. Finalmente, analiza Música Barroca Mineira, cortometraje de 1981 que trata de lo que Omar ha llamado “civilización barroca” e presenta cómo una película podría asimilar a su propia tesitura las características de su objeto.

Resumo em Inglês:

This article examines part of the theoretical and artistic production that Arthur Omar created during the 1970s and 1980s. Beginning with general comments on his work, this texts locates his filmography in the Brazilian modern production scene and discusses his theory of “anti-documentary”, also verifying the affinities between this approach and the notion of “cinema of poetry”, by Pier Paolo Pasolini. At the end, it analyses Música Barroca Mineira , short movie from 1981, which adresses what Omar has called “baroque civilization” and demonstrates how a movie could incorporate in its own tessitura the characteristics of its object.

Resumo em Português:

Este artigo apresenta o resultado de uma investigação sobre o documentário do cineasta Harun Farocki, Imagens da prisão, e identifica seis conjuntos de imagens recorrentes que foram organizados em blocos temáticos: “Corpo disciplinado”, “Corpo oprimido”, “Corpo vigiado”, “A tecnologia como instrumento de dessubjetivação”, “Trabalho e prisão” e “O desejo”. Essa estruturação permitiu uma compreensão do seu pensamento poético e intelectual, evidenciando não apenas a sensibilidade e caráter inovador da estrutura formal de seu trabalho, mas, sobretudo, uma dimensão crítica e humana que adquire especial relevância nos dias atuais. O artigo evidencia o raciocínio do artista ao relacionar a produção das imagens na sociedade contemporânea e o processo de desumanização, que se encontra tanto nos meios de produção quanto no encarceramento.

Resumo em Espanhol:

Este artículo presenta una investigación acerca de la película documental de Harun Farocki, Imágenes de prisión, y identifica seis grupos de imágenes, organizados en temas: “Cuerpo disciplinado”, “Cuerpo oprimido”, “Cuerpo vigilado”, “La tecnología cómo herramienta de dessubjetificación”, “Trabajo y cárcel” y “El deseo”. Esa estructura hizo posible una comprensión de su pensamiento poético y intelectual, poniendo de relieve no sólo su sensibilidad y el carácter innovador de la estructura formal de su trabajo, sino también su dimensión crítica y humana, que gana posición destacada hoy en día. El artículo resalta el raciocino de Farocki en la creación de relaciones entre la producción de imágenes en la sociedad contemporánea y la deshumanización de los medios de producción y de la encarcelación.

Resumo em Inglês:

This article presents the results of an investigation on the documentary Prison Images, by filmmaker Harun Farocki, and defines its recurring images, organized into the following thematic groups: “Disciplinary Body,” “Oppressed Body,” “Guarded Body,” “Technology as a Tool for Desubjectification,” “Work and Oppression,” and “Desire.” Such structure allowed to reach an understanding of Farocki’s poetic and intellectual thought by revealing the sensitivity and innovative character of the formal structure of his work. In addition, it unraveled a critical and human dimension which becomes especially relevant nowadays. This article focuses the logic behind the relation stablished by Farocki between the production of images in contemporary society and the process of dehumanization, found both in the means of production and in imprisonment.

Resumo em Português:

Este artigo analisa a ficção televisiva Westworld buscando elucidar a inserção da série na onda distópica contemporânea e sua representação de uma crise do sujeito humanista moderno. Outros aspectos destacados são a relação entre humanos e máquinas, sua ressignificação dos códigos do western cinematográfico, sua complexidade narrativa e as alusões à iconografia da pintura de natureza morta.

Resumo em Espanhol:

El artículo analiza la ficción televisiva Westworld en vista de una reciente oleada de distopías, tratando de comprender como la serie opera la representación de una crisis del sujeto humanista moderno. Otros aspectos señalados son la relación entre humanos y máquinas, la resignificación de los elementos del western cinematográfico, la complejidad narrativa de la serie y sus alusiones a la iconografía de la pintura de bodegones.

Resumo em Inglês:

This article investigates how the TV series Westworld fits into the contemporary dystopian wave, and its depiction of a crisis of the modern humanist subject. Other issues stressed throughout the article are the relationship between humans and machines, the resignification of the codes of cinematic western, the series’ narrative complexity, and the allusions to still life painting’s iconography.

Resumo em Português:

O presente artigo propõe um aprofundamento da crítica de Merda de artista (1961), de Piero Manzoni. Com o intuito de nos afastarmos da hipertrofia do aspecto iconoclasta atribuído à obra por parcelas substanciais da crítica, contextualizamos a edição a partir de sua relação com outras obras do artista e com a poética de importantes intercessores, notadamente, Yves Klein e Marcel Duchamp. Questões relacionadas às articulações entre experiência estética e economia política e à clivagem entre a obra de Manzoni e o informalismo foram mobilizadas na construção de um solo a partir do qual as teses de Germano Celant sobre o artista pudessem ser tensionadas e os fundamentos culturais que perpassam a recepção de Merda de artista pudessem ser vislumbrados.

Resumo em Espanhol:

Este artículo propone una profundización de la crítica de Mierda de artista (1961), de Piero Manzoni. Para alejarnos de la hipertrofia del aspecto iconoclasta atribuido a la obra por partes sustanciales de la crítica, contextualizamos la edición desde su relación con otras obras del artista y con la poética de importantes intercesores, en particular, Yves Klein y Marcel Duchamp. Las cuestiones relacionadas con las articulaciones entre experiencia estética y economía política y con la disociación entre la producción de Manzoni y el informalismo se movilizaron en la construcción de un suelo a partir del cual se podrían tensar las tesis de Germano Celant y vislumbrar los fundamentos culturales que impregnan la recepción de Mierda de artista .

Resumo em Inglês:

This article proposes a deepening of critical readings on Piero Manzoni’s Artist’s Shit (1961). In order to move away from the hypertrophy of the iconoclasm attributed to the work by a substantial number of critics, we contextualize the edition based on its relationship with other works by the artist and with the poetics of important intercessors, notably Yves Klein and Marcel Duchamp. Questions related to articulations between aesthetic experience and political economy and the cleavage between Manzoni’s work and informalism were mobilized in the construction of a ground from which Germano Celant’s theses about the artist could be tensioned, and the cultural foundations that permeate the reception of Artist’s Shit could be glimpsed.

Resumo em Português:

Neste artigo, realiza-se uma contextualização acerca da concepção do Museu de Arte Contemporânea de Barcelona (MACBA), enfatizando-se a gestão de Manuel Borja-Villel (1998-2008) como diretor, em que foram realizadas experimentações institucionais que visaram a aproximar o Museu, a cidade e a comunidade. Em seguida, é analisada a gestão de seu sucessor, Bartomeu Marí (2008-2015), a fim de verificarmos, a respeito da construção de uma “cultura institucional”, a proposição dessas experimentações institucionais no museu. Avalia-se, por um lado, a possibilidade de que a sustentação de proposições desse tipo esteja ancorada em figuras de diretores específicos. De outro, cabe questionarmos se as estruturas internas à instituição poderiam determinar e cercear a autonomia dos diretores em casos de eventuais conflitos de interesses.

Resumo em Espanhol:

En este artículo, se hace una contextualización de la concepción del Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), con enfoque en la administración de Manuel Borja-Villel (1998-2008) como director, en la cual fueron realizadas experimentaciones institucionales cuyo objetivo era aproximar el museo, la ciudad y la comunidad. Después, se analiza la administración de su sucesor, Bartomeu Marí (2008-2015), a fin de verificar, acerca de la construcción de una “cultura institucional”, la proposición de experimentaciones institucionales. Se evalúa, por un lado, la posibilidad de que la sustentación de esas proposiciones esté ancorada en directores específicos. De otro, cabe cuestionar si las estructuras internas de la institución pueden determinar y cercear la autonomía de los directores en casos de eventuales conflictos de intereses.

Resumo em Inglês:

This article carries out a contextualization concerning the conception of the Barcelona Museum of Contemporary Art, emphasizing the directorship of Manuel Borja-Villel (1998-2008), during which were held institutional experimentations that intended to approximate the museum, the city and the community. Subsequently, we analyze the directorship of his successor, Bartomeu Marí (2008-2015), to verify the construction of an “institutional culture” concerning the proposition of these institutional experimentations. We evaluate, on the one hand, the possibility that the maintenance of this kind of proposition is linked to the personas of specific directors. On the other hand, we question whether the internal structures of the institution could determine and limit the autonomy of the directors in case of eventual conflicts of interests.

Resumo em Português:

A partir da análise de um trabalho errôneo da crítica de arte, um ensaio de Goethe que busca re-imaginar uma escultura antiga desaparecida, demonstro a dificuldade da História da Arte, enquanto disciplina, em conceitualizar a experiência da criação artística e abordo como é possível responder a isso. Reexamino a relação entre o fazer artístico e a apreciação da arte com base em ideias como a visão aristotélica de poiesis, o elogio de Iris Murdoch à arte em tempos não religiosos e o apelo de Giogio Agamben à união entre poesia e filosofia. Defendo, ainda, que boa parte da crítica moderna esqueceu-se da vocação conceitual primeva da arte e proponho métodos de avaliação da arte que são, eles mesmos, artísticos.

Resumo em Espanhol:

A partir del análisis de trabajo erróneo de la crítica del arte, un ensayo de Goethe que intenta reimaginar una escultura antigua desparecida, demostro la dificultad de la Historia del Arte, en cuanto disciplina, de conceptualizar la experiencia de creación artística y abordo cómo es posible responder a eso. Reexamino la relación entre el hacer artístico y la apreciación del arte con base en ideas cómo el entendimiento de Aristóteles de poiesis, el elogío de Iris Murdoch a el arte en tiempos no religiosos y el apelo de Giorgio Agamben a la unión entre poesía y filosofía. Defiendo, además, que gran parte de la crítica moderna se ha olvidado de la vocación conceptual original del arte y propongo métodos de evaluación en si mismo artísticos.

Resumo em Inglês:

Through the analysis of one erroneous piece of art criticism, an essay by Goethe that re-imagines a lost ancient sculpture, I demonstrate the difficulty that the discipline of art history has with conceptualizing the experience of art making and how one ought to respond to it. I re-examine the relationship between art making and art appreciation informed by ideas such as the Aristotelian view of Poiesis, Iris Murdoch’s praise of art in an unreligious age, and Giorgio Agamben’s call for the unity between poetry and philosophy. I also argue that much of modern art criticism has forgotten Arts’ earlier conceptual vocation, and propose methods of appreciating art that are in themselves artistic.

Resumo em Português:

Este artigo aborda a trajetória do artista italiano Bramante Buffoni e sua importância para a compreensão das artes aplicadas como signo da modernidade no Brasil. Buffoni chegou em São Paulo em 1953, onde trabalhou com diversos agentes importantes do ambiente cultural paulistano, como Pietro Maria Bardi e Francisco Matarazzo Sobrinho. O artista atuou de maneira ampla, com diversos meios e técnicas, desde a linguagem gráfica dos cartazes até o campo da decoração de interiores. A presença da obra de Buffoni no acervo moderno do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo nos propõe o entendimento dessa coleção a partir de uma renovada abordagem, que seja ampla e inclua uma gama expandida de objetos de arte.

Resumo em Espanhol:

Este artículo trata de la trayectoria de lo artista italiano Bramante Buffoni y de su importancia para la comprensión de las artes aplicadas encuanto signo de modernidad en Brasil. Buffoni llegó a São Paulo en 1953, donde trabajó con diversos agentes importantes del ambiente cultural de la ciudad, cómo Pietro Maria Bardi y Francisco Matarazzo Sobrinho. El artista utilizo técnicas y medios muy variados, desde el lenguaje gráfico de los afiches hasta el campo de la decoración de interiores. La presencia de su obra en el acervo del Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo nos presenta el entendimiento de esta colección por un nuevo enfoque, amplio y capaz de abarcar una gama extendida de objetos del arte.

Resumo em Inglês:

This article examines the trajectory of the Italian artist Bramante Buffoni, and its importance for the understanding of applied arts as a sign of modernity in Brazil. Buffoni arrived in São Paulo in 1953, where he worked with several important agents of the cultural environment of São Paulo, such as Pietro Maria Bardi and Francisco Matarazzo Sobrinho. The artist worked with various media and techniques, from the graphic language of the posters to the field of interior decoration. The presence of Buffoni’s work in the modern collection of the Museum of Contemporary Art of the University of São Paulo elicites a renewed approach to the understanding of this vast collection, which includes an expanded range of art objects.

Resumo em Português:

Ainda seguindo os paradigmas da forma da pintura histórica, David se utilizou dos feitos da Antiguidade Clássica não só como orientação moral, mas como posicionamento político e orientação prática na então emergente revolução iniciada na França. Os litores trazendo a Brutus os corpos de seus filhos (1789) é um exemplo de caráter republicano por excelência e, por isso, também de ação revolucionária no contexto da monarquia. Após a Revolução, David pintou Marat assassinado (1793), obra em que, valendo-se da forma da pintura histórica, retratou um personagem e um tema da história contemporânea. Finalmente a França, agora republicana, era digna de ser representada em uma pintura histórica.

Resumo em Espanhol:

Aun segundo los paradigmas de la forma de la pintura histórica, David hizo uso de los hechos de la Antigüedad Clásica no solo cómo orientación moral, sino también cómo posicionamiento político y directriz práctica en la entonces emergente revolución iniciada en Francia. Los lictores trayendo a Bruto los cuerpos de sus hijos (1789) es un ejemplo del carácter republicano por excelencia y, por eso, también de acción revolucionaria en el contexto de la monarquía. Después de la Revolución, David pintó La muerte de Marat (1793), en la cual, valiendo-se de la forma de la pintura histórica, retrató un personaje y un tema de la historia contemporánea. Finalmente, la Francia, ahora republicada, era digna de ser representada en una pintura histórica.

Resumo em Inglês:

Following the paradigms of the historical painting form, David uses the acts of Classical Antiquity not only as a moral orientation, but as a political position and practical guiding in the then emerging revolution in France. The Lictors Bring to Brutus the Bodies of His Sons (1789 ) is an example of the republican feature par excellence and, therefore, of revolutionary action in the monarchy’s context. After the Revolution, David painted The Death of Marat (1793), a work in which, using the form of historical painting, portrays a character and a theme of contemporary history. Finally, France, now republican, was worthy of representation in a historical painting.

Resumo em Português:

O seguinte artigo busca apresentar um recuo histórico com o intuito de compreender como a tradicional concepção de livro foi reformulada no período de vanguarda, especialmente a russa, a partir da incorporação da fotografia em sua estrutura. Nesse processo, privilegiaremos o estudo sobre as contaminações entre cinema, literatura, revistas e jornais ilustrados, cartazes e design de exposições para que possamos compreender, de modo histórico, o aspecto híbrido dado ao livro fotográfico. Teremos como foco as produções e reflexões teóricas do artista El Lissitzky (1890-1941) e dos cineastas Dziga Vertov (1896-1954) e Sergei Eisenstein (1898-1948) em aproximação com os escritos do filósofo alemão Walter Benjamin (1892-1940).

Resumo em Espanhol:

El artículo presenta un regreso histórico con el objetivo de comprender cómo la concepción tradicional de libro ha sido reformulada en el período de la vanguardia, sobretodo la rusa, con la incorporación de la fotografía en su estructura. En ese proceso, se hace hincapié el estudio de las contaminaciones entre el cine, la literatura, revistas y periódicos ilustrados, afiches y diseño de exhibiciones, de modo que sea posible comprender, en una perspectiva histórica, el aspeto híbrido dado al libro fotográfico. Tendremos como enfoque las producciones y reflexiones teóricas del artista El Lissitzky (1890-1941) y de los cineastas Dziga Vertov (1896-1954) y Sergei Eisenstein (1898-1948) en su proximidad con los escritos del filósofo alemón Walter Benjamin (1892-1940).

Resumo em Inglês:

The following article seeks to present a historical retreat to understand how traditional book design was reformulated in the avant-garde period, especially the Russian one, from the incorporation of photography into its structure. In this process, we will focus on the study of the contamination between cinema, literature, illustrated magazines and newspapers, posters and exhibition design so that we can understand, historically, the hybrid aspect given to the photobook. We will focus on the production and theoretical reflections of the artist El Lissitzky (1890-1941) and the filmmakers Dziga Vertov (1896-1954) and Sergei Eisenstein (1898-1948), approximating them with the writings of the German philosopher Walter Benjamin (1892-1940).

Resumo em Português:

Artigo a respeito das revistas de artista publicadas no Brasil no período de 1952 a 1988, no qual se mostra a formação de uma rede de colaboradores que perpassa a maioria das publicações, com destaque ao papel que tiveram as revistas para o surgimento dos livros de artista. O artigo é resultado de um mapeamento inédito das revistas, realizado com o objetivo de montar uma exposição dedicada ao tema. Esse tipo de produção, ignorado por boa parte da historiografia brasileira, até mesmo em estudos sobre os livros de artista, é fundamental para entender o fenômeno atual das publicações de artista.

Resumo em Espanhol:

Artículo acerca de las revistas de arte publicadas en Brasil en el período entre 1952 y 1988, en lo cual se presenta la formación de una red de colaboradores que atraviesa la mayor parte de las publicaciones, con especial énfasis al papel que jugaron las revistas para el surgimiento de los libros de artista. El artículo resulta del mapeo inédito de las revistas hecho con el propósito de organizar una exhibición dedicada a lo tema. Ese tipo de producción, ignorado por grande parte de la historiografía brasileña, hasta en estudios sobre los libros de artistas, es central para comprender el fenómeno actual de las publicaciones de artistas.

Resumo em Inglês:

Article about artist’s magazines published in Brazil from 1952 to 1988, showing the formation of a network of collaborators that runs through most publications, highlighting the role that magazines had for the emergence of artist’s books. The article is the result of an unpublished mapping carried out with the objective of organizing an exhibition dedicated to the theme. This type of production, ignored by much of Brazilian historiography, even in studies on artist’s books, is fundamental to understanding the current phenomenon of artist’s publications.