Resumo em Português:

O objetivo deste artigo é discutir de que modo a pintura dos imigrantes japoneses residentes no Brasil está de alguma maneira relacionada ao que o Japão produziu nos períodos moderno e contemporâneo. Ao longo de sua pesquisa, o autor constatava com espanto que a grande maioria dos japoneses não fazia ideia da importância cultural que possuem seus imigrantes para o contexto brasileiro. A conclusão primeira era a de que seria muito difícil estabelecer uma comparação direta entre os dois grupos sem levar em consideração um estilo internacional (americano e europeu), bem como a personalidade e o estilo dos artistas abordados.

Resumo em Inglês:

The aim of this article is to discuss how the Japanese immigrant painting is related somehow to what Japan produced in the modern and contemporary period. During the research the author was shocked by the fact that the majority of the Japanese have no idea about the cultural importance of their immigrants in the Brazilian context. The author conclusion is that is very difficult to establish a direct comparison between theses two trends without taking into account the international style (American and European) as well as the personality and style of the artists taking into account.

Resumo em Português:

O artigo discute a centralidade da prática de deambular no Programa que Hélio Oiticica desenvolve a partir do início da década de 1960, embora somente ganhe maior evidência no final da década seguinte. Propõe o delirium ambulatorium como expressão mais radical do Parangolé, afirmando-o como proposta de emancipação do corpo não mais assistida por objetos e situações criados ou propostos pelo artista, mas, antes, deflagrada pelo embate direto e imediato com o mundo.

Resumo em Inglês:

This article discusses the central role played by deambulation in the Program that Hélio Oiticica develops from the beginnings of the 1960s, even though it only captures more attention by the end of the following decade. It proposes the delirium ambulatorium as the most radical expression of Parangolé, asserting it as a proposal for emancipation of the body which is no longer assisted by objects and situations created or proposed by the artist, but rather deflagrated by the immediate and direct confrontation with the world.

Resumo em Português:

A afirmação da estética modernista no Brasil perpassa diversas práticas artísticas, entre elas o da decoração de interiores. De um modo geral, o protagonismo na introdução do design modernista no Brasil é atribuído ao suíço John Graz e ao ucraniano Gregori Warchavchik, dois imigrantes aportados no país em inícios da década de 19202. Sem contestar o papel que ambos desempenharam para a promoção de uma atualização do design de interiores, o presente artigo pretende analisar o mobiliário concebido por Gregori Warchavchik para a Casa Modernista procurando mostrar que esse, em sua materialidade, apresenta contradições que transparecem os impasses então vivenciados entre um certo ideário modernista almejado e as práticas concretas possíveis para sua realização na cidade de São Paulo em inícios do século XX.

Resumo em Inglês:

The affirmation of the modernist aesthetics in Brazil involves various artistic practices, including the decoration of interiors. In general, the protagonism in the introduction of modernist design in Brazil is attributed to the swiss artist John Graz and the ukrainian architect Gregori Warchavchik, two immigrants that have contributed artistic field in the 1920s. Without denying the role of the both to promote and update the interior design in Brazil, this article analyzes the furniture design made by Gregori Warchavchik to the Modernist House of 1930, trying to show that, in its materiality, presents contradictions that are apparent deadlocks then experienced between a certain modernist ideals pursued , and concrete practices possible for its realization in the city of Sao Paulo in the early twentieth century.

Resumo em Português:

Que inter-relações possíveis existem entre a pesquisa filosófica1 e a arte? Tal é o problema que será trabalhado neste texto, no qual, por falta de espaço, não faço mais que evocar as experiências pessoais do primeiro momento, reservando sua análise para um futuro livro. No segundo momento, serão tiradas as consequências dessas experiências traçando-se as grandes linhas de uma estética em inter-relação com a arte.

Resumo em Inglês:

What are the possible interrelations between art and philosophical research? This is the issue to be discussed on this text, in which, for a matter of space, I do nothing more than evoke personal experiences from a first moment, saving the analisis of the question for a future book. In a second moment, the consequences will be drawn from these experiences by drawing the main lines of an aesthetic in interrelation with art.

Resumo em Português:

Este trabalho comenta, num primeiro momento, a história das ciências cognitivas, partindo da cibernética, passando pelo que chamaremos de “cognitivismo”, e, depois, pelo que denominaremos “conexionismo”, e, chegando, enfim, ao momento atual, que é marcado pela multiplicidade das direções de pesquisa, em que se delineia uma forte tendência crítica aos paradigmas anteriores. Num segundo momento, discute-se a influência das ciências cognitivas sobre as teorias da arte e da estética.

Resumo em Inglês:

This work comments at first, the history of cognitive sciences from cybernetics to, first, the so called “cognitivism”; secondly, to what we might call “connectionism”; and, finally, to the present day, which is marked by a multiplicity of research directions in which a strong tendency to review the previous paradigms is outlined. In a second moment, the text aims to discuss the influence of cognitive sciences on the theories of art and aesthetics.

Resumo em Português:

Pretendemos refletir sobre o que se depara ao artista enquanto criador e investigador, ao mesmo tempo em que olhamos o universo da criação e investigação contemporâneas nas instituições universitárias e museológicas. Uma abordagem ao que se pode entender por criação e investigação legitimadas, é ainda alvo de atenção.

Resumo em Inglês:

We intend to reflect on what the artist faces as a creator and researcher, while at the same time examining the universeof legitimized creation and research in the contemporary institutions of the universities and of the museums. An approach to what can be understood as legitimized creation and research is still the target of our attention.

Resumo em Português:

Em várias instituições acadêmicas coloca-se a questão de abrir a pesquisa em mestrado e doutorado a outras abordagens, além dos dispositivos científicos clássicos do PhD ou do doutorado de especialidade. O que está em pauta, portanto, são os doutorados profissionais e aqueles baseados na prática. Um dos primeiros exemplos nesse campo foi desenvolvido no Reino Unido, com os doutorados baseados na prática em artes criativas e cênicas e em design [Practice-based Doctorates in the Creative and Performing Arts and Design]. Após essa experiência, pelo mundo todo pergunta-se sobre a natureza desses doutorados, que poderiam eventualmente não mais necessitar da elaboração de uma tese redigida para acompanhar o artefato inventado ou criado. Neste artigo, tratarei essas questões com base em uma abordagem crítica do sistema doutoral posto em prática na Sorbonne desde os anos 1970. A partir da história dos candidatos e da história das instituições, questionarei os dispositivos científicos e artísticos implantados e as limitações e problemas gerados. A primeira parte deste artigo é dedicada aos processos de condicionamento axiológico dos estudantes. A segunda parte, ao processo de artificação de suas práticas; e a terceira, ao debate sobre os problemas epistemológicos da pesquisa em arte, confrontada com a pesquisa científica e com os problemas encontrados pelos doutorandos. Ao final, são abordados os instrumentos e métodos trazidos pelas ciências humanas e sociais.

Resumo em Inglês:

In several academic institutions raises the question of a opening on the research in master [master] and Ph.D. [doctorate] to other approaches besides the PhD’s or doctorate’s classic scientific devices. What is concerned, therefore, are the professional doctorates and those based in practice. An early example in this field was developed in the UK with practice based PhD in creative and performing arts and design [Practice-based doctorates in the Creative and Performing Arts and Design]. After this experience, the question of the nature of these doctorates, which could eventually no longer require the preparation of a written thesis to support the invented or created artifact, draws worldwide attention. This article will address these issues based on a critical approach of the doctoral system implemented at the Sorbonne since the 1970s. From the candidates’ history and the history of institutions, I will inquire the scientific and artistic devices implemented and the limitations and problems emerged. The first section is devoted to the student’s processes of axiological conditioning. The second, to their practices’s process of artification; the third is devoted to the discussion of the epistemological problems of research in art confronted with the scientific research and the problems found by doctoral students. Finally, the article discusses the tools and methods brought by the humanities and social sciences.

Resumo em Português:

Os espaços possíveis para pesquisa em/sobre arte são, na maior parte das vezes, os espaços inter, não são os que se localizam pacificamente em algum ponto ou em alguma posição. O que se configura nessa condição é que, sendo os territórios da arte contextos movediços, é preciso considerar se os intervalos/ pequenos espaços entre esses territórios também o são. Se considerarmos que sim, como determinar o foco da pesquisa? Sendo os intervalos/pequenos espaços plenos de potencialidades, é necessário que as fontes de fruição, contextualização e experimento artístico sejam uma escolha em rede, que perpassam nós, rotas e vãos, sem caminhos exatos nem territórios precisos. Inter_relacionar arte, pesquisa e ensino em consonância com os movimentos e a intencionalidade de ação é uma tarefa complexa, que exige conhecimentos e entendimentos específicos, bem como pensar criativa e metaforicamente conceitos em rede que possuem nós, caminhos e vãos possíveis de convergências e potencialidades de expansão. A plêiade de possibilidades artísticas à disposição e as diferentes concepções do que seja arte - embora hoje o que se questione seja quando é arte – faz do artista contemporâneo um vagueador constante. Não só porque deve estar atento e tentar acompanhar tudo o que se passa no campo artístico, mas também porque é obrigado a mover-se constantemente em direção ao que el@ própri@ busca como expressão artística.

Resumo em Inglês:

The possible areas for research on/about art are, most of the time, the inter spaces, and not those located peacefully at some point or at some position. What is set by this condition is that, once the art territories are shaky contexts, one must consider whether the intervals/small gaps between these territories are shaky too. If we consider that this is true, how to determine the focus of research? As the intervals/small gaps are full of potential, it is necessary for the sources of fruition, contextualization and artistic experiment to be a choice in networking that pervade knots, routes and gaps, without preset paths nor precise territories. To inter_relate art, research and education, in line with the movements and the intentionality of action, is a complex task that requires specific knowledge and understanding, as well as thinking creative and metaphorically the networking concepts that have nodes, spans and possible paths of convergence and potential for expansion. The available pleiad of artistic possibilities and the different conceptions of what constitutes art – although nowadays the question is when something is art – make the contemporary artist a constant walker. Not only because the artist must be aware and try to follow everything that is happening in the artistic field, but also because he is forced to move constantly toward what he seeks as his own artistic expression.

Resumo em Português:

Uma parcela significativa da arte contemporânea tem articulado sua produção em colaboração com as comunidades, delas permanecendo radicalmente dependente, literalmente enraizada nos contextos sociais, políticos e culturais nos quais se insere, repelindo a noção de autonomia em favor de um processo de mundanização da arte. Dessa maneira, a arte estaria na busca de uma ressonância social mais robusta através da rejeição de um processo de privatização da arte e do resgate de sua dimensão pública, negligenciada pelo modernismo. Como consequência, esse espectro mais ambicioso da arte contemporânea parece apontar para a necessidade de redefinição dos mecanismos de articulação e funcionamento de todo o sistema de arte – produção, circulação, consumo, instituições e crítica da arte –, exigindo uma verificação profunda de nossas certezas no terreno institucional e sugerindo a necessidade de reinvenção do próprio sistema.

Resumo em Inglês:

A significant portion of the contemporary art has articulated its production in collaboration with communities, remaining radically dependent, literally rooted in the social, political and cultural contexts in which is inserted, rejecting the concept of autonomy in favor of a process of worldliness of art. This way, the art seems to be in search of a more robust social resonance through the rejection of a process of its privatization and the rescue of its public dimension, neglected by modernism. As a result, this most ambitious spectrum of the contemporary art seems to point to the need for redefinition of the mechanisms of articulation and functioning of the whole art system – production, circulation, consumption, institutions and art criticism –, requiring a thorough check of our certainties in institutional terrain and suggesting the need for reinvention of the system itself.