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ARS (São Paulo), Volume: 7, Número: 14, Publicado: 2009
  • Ensaio gráfico

    Cecílio, Raul
  • Paul Cézanne

    Bernard, Emile

    Resumo em Português:

    Bernard afirma (no final de seu texto) ter escrito este artigo em Aix em março de 1904. Na realidade este deve ter tomado sua forma definitiva mais tarde, pois contém importantes citações tiradas das cartas de Cézanne datadas de 12 e 26 de maio. Embora seja conhecido pelos especialistas, este artigo (p. 17 a 30 no número de julho de 1904 do Occident) foi algo eclipsado, nos estudos sobre Cézanne, pelos dois textos do Mercure de France que compõem os Souvenirs sur Paul Cézanne... e suas diversas reedições em forma de livro. O artigo do Occident é, em grande medida, consagrado às visões gerais de Bernard sobre a arte, mas, além da famosa compilação das opiniões de Cézanne, oferece citações aparentemente textuais do artista e algumas observações às vezes profundas sobre seus métodos de trabalho e sua evolução como pintor. Os comentários sobre Pissarro e o período de Auvers parecem exatos. Quanto à autenticidade das "opiniões", devemos ter em mente, por um lado, que Bernard se preocupa em assinalar, várias vezes, neste artigo, as ocasiões em que cita as próprias palavras de Cézanne e, por outro lado, que as "opiniões" propriamente ditas são enriquecidas com trechos de cartas, o que permite supor que a seção inteira seria composta de citações autênticas. P. M. Doran

    Resumo em Inglês:

    Bernard claims (in the end of his text) to have written this article in Aix in March 1904. Actually, it must have taken its final version later, since it contains important quotes drawn from Cézanne's letters of May 12 and 26. This article (pages 17 to 30 of the issue of July 1904 of Occident), although known among scholars, was somehow eclipsed, in the studies about Cézanne, by the two texts from Mercure de France which constitute the Souvenirs sur Paul Cézanne... and its various re-editions as a book. The article in Occident is mostly dedicated to Bernard's general views on art, but it offers, beyond the famous compilation of Cézanne's opinions, apparently textual quotes of the artist and some observations, at times remarkable, about his working methods and his evolution as a painter. The comments on Pissarro and the Auvers period seem to be precise. As for the authenticity of the "opinions", one must have in mind, on the one hand, that Bernard cares about signaling, many times in this article, the occasions in which he quotes Cézanne's own words and, on the other hand, that the "opinions" themselves are complemented with excerpts from letters, what allows one to suppose that the whole section is constituted of authentic quotes. P. M. Doran
  • Variações da cor preta e negra na pintura de Eduardo Sued

    Rangel, Marcela

    Resumo em Português:

    Eduardo Sued transforma o pigmento preto de sua paleta física em campos cromáticos em suas pinturas. Ele costuma diferenciar a cor preta da cor negra. Diz que o preto torna-se negro à medida que a escuridão e a intensidade vão se apossando dele. Para Sued, o preto permite o passeio apenas em sua superfície, enquanto no negro há profundidade. "Há noites pretas e noites negras!" Nesta entrevista, Sued discorre sobre o que fomenta sua produção pictórica, em especial o uso que faz da tinta preta para criar seus pretos e seus negros.

    Resumo em Inglês:

    Eduardo Sued transforms the black pigment of his physical palette in color fields on his paintings. He usually distinguishes black from "darkblack". He says black goes to "dark black" as darkness and intensity take hold of it. For him, the black works only on its surface, while "darkblack" is deep. "There are black nights and 'darkblack' nights!" In this interview Sued talks about what promotes his pictorial production, in particular his use of black paint to create his black and darkblack fields.
  • Economia política da Arte Moderna II / notas para uma sistematização provisória

    Martins, Luiz Renato

    Resumo em Português:

    Paradigma tradicional de excelência artesanal, com que meios pode a pintura responder à abstração do trabalho e à sua ordenação serial, inerentes à modernização capitalista? O texto presente busca sistematizar os momentos decisivos de um percurso que se estende de Manet (1832-1883) a Rothko (1903-1970). Constitui o capítulo conclusivo de uma investigação sobre a transformação crítica do modo de pintar em modo de fabricação, fundado na superação reflexiva da dicotomia entre trabalho intelectual e corporal, imposta historicamente à sociedade. Atualizada criticamente e assinalando um fecho possível do processo da arte moderna, a pintura de Rothko põe-se como a negação de todo aspecto individual da pintura e de unidade orgânica e monádica da obra. Alcança-se assim o último termo de um processo; termo que assinala o fim do ciclo da autonomia estética como forma ligada à liberdade do sujeito, idealizado como natureza desinteressada. Para o trabalho de resistência contra a aceleração da barbárie é fundamental doravante levar em conta os fatores de heteronomia supraindividuais que, se não logram controlar toda a produção, detêm a hegemonia na esfera da circulação.

    Resumo em Inglês:

    Traditional paradigm of craftsmanship excellence, how could painting answer to the process of labour abstraction and to serial production, inherent to capitalistic modernization? vvThe text seeks to systematize the decisive moments of the journey that extends from Manet (1832-1883) to Rothko (1903-1970). It constitutes the conclusive chapter of an inquiry on the critical transformation of a mode of painting, founded on the reflexive overcoming of the dichotomy between intellectual and manual work, historically imposed on society. Updated critically and designating a possible closing to the process of modern art, Rothko's painting sets itself as the negation of painting's individual aspects and of the organic and monadic unity of the work. The last term of a process is so reached; term that indicates the end of aesthetical autonomy cycle as a form linked to subject's freedom, idealized as disinterested nature. For the work of resistance against acceleration of barbarism is henceforth fundamental to take into account the supra-individual heteronomy factors that, if they do not manage to control the whole production process, indeed keep hegemony in the sphere of circulation.
  • José Agrippino de Paula: artista POP tropicalista

    Meirelles, Lucila

    Resumo em Português:

    Este texto trata do pensamento, da vida e da obra do artista pop tropicalista José Agrippino de Paula. Partindo de uma série de conversas com o artista, serão abordados seus eventos intermídia, seu cinema de invenção, os happenings, o realismo fantástico, e as vivências dos anos 1960 e 1970. Este texto foi elaborado concomitantemente ao lançamento do CD/DVD Exu encruzilhadas , Selo SESC, disco contendo dez músicas inéditas de Agrippino, encontradas pelo cineasta Hermano Penna e um DVD com dois filmes realizados na África, em Super8, Candomblé no Togo e Candomblé no Dahomey.

    Resumo em Inglês:

    This paper deals with the thought, life and works of tropicalist pop artist José Agrippino de Paula. Based on a series of interviews with the artist, it approaches his intermidia events, his cinema of invention, his ,happenings, his fantastic realism and the experiences of the 60s and 70s. This paper was prepared concomitantly with the release by Dual Disc Selo SESC of Exu Encruzilhadas, a multimedia CD containing not only ten previously unreleased song by Agrippino, found by filmmaker Hermano Penna, but also two of his Super8 films shot in África, Candomblé no Togo and Candomblé no Dahomey.
  • Sophie Calle: entre imagens e palavras

    Fabris, Annateresa

    Resumo em Português:

    A relação de Sophie Calle com dois textos ficcionais, de autoria de Hervé Guibert e Paul Auster, permite discutir um ponto central de sua poética: a atuação como performer, colocada por alguns críticos sob o signo do situacionismo. Como suas performances envolvem uma narrativa, foram analisados seus aspectos fotográficos e verbais, tendo como epicentro Suíte veneziana (1980). Qual o papel da fotografia nas narrativas de Calle, nas quais ela é personagem de si mesma? A fotografia é vestígio de acontecimentos reais e seu aspecto documental corrobora a neutralidade dos relatos escritos. É, ao mesmo tempo, fruto de um gesto performático, o qual, ao designar determinados fatos, converte a realidade em imagem.

    Resumo em Inglês:

    Sophie Calle's relation to two fictional texts, by Hervé Guibert and Paul Auster, allows us to discuss a central issue in her poetics: the acting as a performer, set by some critics under the sign of Situationism. As her performances comprise a narrative, both their verbal and photographic aspects were analyzed, taking as an epicenter the Venetian suite (1980). What role does photography play in Calle's narratives, in which she is a character of herself? Photography is a trace of real happenings and its documental aspect supports the neutrality of written reports. It is, at the same time, the result of a performative gesture, which, while designating certain facts, converts reality into image.
  • Arte infantil: do Pré-Simbolismo ao Abstracionismo

    Iavelberg, Rosa; Trindade, Rafaela Gabani

    Resumo em Português:

    A garatuja parte de esquemas procedimentais e cognitivos diversos da imagem abstrata. Configura-se como peça pré-simbólica em um momento em que o desenhista já está de posse da função simbólica. Estes aspectos elucidam sobremaneira a didática da arte que observa a produção da infância com fonte de alimentação na arte adulta.

    Resumo em Inglês:

    Children's scribbles start from several cognitive and procedural schemes of abstract images. It constitutes a pre-symbolic piece at a moment in which the drawer already dominates the symbolic function. These aspects tell us a great deal about the didactic of art that observes childhood production with food source in adult art.
  • Do Surrealismo em David Lynch

    Tavares, Mirian

    Resumo em Português:

    O surrealismo, como a arte do seu tempo, propõe uma nova estética, capaz de extrair o belo do absurdo e de instaurar o desvio para que daí surja, de fato, o real. Através da análise de algumas obras de David Lynch e dos livros Les champs magnétiques de Breton e Philippe Soupault e Poisson soluble, de Breton, irei mostrar a pertinência da designação surrealista para a obra do cineasta norte-americano. Lynch, como os surrealistas, constrói uma operação dialética entre o racional/irracional. Ao mesmo tempo em que opera no campo artístico em direção à irracionalidade absoluta, Lynch não nega a sua inserção na sociedade. Acredito que o realizador, como os surrealistas, tenha conseguido encontrar um equilíbrio entre as duas formas de se estar no mundo, racional/irracional, jogando com suas antíteses. O prazer do jogo surrealista consiste em ir até as profundezas do inconsciente e retornar com matéria suficiente para fazer uma obra de arte.

    Resumo em Inglês:

    Surrealism, as the art of its time, proposes a new aesthetics, one that is able to extract the beautiful from the absurd and to establish the swerve from the standard, from which, in fact, the real comes through. Through the analysis of some works by David Lynch, of Breton and Soupault's Les champs magnétiques, and of Breton's Poisson soluble, I will attempt to show the relevance of the surrealist designation for the work of the American filmmaker. Lynch, like the surrealists, builds a dialectic operation between the rational and the irrational. While operating in the artistic field towards absolute irrationality, Lynch does not deny its role in society. It is my belief that the director, as the surrealists, has managed to find a balance between the two ways of being in the world: rational and irrational; by playing with their antitheses. The pleasure of the surrealist game is to go to the depths of the unconscious and return with sufficient material to make a work of art out of it.
  • 8.03: A Arte na Universidade, A Universidade na Arte

    Buti, Marco

    Resumo em Português:

    Este texto corresponde à primeira parte de meu memorial para a obtenção do título de Livre-Docente na especialidade "Gravura, Matriz e Estampa", junto ao Departamento de Artes Plásticas da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo. Baseia-se na minha experiência como aluno, professor e artista na Unicamp e na USP. A defesa foi realizada nos dias 23 e 24 de junho de 2008. A banca examinadora foi integrada pelos Professores Doutores Domingos Tadeu Chiarelli (presidente), Marco Garaude Giannotti, Aracy Amaral, Laymert Garcia dos Santos e Celso Favaretto.

    Resumo em Inglês:

    This paper was adapated from the first part of the summary of my previous works, presented as part of my application to the position of Adjunct Professor of the discipline "Engraving, Pattern and Stamp", taught at the Department of Fine Arts of ECA/ USP. It is based on my experience as a student, teacher, and artist at Unicamp and USP. The examination board was presided by Domingos Tadeu Chiarelli and further composed by Marco Garaude Gianotti, Aracy Amaral, Laymert Garcia dos Santos, and Celso Favaretto.
  • O pluralismo pós-utópico da arte

    Santaella, Lucia

    Resumo em Português:

    Em meados dos anos 1980, alguns autores, entre eles Arthur Danto, defenderam ideias que convergiam para a proclamação do fim da arte. Esse período histórico coincidia com a explosão dos estilos pós-modernos nas artes e com os debates filosóficos e culturais da pós-modernidade. Por "fim da arte" os autores pretendiam sinalizar que, nos anos 1960, uma espécie de fechamento ocorreu no desenvolvimento histórico da arte. Uma era de impressionante criatividade, que durou seis séculos no Ocidente, chegou a um fim de modo que qualquer arte que pudesse vir a existir daí para frente deveria estar marcada por um caráter pós-histórico. Esse caráter coincidia com a descrença nas utopias. Estas corriam de modo mais ou menos subterrâneo, mais ou menos explícito por todos os movimentos vanguardistas, então crepusculares. Nesse contexto, o argumento que este ensaio pretende defender é que, longe de indicar ausência de sentido crítico, engajamento ético ou militância política, o criticado "vale tudo" pós-moderno estava sinalizando a emergência de um novo tempo pós-utópico na cultura e nas artes. Na falta de um nome melhor, esse novo tempo tem sido chamado de contemporaneidade e arte contemporânea cuja característica primordial encontrase na avalanche pluralista e radicalmente diversificada de tendências estéticas que tem provocado profundas mudanças no papel dos curadores, na natureza dos museus e na posição contingente da crítica.

    Resumo em Inglês:

    During the mid-80s, authors like Arthur Danto have championed ideas proclaiming the end of art. That historical period concured with the boom of post-modernist artistic styles and with the philosophical and cultural debates dealing with post-modernity. By "the end of art" those authors intended to mean that some sort of closure in the historical evolution of art had taken place in the 60s. A time of impressive creativity, having lasted for six centuries in the West, had reached its demise, and any form of art to emerge after that turning point would bear the signs of its post-historical condition, overlapping with the disbelief in the utopias that had somehow survived and - sometimes in the underground, sometimes explicitly - permeated all avantgardist movements, already vanishing back then. This paper sustains that, in a context like that, the much criticized post-modernist "anything goes" was in fact indicating the emergence of a new post-utopian phase for the arts and for culture in general. In face of the lack of more appropriated terms, this new phase has been called contemporaneity or contemporary art, its main characteristics to be found amid the pluralist and radically diversified maelstrom of aesthetical tendencies that so thoroughly has changed the role of curators, the nature of museums and the contingent position of art criticism.
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