Resumo em Português:

Resumo: No texto A necessidade metafísica do homem, Schopenhauer elabora considerações fundamentais sobre sua metafísica imanente e, na ânsia de explicar por que o homem filosofa, alia-se a uma longa tradição de pensadores que viram na admiração (thaumázein) o impulso metafísico do homem. Ele reinterpreta as duas mais famosas sentenças sobre o tema (Platão e Aristóteles) consoante o tom de sua filosofia. A origem da filosofia torna-se o resultado de fatores como a separação entre vontade e intelecto e a constatação de que o mundo, tal como agora é, possui caráter contingente e poderia deixar de ser. A isso se unem a contemplação dos males do mundo e a consciência da finitude humana (morte). No fim, desse conjunto emergem os sistemas metafísicos e religiosos. Este artigo comenta detidamente essas ideias, mostra sua relação com os filósofos antigos através de cinco tópoi e, ao fim, tenta localizar a originalidade da concepção schopenhaueriana, a qual se baseia na reinterpretação do primeiro tópos.

Resumo em Inglês:

Abstract: In the text entitled On man’s need of metaphysics, Schopenhauer makes important remarks on his immanent metaphysics and, trying to explain why men philosophize, joins a long tradition of thinkers who see in admiration (thaumázein) man’s real metaphysical impulse (Anstoß). He reinterprets then the two most famous statements on this subject (those of Plato and Aristotle) in accordance with the tone of his philosophy. The origin of philosophy becomes the result of phenomena such as the separation between will and intellect and the perception that this world, which currently is, could just as well not be. The contemplation of the world’s misfortunes and the consciousness of human finitude (death) is also dealt with. Metaphysical and religious systems emerge from these factors. This paper discusses in detail these ideas and analyzes their relationship with the ancient philosophers and the five tópoi. It also seeks to discover the originality of Schopenhauer’s conception, which is based on the reinterpretation of the first topos.

Resumo em Espanhol:

Resumen: Una de las nociones más controvertidas dentro de las interpretaciones contemporáneas de la Crítica de la facultad de juzgar, es la de “sentido común”. Junto a éste, Kant propuso un nuevo modelo de validez normativa calificada como “ejemplar”, cuyo planteamiento resulta bastante problemático. El presente artículo propone una lectura y una interpretación de este tipo de validez, a partir de la reactualización realizada por Alessandro Ferrara, y desde el horizonte de la tradición retórica, representada por Aristóteles Con ello se espera un mejor entendimiento del problema en cuestión, y al mismo tiempo, se pretende hacer mucho más comprensibles las posibilidades que Alessandro Ferrara le atribuye a esta forma de la normatividad.

Resumo em Inglês:

Abstract: One of the most controversial notions in contemporary interpretations of the Critique of judgment is that of common sense. Along with it, Kant proposed a new model of normative validity called exemplary, whose approach is quite problematic. This article proposes a reading and an interpretation of this type of validity, based on the reinterpretation carried out by Alessandro Ferrara and from the point of view of the rhetorical tradition as represented by Aristotle. It intends to achieve an improved understanding of the problem in question and, at the same time, to make much more understandable the possibilities that Alessandro Ferrara attributes to this form of normativity.

Resumo em Espanhol:

Resumen: Este artículo presenta una revisión detallada de la deconstrucción de la subjetividad estética moderna ensayada por Jacques Derrida en su confrontación con la célebre e influyente Kritik der Urteilskraft de Kant y, a la vez, sitúa esta empresa en el contexto mayor del corpus derridiano por medio de la explicitación de la vasta red conceptual que la sostiene (auto-afección, espectralidad, cripta, huella, etc.). En último término, lo que aquí se explora -siguiendo siempre a Derrida- es una comprensión de la experiencia estética como sustracción, como fractura del campo subjetivo por efecto de la introducción de una (no) presencia irreductible.

Resumo em Inglês:

Abstract: This article presents a detailed account of the aesthetic subject’s deconstruction as developed by Jacques Derrida in his confrontation with Kant’s famous and influential Critique of judgment. At the same time, it places this enterprise in the context of Derrida’s corpus by making explicit the vast conceptual network that lies behind it (auto-affection, spectrality, crypt, trace, etc.). In the last analysis, what is here explored - following Derrida’s lead - is an understanding of aesthetical experience as subtraction, as a breach into the subjective field through the introduction of an irreducible non-presence.

Resumo em Português:

Resumo: O ensaio a seguir tematiza o livro Viagem à Itália, no qual J. W. Goethe relata o período passado em território italiano, nos anos de 1786 e 1787. Procuro contextualizar essa viagem na vida e na carreira do escritor, servindo-me, para isso, especialmente de um texto sobre ele escrito por Walter Benjamin. Comento as observações de Goethe sobre a natureza, ligadas a suas pesquisas científicas, mas meu principal interesse são as observações sobre a arte e sobre a Antiguidade. Nestas, identifico não só a importante influência do historiador da arte J. J. Winckelmann, como também a orientação para o classicismo, algo que marcaria a produção artística de Goethe a partir daquele período passado em território italiano.

Resumo em Inglês:

Abstract: The following paper discusses the book Italian Journey, in which J. W. Goethe described his travels in Italian territory in the years 1786 and 1787. I try to contextualize this journey within the writer’s life and career, referring especially to a text by Walter Benjamin. I comment on Goethe’s remarks on nature, which are linked to his scientific researches, but my main interest is in his remarks on art and classical antiquity. In these remarks, I recognize the important influence of the art historian J. J. Winckelmann and also a tendency toward classicism, something which defined Goethe’s artistic production from the time of his Italian travels onward.

Resumo em Português:

Resumo: Neste artigo, propõe-se uma confrontação entre a teoria dos signos de Gotthold E. Lessing, tal como exposta em Laocoonte ou sobre as fronteiras da pintura e da poesia (1766), e os dois ensaios de Theodor W. Adorno sobre as relações entre música e pintura (de 1950 e 1965). Pretende-se, com isso, demonstrar a presença decisiva de elementos da estética clássica alemã no pensamento adorniano do pós-guerra; em particular, observa-se o modo pelo qual a teoria racionalista de Lessing atua na abordagem dialética adorniana a respeito da irredutibilidade formal dos meios artísticos e das possibilidades de sua convergência. À luz de tal confrontação, discutem-se, em um segundo momento do artigo, os temas da conferência de Adorno de 1966, A arte e as artes, que, em certa medida, consubstancia a discussão dos ensaios anteriores sobre música e pintura. Assinala-se, nesse contexto, a continuidade da posição teórica de Adorno e se apresentam as diferenças entre o processo de pseudomorfose e o de imbricação (Verfransung) dos meios artísticos, segundo o filósofo.

Resumo em Inglês:

Abstracts: This article presents a comparison of Gotthold E. Lessing’s theory of signs, as found in his Laocoön: an essay on the limits of painting and poetry (1766), and Theodore W. Adorno’s two essays on the relationship between music and painting. Our aim is to point out the decisive influence of German classical aesthetics on Adorno’s post-war aesthetics. Specifically, we discuss how Lessing’s theory functions as a framework for Adorno’s dialectical assessment of the formal specificity of artistic media and their possibilities of convergence in the context of the 1960’s avant-garde. In this context, we discuss the main implications of Adorno’s famous lecture of 1966, Art and the arts, which concerned the process of media convergence (Konvergenz) that intensified during the 1960’s, as well as the concepts of “overlapping” (Verfransung) between artistic media and of “pseudomorphosis”.

Resumo em Espanhol:

Resumen: Partiendo del texto clásico Vanguardia y kitsch, nos proponemos analizar la obra del crítico norteamericano Clement Greenberg. Después de la intervención del Estado norteamericano en el arte entre 1935 y 1943 (los WTA), Clement Greenberg surge como uno de los principales críticos que buscaron unificar el “arte elevado” de ese país. Para tanto, el crítico norteamericano busca justificar el nivel artístico de esa vanguardia acercando esa producción a las vanguardias europeas, especialmente el cubismo. Veremos los problemas de Greenberg al forjar una “historicidad inmanente” a las obras de arte para justificar una posible convergencia de las vanguardias europeas en el nuevo contexto de la vanguardia norteamericana: el “expresionismo abstracto”. Greenberg, con ayuda del MoMA y del Estado norteamericano buscó fomentar una “pintura a la americana”, una vanguardia conocida como escuela de Nueva York. Buscamos analizar el contexto en que se forjó esa tendencia artificiosamente unificada y cómo el pop art emerge como una crítica performática de ese contexto. Más que vanagloriarse de sus métodos técnicos, el pop art busca subvertir el contexto de recepción del arte que hasta entonces era expectante del “arte serio y elevado” defendido por Greenberg.

Resumo em Inglês:

Abstract: Starting from the classic text Avant-garde and kitsch, we propose to analyze the work of the North American critic Clement Greenberg. After the US state intervention in the arts between 1935 and 1943 (the WTA), Clement Greenberg emerged as one of the main critics who sought to unify the “high art” of that country. The critic attempted to justify the artistic level of the American avant-garde by bringing it closer to the European avant-gardes, especially Cubism. We will see Greenberg’s problems in forging an “immanent historicity” of works of art in order to justify a possible convergence of the European avant-garde in the new context of an American avant-garde of “abstract expressionism”. Greenberg, with the help of the MoMA and the American government, sought to promote an “American painting”, a vanguard known as the New York school. We seek to analyze the context in which this artificially unified tendency was forged, and to analyze how pop art emerged as a performance critique of that context. More than boasting of its technical methods, pop art sought to subvert the context of the reception of art that until then expected the “serious and high art” defended by Greenberg.

Resumo em Espanhol:

Resumen: El presente artículo se propone examinar la clausura del concepto benjaminiano de aura como noción válida para pensar la experiencia estética contemporánea. En este sentido, un primer objetivo consiste en rehabilitar tal concepto, cotejando su definición en el famoso ensayo sobre la reproductibilidad técnica con las diversas formulaciones que el mismo Benjamin elabora al respecto en otros ensayos (“Pequeña historia de la fotografía”, El narrador y “Sobre algunos temas en Baudelaire”), en los que la gravitación del aura se desplaza desde una cualidad objetiva, anidada en la obra misma, hacia una facultad perceptual y memoriosa que organiza su experiencia histórica. A partir de lo anterior, un segundo objetivo consiste en pesquisar las huellas de un presunto modelo de historiografía del arte que Benjamin esboza en una carta dirigida a Florens Christian Rang y que afina en su ensayo sobre Eduard Fuchs. Establecidos los lineamientos de este modelo, el artículo concluye que el concepto de aura no remite tanto a una datación de origen de la obra de arte, circunscribiendo exclusivamente sus condiciones de producción, sino a las coordenadas variables en las que cada época recupera para sí una obra de arte determinada. Esta recuperación, imantada por el mecanismo de las correspondances, donde la singularidad de una obra de arte hace sistema con una situación histórica determinada, permite comprender finalmente el aura como un modo de experiencia de las imágenes del arte.

Resumo em Inglês:

Abstract: The following work attempts to examine Walter Benjamin’s concept of aura as a valid notion for thinking about contemporary aesthetic experience. In this regard, our first goal is to rehabilitate this concept, comparing its definition in the famous essay on technical reproducibility with other formulations developed by Benjamin in essays such as a “A short history of photography”, “The storyteller”, and “On some motifs in Baudelaire”, in which aura is not understood as an objective quality pertaining to the work of art itself, but as the perceptive and mnemonic faculty organizing its historical experience. Our second goal is to locate the traces of a model for the historiography art, which Benjamin outlines in a letter written to Florens Christian Rang and which he refines in his essay on Eduard Fuchs. Within this context, the article concludes that the concept of aura does not refer to a work of art’s time of origin, but to the variable coordinates that allow each epoch to make its own experience of that work of art. Through the mechanism of correspondences, by which a work of art’s singularity matches with a specific historical situation, we are able understand aura as a mode of experience of the images of art.

Resumo em Português:

Resumo: Este artigo busca investigar possíveis significações da palavra “imagem”, que se depreendam dos textos de Deleuze sobre as artes, através de uma pesquisa filológica que respeita a cronologia de suas obras. Essa noção de imagem, fundamental para a Estética, aparece em seus comentários sobre Proust, o cinema, Bacon e Beckett, principalmente, seja com o uso do termo “imagem”, seja com os termos “signo” e “ideia”, àquele correlatos. Assim, verifica-se um vácuo na década de 70, de modo que, se a noção de signo é estudada na década anterior, ao tratar de Proust, e a de ideia, em Diferença e repetição, o tema “imagem” é retomado nas duas décadas subsequentes com toda a intensidade, ao abordar a pintura de Bacon, o universo cinematográfico e a obra teatral e televisiva de Beckett.

Resumo em Inglês:

Abstract: The present article seeks to investigate possible meanings of the word “image” that can be deduced from Deleuze’s writings on the arts, respecting the chronology of his works. The notion of image, which is fundamental to aesthetics, appears in Deleuze’s comments on Proust, the cinema, Bacon, and Beckett, whether with the use of the term “image” or with the correlated terms “sign” and “idea”. Thus, there is found in Deleuze’s writings a vacuum in the 1970’s: the notion of sign is studied in the previous decade when dealing with Proust and the notion of idea in Difference and repetition, and the theme of image is intensely taken up again in the following two decades in dealing with Bacon’s painting, the cinematographic universe, and Beckett’s theater and television work.

Resumo em Espanhol:

Resumen: ¿Puede el cine filosofar? ¿Puede la imagen en movimiento ser medio para que la filosofía opere en otra materia expresiva? Este artículo (derivado de la tesis doctoral en filosofía: Poéticas del cine: marcas de una filosofía en imágenes) tiene como interés auscultar la capacidad de ciertos cines (que tiene origen en el marco del cine moderno) de hacer filosofía al interior de la gran pantalla. Por eso, se exponen las líneas teóricas que permiten la defensa de un cine filosófico capaz de ofrecer conceptos a través de la dimensión expresiva propia de las imágenes en movimiento. Dicho proceso tiene lugar al interior del trabajo poético que el cine de autor ofrece y que, a razón de su distancia del tono general del cine clásico, supone una crítica a la metafísica en el territorio del séptimo arte. Se realiza el análisis de parte de la obra iniciática del director Wong Kar-Wai y su singular poética del des-encuentro (nominación que introducimos para caracterizar las marcas de autor del cineasta hongkonés). A razón de su trabajo al filo del cine moderno es posible evidenciar cómo el cine puede darnos qué pensar.

Resumo em Inglês:

Abstract: Is it possible for the cinema to philosophize? Can the moving image work as a means for philosophy to operate under a different expressive language? This article discusses the ability of certain cinemas (especially modern cinema) to do philosophy on the big screen. It describes the theoretical approaches that argue for a philosophical cinema capable of offering concepts through the expressive dimension of moving images. This process takes place within the poetic work that an auteur’s cinema offers which, because of its distance from the general tone of classical cinema, implies a critique of metaphysics from within the territory of the seventh art. The article analyzes part of the early work of the director Wong Kar-Wai’s and his unique poetics of dis-encounter (an expression we have coined to characterize the work of the Hong Kong filmmaker). Through his work on the margins of modern cinema, it is possible to show how the seventh art can offer us something to think about.

Resumo em Português:

Resumo: Este artigo tem por objetivo apontar uma relação entre a estética e a ética em Sartre, mostrando que a constituição ética do indivíduo não se distingue da sua constituição estética. Primeiramente, parte-se da crítica que Merle faz em seu artigo à psicanálise existencial e se evidencia como o encontro com a história e a postulação de uma teoria da personalização nas obras biográficas destituem tais críticas. Num segundo momento, legitimam-se as postulações anteriores, apontando-se como na obra Saint Genet Sartre ratifica a constituição do gosto sobre a moral pelo processo de personalização. Por fim, será visto que toda ética tem um pressuposto transgressor, na medida em que o sujeito ético é também sujeito estético.

Resumo em Inglês:

Abstract: This article aims to point out a relation between aesthetics and ethics in Sartre, showing that the ethical constitution of the individual does not distinguish from his or her aesthetic constitution. First, we start from Merle’s criticism of existential psychoanalysis, and we show how such criticisms can be dismissed on the basis of the encounter with history and the postulation of a theory of personalization in biographical works. Second, we point out how Sartre, in his Saint Genet, ratifies the constitution of a taste regarding the moral by the process of personalization. Finally, we will see that all ethics have a transgressive presupposition insofar as the ethical subject is also an aesthetic subject.