Scielo RSS <![CDATA[ARS (São Paulo)]]> http://www.scielo.br/rss.php?pid=1678-532020170003&lang=pt vol. 15 num. 31 lang. pt <![CDATA[SciELO Logo]]> http://www.scielo.br/img/en/fbpelogp.gif http://www.scielo.br <![CDATA[Ensaio Visual]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000300007&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt <![CDATA[Entre duas Barcas: notas sobre regimes de visualidade e de discursos na história da arte.]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000300025&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt resumo Este texto parte do contraste manifesto pela associação entre a Barge de Robert Rauschenberg e Le Radeau de la Méduse de Théodore Géricault, com vistas à discussão dos contextos de suas recepções, levando em conta a necessidade de marcar retornos críticos e deslocamentos conceptuais ao longo dos desenvolvimentos diacrônicos de suas fortunas críticas e diferentes sentidos de historicidade. Preocupado com questões teórico-metodológicas da história da arte, o texto discute modelos interpretativos basilares para esboçar a hipótese de uma homologia entre discursos das ordens plástica e teórica, sob a lógica da montagem, diferenciando os conceitos de quadro e mesa de trabalho. Este artigo é fruto de pesquisa financiada pelo CNPq.<hr/>abstract From the contrast between Robert Rauschenberg’s Barge and Théodore Géricault’s Le Radeau de la Méduse, this article discusses the context in which they were introduced, the development of their critical reception and their mixing with different historiographical meanings, taking into account the need for setting up critical returns and conceptual dislocations. By evoking authors that propose interpretative models approaching contemporary art, this article contributes to the hypothesis that argues for a homology between different forms of discourse, being the plastic and the theoretical ones under the logic of montage table. This article received a grant from CNPq. <![CDATA[A floresta geométrica de Paul Claudel: fronteira entre dois mundos.]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000300055&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt resumo O artigo parte da análise do balé O homem e seu desejo, criado por Paul Claudel (poema plástico), Darius Milhaud (música) e Audrey Parr (cenografia e figurino) quando estavam no Rio de Janeiro entre 1917 e 1918. A ideia básica é pensar essa obra como parte integrante dos diálogos interculturais que fundam a modernidade global do início do século XX, investigando o papel desempenhado pela cultura e pela natureza brasileira no projeto de Claudel de articulação entre vanguarda, classicismo e primitivismo.<hr/>abstract This article analyses the ballet Man and his desire, created by Paul Claudel (poème plastique), Darius Milhaud (music) and Audrey Parr (set and costume design), when they were in Rio de Janeiro, in 1917 and 1918. The essential idea is to think this work as part of the cross-culture dialogues that founded the global modernity of the early 20th century, investigating the role of Brazilian culture and nature in Claudel’s project of articulation between avant-garde, classicism and primitivism. <![CDATA[Visadas cubistas: Carl Einstein, Daniel-Henry Kahnweiler e Vincenc Kramář.]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000300085&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt resumo Três textos centrais sobre Cubismo escritos nas primeiras décadas do século XX se distinguem pelo esforço de acompanhar de modo original as descobertas e formulações de Picasso, Braque, Léger e Juan Gris. Seus autores, Carl Einstein, Daniel-Henry Kahnweiler e Vincenc Kramář, fizeram leituras criativas do cubismo e defenderam a busca dos pintores por estabelecer novas compreensões do espaço baseadas na experiência vivenciada. Eles descartaram a concepção metafísica do espaço enquanto medida de valor espiritual, se esforçaram por evitar descrições baseadas em sentimentos e entenderam a experiência da arte a partir da interpenetração de elementos físicos e psíquicos. Apresentamos aqui algumas características desses três textos.<hr/>abstract Three central texts on Cubism written in the first decades of the 20th century distinguish themselves by the effort of following the discoveries and formulations of Picasso, Braque, Leger and Juan Gris in an original way. The authors, Carl Einstein, Daniel-Henry Kahnweiler and Vincenc Kramář, made creative readings of Cubism and defended the painters’ quest for establishing new understandings of space based on experience. They discarded the metaphysical conception of space as an indication of spiritual value, strove to avoid descriptions based on feelings, understood the experience of art from the interpenetration of physical and psychic elements. Here are some characteristics of these three texts. <![CDATA[“Ask me to send these photos to you”: a produção artística de Alair Gomes nos Estados Unidos .]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000300103&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt resumo Antes de ser conhecida no Brasil, a produção fotográfica de Alair Gomes circulou nos anos 1970 e 1980 nos Estados Unidos, em publicações tanto do meio das artes quanto ligadas a uma homossociabilidade estadunidense, como são os casos das revistas Performance, Gay Sunshine, The Advocate e Advocate MEN, e do Artists Almanac. Este artigo analisa tal conjunto de trabalhos, apontando seus principais elementos visuais, como a montagem de múltiplas fotografias, e sinalizando o suporte impresso como um elemento-chave para a compreensão da poética do artista, especialmente a materialidade e a sequencialidade da imagem fotográfica na página impressa. Objetiva-se nesta análise incrementar as possibilidades interpretativas entre o fotógrafo e o cenário artístico contemporâneo, que até o momento permanece restrita ao aspecto homoerótico de sua obra.<hr/>abstract Before it was known in Brasil, the photography works of Alair Gomes circulated during the 1970s and 1980s in the United States, both in publications of art and linked to the American homosociability, as it was the case of the magazines Performance, Gay Sunshine, The Advocate and Advocate MEN, and in the Artists Almanac. This article analyses the group of works, pointing out their main visual elements, like the assembly of multiple photographies, showing the printed support as the key element for the understanding of the artist poetic, more precisely the materiality and sequenciality of the photographic image on a printed page. The objective of this analysis is to increase the interpretations between the photographer and the contemporary artistic scene, which at the moment remains be connected exclusively to the homoerotism of its works. <![CDATA[A presença da Galeria Collectio no mercado de arte brasileiro durante a década de 1970.]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000300125&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt resumo Este primeiro estudo pretende resgatar a história da galeria Collectio por meio de seu posicionamento na mídia, em anúncios publicitários, reportagens ou entrevistas publicadas na imprensa brasileira entre 1970 e 1973, o que nos permitirá um ponto de vista privilegiado do crescimento do mercado de arte brasileiro. A trajetória da galeria seria marcada por uma ação intensa e impacto profundo no crescimento visto naqueles anos, especialmente no que diz respeito aos leilões de arte moderna, em que esteve particularmente engajada. O artigo oferece uma avaliação do crescimento do mercado de arte na década de 1970, pontuando em paralelo o processo de consagração do modernismo brasileiro.<hr/>abstract This first study intends to rescue the history of the Collectio Gallery by analyzing its position in the media, in advertisements, reports or interviews published in the Brazilian press between 1970 and 1973, which will allow us a privileged view of the Brazilian art market growth. Its brief trajectory would be marked by an intense action and profound impact on the growth seen in those years, especially regarding the modern art auctions, in which it was particularly engaged. The article offers an evaluation of the art market growth in the 1970s, observing in parallel the process of consecration of Brazilian modernism. <![CDATA[A poetics of resentment: memory and ethics in the work of Louise Bourgeois.]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000300149&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt resumen El propósito de este artículo es mostrar el resentimiento como una forma eminentemente moderna de sensibilidad con la que situarse en el mundo y elaborar un proyecto de subjetivación personal. Utilizaré la obra de Louise Bourgeois porque su forma de entender el proceso creativo es un ejemplo paradigmático de cómo el resentimiento se vuelve creador dando lugar a dichos procesos de subjetivación. Desarrollaré la idea de que Bourgeois hace un arte resentido porque a través de este afecto trata con el motivo más existencial de su producción, es decir, cómo convertir lo accidental en necesario. Elaboraré mi argumento basándome en el texto de Judith Butler, Dar cuenta de uno mismo.<hr/>abstract The aim of this paper is to address resentment as an eminently modern way of sensibility to locate oneself in the world and to develop a personal project of subjectivation. I will use the work of Louise Bourgeois because her way of understanding the creative process is a paradigmatic example of how resentment becomes creative and gives rise to the mentioned project of subjectivation. I will develop the idea that Bourgeois makes a resentful art because because resentment is her way of dealing with the most existentialist topic in her production, that is, how the subject can make sense of what others have done to him. To elaborate my position, I will rely on Judith Butler’s Giving an account of oneself. <![CDATA[Crônica de Anna Magdalena Bach: amor, trabalho e morte no cinema de Danièle Huillet e Jean-Marie Straub.]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000300173&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt resumo Este artigo analisa o filme Crônica de Anna Magdalena Bach (1968), de Danièle Huillet e Jean-Marie Straub, de modo a mostrar como, analogamente, ao tratar de modos de produção artística, desmitifica-se o gênio de Johann Sebastian Bach, contextualizando sua obra na ordem eclesiástica do século XVIII, e se faz uma crítica dos preceitos do Autorenfilm do novo cinema alemão, dependente de um sistema de financiamento estatal, do qual ele faz parte. Ademais, busca-se indicar a possibilidade de formas alternativas de produção artística e percepção sensível engendradas cinematograficamente que se contraponham ao trabalho alienado.<hr/>abstract This article analyzes the film Chronicle of Anna Magdalena Bach (1968), by Danièle Huillet and Jean-Marie Straub, in order to show how, analogously, when dealing with modes of artistic production, it demystifies the genius of Johann Sebastian Bach, contextualizing his work in the ecclesiastical order of the 18th century, and it criticizes the precepts of Autorenfilm of the new German cinema, dependent on a system of state funding, in which it takes part of. In addition, it seeks to indicate the possibility of alternative forms of artistic production and sensitive perception engendered cinematographically that are opposed to alienated work. <![CDATA[Retratos em movimento.]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000300183&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt resumo O artigo aborda aspectos da relação do cinema com a arte do retrato. Buscamos, em primeiro lugar, uma definição estética do que seria um retrato cinematográfico, sempre em tensão com os critérios formais e padrões estilísticos que historicamente constituíram o retrato pictórico. Em seguida, relacionamos essa questão com a importância que se deu à representação do close-up de rosto nas primeiras décadas do cinema, quando foi atribuído aos filmes um papel inédito no estudo da fisionomia e da expressão facial. Por fim, apresentamos exemplos de autorretratos na pintura e no cinema para expor a forma como a autorrepresentação põe em crise as noções de subjetividade e identidade em que a definição clássica do retrato se apoiava.<hr/>abstract The article investigates different aspects of the relationships between cinema and the art of portraiture. Firstly, we seek to define in terms of aesthetics what could be called a cinematographic portrait, always in tension with the formal criteria and stylistic standards that historically constituted the pictorial portrait. Then we related this issue to the importance of close-up shots in the first decades of cinema, when it was assigned to the films an unprecedented role in the study of physiognomy and facial expression. Finally, we show examples of self-portraits in painting and cinema to expose the way by which self-representation problematizes the notions of subjectivity and identity upon which the classical definition of portrait was fixed. <![CDATA[Tamanho é documento .]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000300209&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt resumo Este texto, publicado na revista Critical Inquiry, em 2000, aborda as relações entre o Minimalismo e a arte contemporânea. O autor propõe a análise daquilo que entende como uma retórica da Arte Minimalista, vinculada a uma ideologia da pureza do espaço e da forma e a uma noção de transcendência que encontram seus antecedentes, em parte, no Puritanismo. Morris investiga como esse discurso, articulado a um contexto social e a uma configuração dos espaços públicos nos quais predomina a ideia da vida como lifestyle, contribui para que a produção artística e a atuação dos museus e instituições de arte, a partir sobretudo dos anos 1990, se aproximem cada vez mais da noção de arte enquanto entretenimento.<hr/>abstract This text, published on journal Critical Inquiry, in 2000, addresses the relations between Minimalism and contemporary art. The author suggests the analysis of what he understands as a rhetoric of Minimalist Art, linked to an ideology of space and shape purity and to a notion of transcendence that meets its antecessors, partly, in Puritanism. Morris investigates how this discourse, allied to a social context and to a configuration of public space in which prevails the idea of life as a lifestyle, contributes so that the artistic production and the museums’ and art institutes’ actions, especially as of the nineties, get increasingly closer to the notion of art as entertainment. <![CDATA[Escritos de artista]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202017000300225&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt resumo Este texto, publicado na revista Critical Inquiry, em 2000, aborda as relações entre o Minimalismo e a arte contemporânea. O autor propõe a análise daquilo que entende como uma retórica da Arte Minimalista, vinculada a uma ideologia da pureza do espaço e da forma e a uma noção de transcendência que encontram seus antecedentes, em parte, no Puritanismo. Morris investiga como esse discurso, articulado a um contexto social e a uma configuração dos espaços públicos nos quais predomina a ideia da vida como lifestyle, contribui para que a produção artística e a atuação dos museus e instituições de arte, a partir sobretudo dos anos 1990, se aproximem cada vez mais da noção de arte enquanto entretenimento.<hr/>abstract This text, published on journal Critical Inquiry, in 2000, addresses the relations between Minimalism and contemporary art. The author suggests the analysis of what he understands as a rhetoric of Minimalist Art, linked to an ideology of space and shape purity and to a notion of transcendence that meets its antecessors, partly, in Puritanism. Morris investigates how this discourse, allied to a social context and to a configuration of public space in which prevails the idea of life as a lifestyle, contributes so that the artistic production and the museums’ and art institutes’ actions, especially as of the nineties, get increasingly closer to the notion of art as entertainment.