Scielo RSS <![CDATA[ARS (São Paulo)]]> http://www.scielo.br/rss.php?pid=1678-532020170001&lang=es vol. 15 num. 29 lang. es <![CDATA[SciELO Logo]]> http://www.scielo.br/img/en/fbpelogp.gif http://www.scielo.br <![CDATA[Ensaio Visual]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000100008&lng=es&nrm=iso&tlng=es <![CDATA[Interview with Giuseppe Penone]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000100029&lng=es&nrm=iso&tlng=es Em entrevista realizada em seu estúdio na cidade de Turim, em 12 de maio de 2014, Giuseppe Penone fala sobre seu interesse na tecnologia existente na natureza – a cultura própria à natureza –, sobre redefinições dos valores culturais em que os artistas tomaram a natureza como ponto de partida e sobre sua intenção de conferir-lhe uma “dignidade”, a fim de estabelecer com os elementos naturais uma relação de paridade observando, sensivelmente, seus comportamentos vitais. O artista, corroborando em certa medida a noção de despersonalização da arte, ecoará Duchamp e seus ready-made, a partir da etimologia da palavra invenção. Se há alguma invenção em sua obra, ela reside, para Penone, nos encontros que se dão no mundo.<hr/>In an interview held in his studio in Turin, on May 12, 2014, Giuseppe Penone talks about his interest in the technology of nature – the culture proper to nature –, about redefinitions of cultural values in which artists have taken nature as a start point and about his intention to confer on it a "dignity", in order to establish with the natural elements a relation of parity, observing, sensibly, its vital behaviors. The artist, corroborating the notion of depersonalization of art, will echo Duchamp and his ready-made, from the etymology of the word invention. If there is any invention in his work, it resides, for Penone, in the encounters that take place in the world. <![CDATA[Reflections of Philip Johnson’s Glass House, architect, or Mauro Restiffe’s work process, photographer.]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000100045&lng=es&nrm=iso&tlng=es “Série – Casa de Vidro” é um ensaio fotográfico realizado pelo artista Mauro Restiffe na Glass House, residência que o arquiteto norte-americano Philip Johnson (1906/2005) projetou para ele mesmo em 1949, em New Canaan, Connecticut, e onde viveu até o fim de sua vida. Além dessa residência demonstrar o profundo respeito de Johnson pela arquitetura do mestre moderno alemão Mies Van der Rohe, sua ampla divulgação contribuiu decisivamente para o êxito da arquitetura moderna nos Estados Unidos da América. Ao fotografá-la em uma única visita, Mauro Restiffe, articulou em 8 fotos e 9 imagens, a arquitetura da casa, o jardim que a circunda e a tela de Nicolas Poussin, desvendando, sem se dar conta, o jogo proposto pelo arquiteto entre a tela do artista francês e o jardim plantado no mesmo período de construção da casa. A análise dessa obra Restiffe tem como objetivos secundários a apresentação do jogo engendrado por Johnson e o processo de trabalho do artista.<hr/>“Series – Glass House” is a photographic experiment conducted by the artist Mauro Restiffe at the Glass House, a project designed by the North American architect Philip Johnson (1906/2005) to become his own residence in 1949, in New Canaan, Connecticut, where he lived for the rest of his life. The house not only demonstrates Johnson’s profound respect for the architecture of the German modern master Mies Van der Rohe but also its wide propagation was a decisively contribution for the success of the modern architecture in the United States of America. By photographing the house in one single visit, Mauro Restiffe articulated in 8 photographs and 9 images the architecture of the house and its surrounding garden, as well as Nicolas Poussin’s painting, unintentionally unveiling the dynamics suggested by the architect between the French artist’s work and the garden, which was set during the building of the house. The analysis of Restiffe’s work aims as secondary objectives the presentation of the dynamics fomented by Johnson and the work process of the artist. <![CDATA[Tino Sehgal, site-specifics performances and Institutions of Art]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000100063&lng=es&nrm=iso&tlng=es O objetivo deste artigo é debater a produção artística de Tino Sehgal enquanto site-specifics performances produzidas em instituições museológicas convencionais. Para tanto, operamos com as noções de sítio e contexto, tomando o museu como componente da obra, e não sua exterioridade. Dois operadores são observados em nossas reflexões. O primeiro é a ativação do público do museu como participante privilegiado da obra, dentro de uma pedagogia museal singular. O segundo é o controle sobre os registros das obras pelo artista, enquanto parte da ação poética e, simultaneamente, ação política debruçada sobre economias simbólicas complexas, pois coloca em evidência a relação entre obras, artistas, discursos mediadores e o público.<hr/>The purpose of this article is to discuss the artistic production of Tino Seghal while site-specifics performances produced in conventional museological institutions. For this we operate with the notions of site and context, taking the museum as a component of the work, not its exteriority. Two operators are observed in our reflections. This first is the activation of the museum’s public as a privileged participant of the work, within a singular museum pedagogy. The second is the control over the records of the works by the artist as part of the poetic action and, simultaneously, political action focused on complex symbolic economies, as it highlights the relationship between works, artists, mediator speeches and the public. <![CDATA[Cubism as method]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000100078&lng=es&nrm=iso&tlng=es Este artigo busca discutir a relevância do Cubismo para a concepção de Modernismo elaborada pelo crítico de arte norte-americano Clement Greenberg a partir da análise de ensaios e textos críticos publicados por ele ao longo de mais de três décadas, nos quais transparece a identificação da unidade do plano pictórico – entendida pelo crítico como uma das características mais essenciais da pintura moderna, ao lado da planaridade – com o pensamento plástico cubista.<hr/>This paper aims to discuss the relevance of Cubism for Clement Greenberg's vision of Modernism, based on the analysis of essays and critical texts published by him over more than three decades in which the unity of the pictorial surface – understood by the critic as one of the essential features of modern painting, besides its flatness – is identified with the cubist plastic thinking. <![CDATA[Mario Sironi nas chamadas Coleções Matarazzo do MAC USP]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000100100&lng=es&nrm=iso&tlng=es O acervo de arte moderna italiana do MAC-USP pode ser considerado a maior coleção desse gênero fora da Itália e vem sendo objeto de estudo nos últimos anos. Das 71 obras italianas, seis são de autoria de Mario Sironi. Este artigo propõe uma apresentação do percurso do artista, com breve análise de sua evolução pictórica, a partir dos estudos já existentes, a fim de situar as obras sironianas do acervo do MAC no contexto de sua produção.<hr/>The MAC-USP's italian modern art collection may be considered the biggest collection of this kind outside Italy and has been object of study for the past few years. From 71 italian works of art, six were painted by Mario Sironi. This article proposes a presentation of the artist 's course, with a brief analysis of his pictorial evolution, from existing studies, in order to situate his MAC collection works in the context of his production. <![CDATA[Modern melancholy: Sergio Rodrigues' forgotten furniture]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000100122&lng=es&nrm=iso&tlng=es Ainda que Sergio Rodrigues tenha ficado notoriamente conhecido por sua poltrona Mole, não se pode esquecer de uma série de móveis desenhados por ele para escritório, que viriam a cumprir outra função na arquitetura. Eles foram concebidos pelo arquiteto para a Casa do Brasil em Roma, no palácio Doria Pamphili. Móveis que por sua funcionalidade foram esquecidos, mas que guardam no seu desenho, material e concepção final algo do mesmo otimismo inscrito na construção de Brasília. Quando se anda pelas salas e corredores da Casa Brasil, tem-se a impressão de que objetos, pinturas e particularmente os móveis traçam com exatidão cristalizada qual foi a contribuição das artes no período desenvolvimentista brasileiro.<hr/>If Sergio Rodrigues would famously known to his Poltrona Mole, we could not forget a series of office furniture designed by himself, which fulfils another function in architecture. It was the office furniture designed for Brazil's House in the Palace Doria Pamphili, Rome. Furniture that with its functionality have been forgotten, but keep in its design, material and intention something even of the optimism registered in the construction of Brasilia. When one walk through the Casa Brazil’s rooms and corridors has the impression that the objects, paintings and especially the furniture shows exactly what was the contribution of the arts to the Brazilian developmentalism period. <![CDATA[Japanese visual culture: the intersection between art and graphic design]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000100146&lng=es&nrm=iso&tlng=es Neste artigo, será abordada a relação e as influências estéticas entre as artes tradicionais do Japão e a comunicação visual contemporânea, em especial o design gráfico japonês. A arte desenvolvida durante o período de isolamento do Japão tem notável influência na linguagem estética da comunicação comercial. Para investigar essa relação, a questão sobre a abordagem investigativa das artes e do design gráfico será problematizada para definir um caminho metodológico a ser seguido. Posteriormente, o desenvolvimento de três linguagens artísticas japonesas (ukiyo-e, sumie e rinpa) será contextualizada para criar análises e relações visuais com trabalhos na área do design gráfico japonês.<hr/>This paper will address the relationship and aesthetic influences between the traditional art of Japan and the contemporary visual communication, especially the Japanese graphic design. The art developed during Japan's period of isolation has significant influence in the aesthetic language of commercial communication. To investigate this relation it will be first addressed and problematized issues about the investigation approach to arts and graphic design in order to define a methodological path to follow. Later, the development of three Japanese artistic languages (ukiyo-e, sumie and rinpa) will be contextualised to create analysis and visual relationships with work in the field of contemporary Japanese graphic design. <![CDATA[The relationship between criticism and artistic production in the formation of a contemporary art critical thinking in Brazil in the 70's]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000100174&lng=es&nrm=iso&tlng=es Nos anos setenta, artistas e críticos do Rio de Janeiro e em São Paulo estabelecem singular colaboração, por meio de formação de grupos e parcerias que, como frentes de ação, propõem intervenções estratégicas no circuito de artes. Tais intervenções ocorreram simultaneamente a diagnósticos sobre impasses para viabilização da emergente produção artística, definidos na ideia de “precariedade” do circuito. Nesse processo, encontram-se discussões decisivas acerca do estatuto da arte contemporânea e da dimensão pública na arte brasileira. Junto aos debates políticos-culturais realizados no período da ditadura militar, identificamos nessas ações formulações teóricas e estéticas formadoras de um pensamento de arte contemporânea no Brasil.<hr/>In the seventies, artists and critics in Rio de Janeiro and São Paulo set forth a unique collaboration in groups and partnerships that, as “action fronts”, propose strategic interventions in the local circuit of art. These interventions took place concurrently to diagnosis about impasses in the viability of the emerging artistic production, defined by the idea of “precariousness” of the circuit. In this process, there are decisive discussions about the status of the contemporary art and the public dimension of Brazilian art. Alongside the political-cultural debates carried out in the military dictatorship period, we identify in these actions theoretical and esthetic formulations that shape a thought about contemporary art in Brazil. <![CDATA[Ceaseless interruptions: the tear of the form in <em>Cent mille milliards de poèmes</em>, by Raymond Queneau, <em>Tom, Tom, the Piper’s son</em>, by Ken Jacobs, and <em>Patterns</em>, by Gerhard Richter]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000100200&lng=es&nrm=iso&tlng=es Nosso estudo tem como proposta analisar o informe, anticonceito formulado por Georges Bataille, aplicando-o às obras Cent mille milliards de poèmes, de Raymond Queneau, Tom, Tom, the Piper's son, de Ken Jacobs, e Patterns: divided, mirrored, repeated, de Gerhard Richter. Essas obras se abrem, através de dilaceramentos, para a impossibilidade de lhes fixar limites, uma vez que elas geram excessos de significados, que têm como fundamento a instabilidade da forma.<hr/>Our study aims to analyze the formless, anti-concept formulated by Georges Bataille, applying it to works Cent mille milliards de poèmes, by Raymond Queneau, Tom, Tom, the Piper's son, by Ken Jacobs, and Patterns: divided, mirrored, repeated, by Gerhard Richter. These works are open through tears, to the inability to set limits, since they generate excesses of meanings, which are based on the instability of form. <![CDATA[The stars dictate the future. History imposes on the present. (Artaud vs. Cárdenas)]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000100216&lng=es&nrm=iso&tlng=es Silviano Santiago trata do encontro de dois autoexilados na Cidade do México em 1936: o poeta e crítico de arte guatemalteco Luis Cardoza y Aragón e o poeta e dramaturgo francês Antonin Artaud. O autor discute como ambos valorizaram o papel da cultura nas transformações sociais e econômicas e de como se posicionaram no ambiente artístico e social mexicano.<hr/>The text is about the meeting of two self-exiled artists in Mexico City in 1936: the Guatemalan poet and art critic Cardoza y Aragón and the French poet and playwright Antonin Artaud. Silviano Santiago discusses how both valued the role of culture in social and economic transformations and how they positioned themselves in the Mexican artistic and social environment. <![CDATA[Ricardo Lísias <em>A vista particular</em>]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000100230&lng=es&nrm=iso&tlng=es Nesta resenha de A vista particular (2016), concentro-me na manipulação que caracteriza toda arte, para entender como o romance lida com essa questão, politizando-a.<hr/>In this review of A vista particular (2016), I focus on the manipulation that characterizes art, so as to understand how the novel deals with such issue, turning it into a political topic. <![CDATA[Medicated and satisfied]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000100239&lng=es&nrm=iso&tlng=es O texto trata das intersecções entre literatura e artes visuais em The Illogic of Kassel de Enrique Vila-Matas e Leaving the Atocha Station de Ben Lerner. Ambos autores são “aliados da arte contemporânea”, como o próprio Lísias confessa ser, e seus livros considerados romances, assim como obras plásticas.<hr/>The text deals with the intersections between literature and visual arts in The Illogic of Kassel by Enrique Vila-Matas and Leaving the Atocha Station by Ben Lerner. Both authors are "allies of contemporary art", as Lysias himself admits being too. Their books, which are considered novels, are also seen as fine arts works. <![CDATA[When Life Goes to Work: Andy Warhol]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000100244&lng=es&nrm=iso&tlng=es O texto discute a fusão contínua entre as esferas pública e privada na obra de Warhol, divisando em tal fusão a matriz de uma “cultura de celebridades”, esse fenômeno da sociedade contemporânea auspiciado pelo regime biopolítico e pelo mundo pós-fordista que seriam mais tarde descritos por autores como Antonio Negri e Michael Hardt. Focalizando principalmente os experimentos de Warhol na Factory, estúdio que ele manteve entre 1963 e 1968, a autora mostra como a obra do artista se estende muito além das pinturas, filmes e outras peças que produziu, incluindo também, e de modo crucial, suas inúmeras aparições e declarações públicas.<hr/>The text discusses the way in which the public and private spheres collapse into one another in Warhol’s work, thus conjecturing in it the matrix of a “celebrity culture”, a phenomenon of contemporary society brought about by the biopolitic regime and the post fordist world which would be later described by such authors as Antonio Negri and Michael Hardt. While focusing mostly on Warhol’s experiments with the Factory, a studio he ran between 1963 and 1968,the author shows how the artist’s work extends itself far beyond the paintings, films and other pieces he would produce, also encompassing, and crucially, his innumerable public performances and utterances. <![CDATA[Marcel Duchamp – Notes of The 1914 Box]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000100262&lng=es&nrm=iso&tlng=es Nos anos 1970, artistas e críticos do Rio de Janeiro e em São Paulo estabelecem singular colaboração, por meio de formação de grupos e parcerias que, como frentes de ação, propõem intervenções estratégicas no circuito de artes. Tais intervenções ocorreram simultaneamente a diagnósticos sobre impasses para viabilização da emergente produção artística, definidos na ideia de “precariedade” do circuito. Nesse processo, encontram-se discussões decisivas acerca do estatuto da arte contemporânea e da dimensão pública na arte brasileira. Junto aos debates políticos-culturais realizados no período da ditadura militar, identificamos nessas ações formulações teóricas e estéticas formadoras de um pensamento de arte contemporânea no Brasil.<hr/>This version presents images in negative of Marcel Duchamp’s “Boîte de 1914” notes and an attached envelope containing “Caixa de 1914” notes by Wallace Masuko. The “Boîte de 1914”, an edition of 3 copies, contains the reproductions in black and white photographs of 2 drawings and 16 handwritten notes between the years of 1912 and 1914, all glued on a standard size (18 x 24 cm) packaged in 3 boxes of Jougla, Kodak and Lumière photographic plates. Duchamp collected reproductions of notes handwritten by him in 3 separate boxes, published throughout his life: the "Boîte de 1914" in 1914, the "Boîte verte" ("La Mariée mise à nu par ses célibataires, même.") in 1934 and the "Boîte blanche" ("A l'infinitif") in 1966. These notes appear as a kind of sub-title in the artist's work.