Scielo RSS <![CDATA[ARS (São Paulo)]]> http://www.scielo.br/rss.php?pid=1678-532020160002&lang=es vol. 14 num. 28 lang. es <![CDATA[SciELO Logo]]> http://www.scielo.br/img/en/fbpelogp.gif http://www.scielo.br <![CDATA[Ensaio Visual]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202016000200008&lng=es&nrm=iso&tlng=es <![CDATA[Uprisings]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202016000200017&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumo Entrevista com Georges Didi-Huberman para L’Humanité a propósito da exposição “Soulèvements”, no museu do Jeu de Paume (Paris, novembro de 2016), realizada por Magali Joffret.<hr/>Abstract Translation of interview with Georges Didi-Huberman by Magali Joffret for L'Humanité on the exhibition "Soulèvements" at the Jeu de Paume museum (Paris, November 2016). <![CDATA[Disappearance at the sea: image and time in Tacita Dean's work.]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202016000200028&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumo O presente texto investiga a relação entre tempo e imagem com base em alguns trabalhos de Tacita Dean. Ao recuperar a trágica história do navegador inglês Donald Crowhurst, que tentou dar a volta ao mundo e acabou enredado em sua própria narrativa, a artista sinaliza as intermitências da imagem, cuja temporalidade é marcada por desaparecimentos e sobrevivências. As fotografias e os vídeos de Dean nos apresentam um presente mantido em suspensão e povoado de múltiplos passados. Entretanto, o que se vislumbra são projeções sobre as lacunas e os restos da história, assinalando que a própria imagem se funda sob o signo da ausência. A partir dessa premissa, Dean investiga a nossa cultura da obsolescência explorando temas como as ruínas arquitetônicas, os resquícios do passado e da história e também a própria memória. Ao fazer uso de tecnologias obsoletas em seu processo de trabalho, a artista indaga sobre a natureza da imagem e sua relação intrínseca com o tempo.<hr/>Abstract This article investigates the relation between time and image based on some works of Tacita Dean. When the artist recovers the tragic story of the English navigator Donald Crowhurst, who tried to go around the world and became entangled in his own narrative, she points out the intermittency of the image, whose temporality is marked by disappearances and returns. Dean's photographs and videos present us with a present that has been kept in suspension and populated by multiple pasts. However, what is glimpsed are the projections about the gaps and the remains of history, noting that the image itself is founded under the sign of absence. From this premise, Dean investigates our culture of obsolescence exploring themes such as architectural ruins, remnants of the past and history and memory itself. By making use of obsolete technologies in her work process, the artist inquiries about the nature of image itself and its intrinsic relationship with time. <![CDATA[2 Angelicos: Argan and Didi-Huberman]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202016000200052&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumo O presente artigo apresenta dois perfis criados para Fra Angelico por dois historiadores da arte, Giulio Carlo Argan e Georges Didi-Huberman. Cotejam-se aproximações existentes entre a percepção dos historiadores no que se refere ao caráter inabitual de Angelico dentro do contexto do Renascimento italiano e as diferentes metodologias de abordagens usadas pelos estudiosos. Analisa-se o modo diferenciado de interpretação dado pelos autores às pinturas do artista e às fontes intelectuais formativas de Angelico, como São Tomás de Aquino, e apresenta-se o diálogo de ambos com a produção de Giorgio Vasari. Assim, o trabalho ajuíza sobre duas perspectivas historiográficas, a moderna de Argan e a contemporânea de Didi-Huberman, a fim de produzir um juízo acerca dos limites dos métodos.<hr/>Abstract This article presents two Fra Angelico profiles by two art historians, Giulio Carlo Argan and Georges Didi-Huberman. It shows existing approaches between the authors’ perception about the unusual character of Angelico in the context of the Italian Renaissance and different methodologies used in these approaches. It analyzes the different interpretation given by the historians to the paintings of the artist, and talks about Angelico’s formative intellectual sources, like St. Thomas Aquinas, and the dialogue of both authors with the production of Giorgio Vasari. Through this, this work reflects on two different historiographical perspectives (Argan’s modern perspective and Didi-Huberman’s contemporary perspective) looking for the limits of their methods. <![CDATA[A nymph to pursue heads: Salome pictures in the Alceu’s Girls.]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202016000200092&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumo O presente artigo aborda as temporalidades das imagens da coluna Garotas do Alceu da revista O Cruzeiro. As pin-ups ilustradas por Alceu Penna para a coluna Garotas foram imagens permeadas de publicidades, comportamentos, morais e modas em voga em seu tempo histórico de produção. Contudo, segundo Georges Didi-Huberman, a imagem pertence ao tempo. Tempos múltiplos, impuros, heterogêneos, dialéticos, anacrônicos também perpassam as imagens da coluna em questão. Nas páginas que seguem as Garotas do Alceu, as pin-ups, foram também analisadas como ninfas modernas que associam o belo ao trauma. Entre as Garotas e as ninfas, as apresentações de Salomé e das cabeças decapitadas foram aqui destacadas e analisadas.<hr/>Abstract The paper addresses the temporalities of images from the column Garotas of Alceu in the the pin-ups illustrated by Penna to the magazine were images surrounded by advertisements, behavior, morals and fashions in vogue in its historical production time. However, according to Georges Didi-Huberman, the image belongs to time. Multiple, impure, heterogenic, dialectic, anachronic times also permeate the images in study. The Garotas of Alceu (Girls of Alceu), pin-ups, were analyzed modern nymphs that associate beauty to trauma. Between the girls and the nymphs, the presentations of Salome and of the decapitated heads were here highlighted and analyzed. <![CDATA[RE-TRATOS-VISUALES]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202016000200114&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumen En la medida en que atendemos el nuevo magma visual en el que habitamos y el tipo de formalizaciones que lo representan, se hace más evidente la condición contingente de la idea de imagen y su relación con los apriorismos históricos que conforman el mirar y el ver como experiencias complejas en cada período. Este artículo trata de acercarnos a la caracterización escópica de la actual sociedad de redes y a las complejas y diversas relaciones operadas entre la experiencia visual, su representación en figuras o estampas y su conversión en imágenes. Se procura poner de manifiesto lo que aparece como un nuevo trato con lo visual, que se produce desde la fricción de diversos agenciamientos, históricos, maquínicos, sociales, etc. (lo que podemos entender como un re-trato), y hacerlo a través de la confrontación de diversas maneras de concebir y construir al sujeto y a su figura (lo que entendemos como retrato). Para ello se traza un somero recorrido arqueológico por algunas prácticas cotidianas que tratan las imágenes en diferentes contextos, y se le confronta con propuestas artísticas que problematizan la mirada hoy.<hr/>Abstract As we attend to the new visual magma in which we inhabit and the type of formalizations representing it, the contingent condition of the idea of ​​image and its relation to the historical apriorism that configures this view as complex experiences in each period becomes more evident. This article tries to get closer to the scopic characterization of the present society of networks and to the intricate and diverse relations operating among the visual experience, its representation through pictures or prints and their conversion into images. It seeks to reveal what appears as a new treatment of visual aspects, produced from the friction of various factors - historical, social, etc (what we can understand as a re-treat), and does so through the confrontation of various ways of conceiving and constructing the subject and its figure (what we understand as a portrait). For this, a brief archaeological tour is traced through some daily practices that treat the images in different contexts, and is confronted with artistic proposals that problematize this present view. <![CDATA[Images after all / Images despite everything: problems and controversies surrounding the representation, from <em>Shoah</em> to <em>Son of Saul</em>]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202016000200134&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumo Este artigo pretende investigar as polêmicas e os problemas em torno da representação do Holocausto (Shoah), a partir de três ensaios de Georges Didi-Huberman, Images malgré tout (2003), "Cascas" (2013) e Sortir du noir (2015). Tais textos se endereçam ao “inimaginável” e ao “irrepresentável”, filosófico e estético, e o refutam, por meio da análise de quatro fotografias, capturadas por membros do Sonderkommando em Auschwitz-Birkenau em agosto de 1944. Em cotejo com o cinema, de Shoah a O filho de Saul, passando por Noite e neblina e Kapo, atualizamos a querela das imagens, cada vez mais atual e longe de ser encerrada.<hr/>Abstract This article intends to investigate the controversies and problems surrounding the Holocaust (Shoah) representation, from three essays by Georges Didi-Huberman, Images malgré tout (2003), "Ecorces" (2011) and Sortir du noir (2015). These texts address the “unimaginable” and the “unrepresentable”, philosophical and aesthetic, and refute it by analyzing four photographs captured by members of the Sonderkommando at Auschwitz-Birkenau in August 1944. In comparison with the cinema, from Shoah to Son of Saul, passing through Night and Fog and Kapo, we updated the quarrel of images, more and more current and far from being closed. <![CDATA[Despite the night: the materiality of human figure in Philippe Grandrieux.]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202016000200154&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumo No cinema de Philippe Grandrieux, o interesse em valorizar a presença da figura humana coexiste com um espaço pictórico crepuscular, na iminência de desaparecer na escuridão. Cria-se um regime aparentemente contraditório: o corpo ganha peso, materialidade, apesar do risco de sua diluição na imagem. Tendo isso em vista, o artigo discute como a modulação do negrume contribui para a sublimação visual e a restituição sensorial da figura humana em seus filmes, com foco em Sombra (Sombre, 1998) e mais brevemente em White epilepsy (2012). A partir do cotejo com as artes plásticas, sobretudo com obras de Pablo Picasso e de Paul Cézanne, busca-se pensar as particularidades de um programa que evoca o corpo a partir das sugestões espaciais e da circularidade na imagem.<hr/>Abstract In Philippe Grandrieux’s cinema, the interest in representing the presence of human figure coexists with a twilight pictorial space on the brink of fading into darkness. Therefore, we recognize a contradictory situation: the body gets materiality in spite of his possibility of dissolves in the image. In view of the above, the paper aims to discuss how the shadow contributes to a visual sublimation and a sensory restitution of human figure in Grandrieux’s cinema, especially in Sombre (1998) and briefly in White epilepsy (2012). In relation with plastic art, notably the works of Pablo Picasso and Paul Cézanne, we intend to discuss the specificities of a formal proposition that seeks to evoke the body by space indices and by the circularity in the image. <![CDATA[The creative ecosystem of Otoni Mesquita.]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202016000200180&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumo O artigo propõe uma leitura ecossistêmica comunicacional sobre aspectos da obra do artista visual amazonense Otoni Mesquita, com destaque para seus vídeos experimentais. A perspectiva metodológica segue preceitos do Pensamento Complexo e Sistêmico. A investigação sugere que o fluxo comunicacional que emerge da criatividade e postura ética do artista, impulsiona percepções sobre processos de experimentação na arte contemporânea e reflexões acerca de sustentabilidade na Amazônia.<hr/>Abstract This paper proposes an ecosystem reading on aspects of the visual artist's collection Otoni Mesquita, highlighting experimental videos. The methodological approach follows the precepts of the Paradigm of Complexity. Research suggests that semiosis communicative course, emerging creativity and ethical artist provides insights mainly on developments on creative processes in contemporary art and reflections on the Amazon. <![CDATA[The performable pharmacy: body and antibody in the performative act]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202016000200206&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumo Este artigo discorre sobre o ato performativo como desconstrução permanente de si, como relação conflituosa produtora de alteridades, entre elas, a alteridade radical, o todo outro, que é a cisão do corpo em íntimo e êxtimo, tão estranhos um para o outro que não podem se comunicar e passam a surgir como corpo e anticorpo. Assim, o espectador só pode experienciar a performance se também performar, desconstruir-se, experimentar-se como infinito no infinito do outro. A atuação de Jean Desailly e Françoise Dorléac em cenas do filme La peau douce, de François Truffaut, são imagens deflagradoras do pensamento aqui desenvolvido sobre performance.<hr/>Abstract This article discusses the performative act as permanent self-deconstruction, a conflituous relation that produces alterities. Among those is the radical alterity, the whole other, which is the body’s schism between intimate and extimate, so alien to each other that they can’t communicate, becoming body and anti-body. Therefore, the spectator can only experience the performance if they also perform, deconstructing and experiencing themselves as the infinite inside the infinite of the other. The performances of Jean Desailly and Françoise Dorléac in scenes from François Truffaut’s film La peau douce are deflagrating examples of the thought hereby discussed. <![CDATA[Audiovisual Historiography: the history of cinema written by the films]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202016000200220&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumo Este artigo objetiva apresentar o trabalho desenvolvido pelo Grupo Historiografia Audiovisual (UFJF), que tem como foco o estudo de filmes que apresentem como tema o próprio cinema. Nosso percurso tem início com a pesquisa em andamento “Historiografia audiovisual do cinema no Brasil”; em seguida, estabeleço relações entre o meu trabalho como realizador e o conceito de historiografia audiovisual; por fim, trago dois estudos de caso, o primeiro sobre Panorama do cinema brasileiro (Jurandyr Noronha, 1968) e o segundo comparando Carnaval Atlântida (José Carlos Burle, 1953) e La dama de las camelias (José Bohr, 1947, Chile).<hr/>Abstract This article aims to present the work developed by the Audiovisual Historiography Research Group (UFJF), which focuses on the study of films that present as a theme the cinema itself. First, I present an ongoing research project entitled “Audiovisual historiography of cinema in Brazil”; then, I seek the relationships between my work as a filmmaker and the concept of audiovisual historiography; finally, I bring two case's studies, the first of them on the documentary Panorama do cinema brasileiro (Jurandyr Noronha, 1968); the second, by comparing Carnaval Atlântida (José Carlos Burle, 1953) and La dama de las camelias (José Bohr, 1947, Chile). <![CDATA[Notes of printmakers origins (the earliest engravers)]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202016000200246&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumo Ensaio sobre o nascimento da gravura de estampa na Europa, no século XV, no momento da construção da noção do artífice/artista, onde ainda se confundiam nas oficinas a autoridade dos ofícios com a distinção do autor. Investiga também as relações entre a gravura e o desenho em movimento especulares.<hr/>Abstract Essay on the birth of printmaking in Europe in the XV century when the construction of artificer/artist notion and the crafts authority was still doubtful in the workshops. It also investigate the relations between prints and drawings in specular motion. <![CDATA[Between soirées and operas: the theatrical space in painting]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202016000200256&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumo O desenvolvimento do edifício teatral moderno, iniciado no Renascimento, respondia não só às necessidades técnicas das artes cênicas, mas, e sobretudo, às prerrogativas da vida cortesã e posteriormente burguesa como ambiente primordial de sociabilidade. Desse modo, o teatro lírico, enquanto espaço, seria tema para a pintura a partir do século XVIII, época da fixação definitiva desses edifícios como símbolos de magnificência e poder. Já no século seguinte, o elogio a um estilo de vida cosmopolita e as vicissitudes associadas a este ambiente dariam o tom da representação pictórica do edifício teatral.<hr/>Abstract The development of the modern theater building, begun in the Renaissance, corresponds not only to the technical needs of the performing arts but, and especially, to the prerogatives of the courtesan, and later bourgeois, life as a primordial ambience of sociability. Therefore, the lyric theater, as space, would be theme for painting from the eighteenth century on, time of definitive fixation of these buildings as symbols of magnificence and power. In the next century, the compliment of a cosmopolitan life style and the vicissitudes associated to this ambience would give the tone of the pictorial representation of the theater building. <![CDATA[“Artistic exile” and professional failure: Brazilian visual artists in New York in the 1960s and 1970s”]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202016000200282&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumo O objetivo deste artigo é discutir o fluxo dos artistas visuais brasileiros para os Estados Unidos nas décadas de 1960 e 1970 como um fenômeno coletivo complexo, aqui denominado de “exílio artístico”. Para a análise, considera-se que houve um aumento do campo de influências dos Estados Unidos no meio das artes e da cultura brasileira que atraiu os artistas para aquele país. Apesar dos dispositivos de atração, a cena nova-iorquina não se tornou por isso mais inclusiva e aberta para os que lá chegaram, transformando o “exílio artístico” em uma experiência de fracasso profissional para muitos que o viveram.<hr/>Abstract The purpose of this article is to discuss the flow of Brazilian visual artists to the United States in the 1960s and 1970s as a complex collective phenomenon which we have called "artistic exile". In order to analyze it, we understand that the increasing influence of the United States on the arts and on the Brazilian culture was responsible for attracting Brazilian artists to that country. However, despite the means used to draw these artists, the New York scenario did not become more inclusive and open to those who arrived there, therefore turning this "artistic exile" into an experience of professional failure for many who tried it. <![CDATA[Ritual and violence - vigil by the 111, by Nuno Ramos]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202016000200298&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumo Este artigo visa analisar as propostas de Nuno Ramos 111 (1992), O dia deles - 24 horas 111 (2012) e 111, a vigília (2016), todas versando sobre o grande massacre levado a cabo pela polícia dentro da Casa de detenção Carandiru, em 1992. A análise procura pensar, de forma um tanto aberta, como o Estado de Direito brasileiro é flagrado em seus antagonismos por essas imagens e instalações.<hr/>ABSTRACT This article aims to analyze the works of Nuno Ramos 111 (1992), Their day - 24 hours 111 (2012) e 111, a vigil (2016). The works show the great massacre carried out by the police inside the Carandiru detention house in 1992. The analysis of the images and artworks aims to show the antagonisms of the Brazilian State of Law. <![CDATA[Thomas Demand’s allegories of intention: “exclusion” in Candida Hofer Hiroshi Sugimoto, and Thomas Struth.]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202016000200312&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumo Em 2008, com a publicação de Why photography matters as art as never before, Michael Fried retoma as discussões iniciadas em “Arte e objetidade”, ensaio de 1967, em especial a ideia de "absorção" ou antiteatralidade da arte, suposta característica da arte modernista em contraposição à minimalista/literalista. Fried debate a questão da "presença", argumentando em prol da antiteatralidade, considerando a "absorção" como a principal qualidade nos trabalhos fotográficos de Thomas Struth, Thomas Demand, Candida Höfer entre outros, sobretudo no capítulo 9, aqui traduzido. A partir de uma minuciosa descrição e da análise formal das imagens, Fried encontra parâmetros para consolidar seu principal argumento: a capacidade de "absorção" da fotografias.<hr/>ABSTRACT In 2008, with the publication of Why Photography Matters as Art as Never Before, Michael Fried resumes the discussions initiated in "Art and Objecthood" (1967), in particular the idea of "absorption" or antiteatrality of art, supposed characteristic of Modernist art as opposed to the minimalism/ literalist art. Fried discusses the issue of "presence", arguing for anti-theatricality, considering "absorption" as the main quality in the photographic works of Thomas Struth, Thomas Demand, Candida Höfer among others, especially in chapter 9, translated here. From a detailed description and the formal analysis of the images, Fried finds parameters to consolidate his main argument: the ability of photographs to "absorb". <![CDATA[“Fiction erodes fact”: an introduction on Bruce Nauman’s writings]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202016000200352&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumo Inicia-se uma nova seção na Ars dedicada aos escritos de artista com cinco textos de Bruce Nauman, traduzidos no âmbito de uma pesquisa acadêmica sobre a obra do artista. A escrita de Nauman é intrínseca à produção e, em lugar de explicá-la, reforça seus aspectos ambíguos. As palavras, escritas ou faladas, compartilham a mesma natureza dos demais materiais empregados nos trabalhos, isto é, são tratadas como matérias-primas sob inspeção.<hr/>Abstract This new section of Ars is dedicated to artists' writings and presents five of Bruce Nauman's writings, translated to Portuguese in the scope of a thesis research on Nauman's body of works. Nauman's writing is intrinsic to his production and, instead of explaining it, reinforces its ambiguous aspects. The words, written or spoken, share the same nature of the other materials he employs in his works, that is, they are treated as raw materials under inspection. <![CDATA[Photography and Architecture: Invention and Modernity]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202016000200376&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumo Resenha do livro: Monumentalidade e sombra: o centro cívico de Brasília por Marcel Gautherot, de Heloisa Espada. Annablume, São Paulo: 2016, 173.<hr/>Abstract Review of "Monumentalidade e Sombra - o centro cívico de Brasília por Marcel Gautherot", book written by Heloisa Espada, published by Annablume e Fapesp.