Resumo em Português:

Notam-se nas ciências humanas enormes dificuldades na definição e no emprego dos conceitos que designam fenômenos culturais. Isso vale também para a área da música, onde costuma se notar certa confusão quando se passa para o entendimento do que designam os termos interpretação e performance. O presente ensaio quer responder a essa tarefa, urgente tanto do ponto de vista teórico quanto científico. Como a análise envolve a tradução e a transliteração de conceitos fundamentais de um idioma para outro, abordam-se primeiramente os critérios que norteiam a sua aplicação no contexto histórico da tradição musical clássico-romântica vienense. O objetivo central é demonstrar como esses conceitos diferem em sentido e fim. O próximo passo consiste numa análise criteriosa do conceito de reprodução musical. Por fim, propõe-se o trinômio reprodução musical, interpretação e performance como arcabouço conceitual para o ensino e a pesquisa da(s) prática(s) interpretativa(s). Ao mesmo tempo, o campo teórico da disciplina aumenta em sua abrangência migrando de uma noção embasada quase que unicamente na interpretação para a de um processo artístico multiforme de grande potencial produtivo e transformador que inclui também os elementos extramusicais da reprodução.

Resumo em Inglês:

Great difficulties are noted in human sciences regarding the definition and use of the concepts designating cultural phenomena. This also stands good for the musical area, in which not often arise certain confusion when one moves to the understanding of what the terms interpretation and performance designate. The present essay aims to answer to this task, urgent both from the theoretical and from the scientific viewpoints. As the analysis involves the translation and transliteration of fundamental concepts from one idiom to another, we first approach the criteria guiding their application within the historical context of the classical-romantic Viennese musical tradition. The main objective is to demonstrate how these concepts differ in sense and end. The next step consists in a careful analysis of the concept of musical reproduction. Finally, the trinomial reproduction, interpretation and musical performance is proposed as a conceptual basis for teaching and research of the musical interpretative practice. At the same time, the theoretical field of the discipline increases in its scope, migrating from a basically interpretative concept to that of a multiform artistic process with great productive and transformational potential that also includes the extramusical elements of reproduction.

Resumo em Português:

O objetivo deste estudo foi verificar respostas emocionais a trechos musicais do repertório erudito ocidental. Músicos e não músicos ouviam cada trecho musical e associavam-no a categorias emocionais (Alegria, Tristeza, Serenidade ou Medo/Raiva). Os resultados indicaram que, para ambos os grupos, cada trecho musical, na maioria, não foi associado a mais de uma categoria emocional. De um modo geral, as associações foram semelhantes entre os grupos, embora as respostas dos músicos tenham sido mais consistentes. Estes resultados sugerem um processamento cognitivo de respostas emocionais à música ocidental relacionado à estrutura cognitiva do evento, a diferenças entre indivíduos e à expertise musical.

Resumo em Inglês:

The aim of this study was to evaluate emotional responses to musical excerpts from Western repertoire. Musicians and nonmusicians listened to each musical excerpt and linked it to emotional categories (Joy, Sadness, Serenity or Fear / Anger). The results indicated that each musical excerpt, in majority, was not associated to more than one emotional category, for both groups. In general, associations were similar between groups, although the responses of musicians have been more consistent. These results suggest a cognitive processing of emotional responses to music related to the cognitive structure of the event, to individual differences and to musical expertise.

Resumo em Português:

Toma-se o conceito de cadência, tópico do campo da harmonia, com um duplo objetivo: refletir sobre o uso da terminologia musical, expondo certa falta de consenso observada entre autores brasileiros, e exemplificar a permanência do conceito de "cadência" no repertório pós-tonal. Inicia-se com uma revisão histórico/conceitual do tema, investigando como esse assunto é tratado em livros selecionados, seus pontos de contato e divergência, sugerindo, ao final, uma abordagem para a classificação das progressões acórdicas. A seguir, partindo desses entendimentos, intenta-se estender a ideia de função cadencial para o repertório não-tonal, exemplificada com progressões conclusivas e de artifícios de tonicização em obras do século XX.

Resumo em Inglês:

This paper concerns with the notion of cadence, issue more related to harmony, but taken here under double aim: to reflect about the use of musical terminology (pointing out the lack of consensus among Brazilian authors), and to exemplify as the concept of cadence still remains active in post-tonal repertoire. Firstly, a historical review of the theme is presented, surveying how it is dealt in selected books, showing similar and conflicting points. Moreover, a classificatory approach to the effects of tension and relief inherent at chord progressions is suggested. Secondly, based on these understandings, the extension of the idea of cadential function to non-tonal repertoire is proposed, which is illustrated with conclusive progressions and tonicizing devices from musical works of the twentieth-century repertoire.

Resumo em Português:

O presente trabalho analisa a estruturação melódica das peças Syrinx, de Claude Debussy, e a primeira das Três peças para clarinete solo, de Igor Stravinsky, em busca dos procedimentos geradores de direcionalidade no discurso. Para tal, foram considerados aspectos como dinâmica, estrutura rítmica, composição intervalar e movimento no registro. Ao final do trabalho, chegou-se à conclusão que ambos os compositores lançam mão de procedimentos tradicionais para conferir direcionalidade às linhas melódicas, ao mesmo tempo em que contribuem com recursos novos e particulares.

Resumo em Inglês:

The present work analyses the melodic structure of the pieces Syrinx, by Claude Debussy, and the first of the Three pieces for solo clarinet, by Igor Stravinsky, in search of procedures employed to generate the sensation of directionality along the discourse. In order to do so, aspects such as dynamics, rhythmic structure, the organization of the intervals and the movement through the register were taken into consideration. The analysis shows that both composers make use of traditional procedures to make their lines directional, and yet they contribute with new and particular resources.

Resumo em Português:

Nos últimos anos a improvisação passou a figurar como um tema cada vez mais presente nos ambientes acadêmicos e hoje é considerada uma importante linha de pesquisa. A nossa reflexão sobre a livre improvisação, além de se apoiar em nossas experiências práticas, tem como uma das suas principais referências a obra do filósofo francês Gilles Deleuze de quem são emprestados conceitos fundamentais tais como, estratificação, território, plano de consistência, molaridade e molecularidade, corpo sem órgãos, ritmo, meios e ritornelo. Neste artigo, originalmente publicado no número 49, vol. 1 da revista Perspectives of New Music, trataremos de mostrar de que forma estes conceitos nos auxiliam a pensar e fundamentar a livre improvisação musical conforme a concebemos em nossos trabalhos práticos e teóricos.

Resumo em Inglês:

Recently, improvisation has been integrated as a theme increasingly present in scholarly environments and it is now considered as an important line of research. Our thinking about free improvisation, besides relying on our practical experience, has the work of French philosopher Gilles Deleuze as a central reference from which we borrow key concepts such as stratification, territory, plan of consistency, molarity and molecularity, body without organs, rhythm, means and refrain. In this article, originally published in Perspectives of New Music, number 49, v.1, we will try to show how these concepts help us think and support the free musical improvisation as we conceive it in our practical and theoretical work.

Resumo em Português:

Neste artigo empreende-se a análise da obra Portais e a Abside, de Celso Loureiro Chaves, para violão solo, de 1997. A análise segue os princípios da nova musicologia, como têm sido postos em prática por autores como Lawrence Kramer e Rose Subotnik. O ponto de partida e permanente referência da análise são as evidências deixadas pelo próprio compositor: o caráter inteiramente serial da obra; a relação do esquema formal da obra com "o plano arquitetônico de um templo imaginário, mas que poderia estar localizado na ilha de Próspero tal como desenhada por Peter Greenaway para o seu filme A Última Tempestade"; a referência da seção central da peça à memória de "alguma leitura longínqua da obra Grande Sertão: Veredas, de Guimarães Rosa". A partir destas evidências busca-se intuir um contexto que ilumine a obra e desvele a profundidade do seu significado.

Resumo em Inglês:

An analysis of the solo guitar piece Portals and the Apse by Celso Loureiro Chaves (1997) is undertaken in this article. The analysis follows the principles of the new musicology, as put into practice by authors such as Lawrence Kramer and Rose Subotnik. The starting point of the analysis and its guiding line are the evidences left behind by the composer, namely the entirely serial nature of the work; the relationship of its formal scheme with "the architectural plan of an imaginary temple, that could be located on Prospero's island as drawn by Peter Greenaway for his film Prospero's Books "; the reference of the central section of the work to the memory of a "distant reading of the novel The Devil to Pay in the Backlands, by Guimarães Rosa." From these evidences we seek to draw a context that aims at illuminating the work and unveiling the depth of its meaning.

Resumo em Português:

Estudo sobre a repercussão do livro de DENORA (1995), e discussão sobre os conceitos que vêm à tona, a partir de uma abordagem sociológica do fenômeno do "gênio criador"; do surgimento do conceito de "música séria"¹ em oposição ao entretenimento; das estratégias de ocupação de um determinado campo cultural e suas aplicações em novos contextos. Todos os fatores que elegeram Beethoven são inoperantes num mundo em que novas regras se impõem na produção artística, tanto quanto na produção de mercadorias em geral: essa a principal contribuição do livro, que passou despercebida pela maioria das resenhas publicadas à época de sua publicação. Os esquissos do projeto da música dita "séria" são facilmente detectáveis na obra de Beethoven, em que sua busca de profundidade, em oposição à música leve, atinge novos patamares pari passu com sua posição social como compositor.

Resumo em Inglês:

Study on the impact of the DENORA's book (1995) and discussion of the concepts that come to light, from a sociological approach to the phenomenon of "creative genius"; the emergence of the concept of "serious music" as opposed to entertainment; strategies of occupation of a particular cultural field and its applications in new contexts. All factors that elected Beethoven are inoperative in a world where new rules are imposed on artistic production, as much as on the production of goods in general: this is the main contribution of this book, which remained unnoticed by most of the reviews published at the time of his publication. The sketches of the music project called "serious" are easily detectable in the work of Beethoven, and in his quest for depth, as opposed to pleasingness as a value, reaches new heights pari passu with his social position as a composer.

Resumo em Português:

Este texto tem como objetivo discutir a estrutura do poema sinfônico Francesca da Rimini op. 32, composto por Piotr IlyichTchaikovsky (1840-1893) em 1876, inspirado no Canto V do Inferno (1307) da Divina Comédia de Dante Alighieri (1265-1321). Interessa-nos observar como Tchaikovsky parte do texto poético de Dante - usando-o como fonte - e desenvolve uma narrativa musical que abre ao ouvinte outros planos do sensível. Em Francesca, Tchaikovsky não se limita ao relato, mas cria, a partir dele, o seu próprio. Procuramos encontrar a operação-chave da estrutura compositiva da obra que parece ser a mímesis: se Dante descreve o que "vê" no real de sua ficção, Tchaikovsky descreve o que sente no "real" do espaço-tempo musical.

Resumo em Inglês:

The paper aims at discussing the structure of Francesca da Rimini op. 32, a symphonic poem inspired on Canto V do Inferno (1307) from Divina Comédia of Dante Alighieri (1265-1321) and composed by Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893) in 1876. Tchaikovsky uses Dante's poetic text as a source to develop a musical narrative that leads the listener to other planes of the sensitive. In Francesca, Tchaikovsky does not follow the story, but creates, from it, his own. The key to the compositional structure of the work seems to be the mimesis: if Dante describes what he "sees" in the reality of his fiction, Tchaikovsky describes what he feels in the reality of the space-time of music.

Resumo em Português:

Este artigo oferece uma proposta para fundamentação da prática musical de instrumentos e canto, enfatizando procedimentos de estudo, baseando-se principalmente na Teoria da Aprendizagem Pianística de José Alberto Kaplan. Paralelamente, foi realizada uma breve releitura crítica da história do ensino de instrumentos musicais e métodos para educação musical, em diálogo com áreas afins à Performance Musical, entre elas Psicologia Cognitiva, Neurociência e Educação Física.

Resumo em Inglês:

The present work offers a systematized proposal for the practice of musical instruments and singing, emphasizing study procedures. The main basis for this work is the Pianistic Learning Theory (Teoria da Aprendizagem Pianística) by Brazilian pedagogue José Alberto Kaplan. There is also a brief critical overview of the history of musical instrument learning and music education methods, dialoguing with areas such as Cognitive Psychology, Neuroscience and Physical Education.

Resumo em Português:

Este estudo investigou a relação entre a variação de expressividade e a preferência de performances na opinião de ouvintes, tomando como objeto de estudo os estudantes do curso de licenciatura em música da FAMES. Partindo da premissa que correlaciona positivamente uma performance expressiva ao nível de apreciação do ouvinte, este trabalho submeteu os estudantes a três performances distintas de uma mesma obra. Dessa maneira, cada performance considerada previamente por juízes independentes como de alta, média e baixa expressividade, recebeu um nível de preferência atribuído por cada aluno e a premissa foi avaliada. Os estudantes também foram solicitados a indicar quais aspectos musicais eles consideram preponderantes na construção de uma performance musical expressiva. Os resultados apontam para uma relação direta entre o nível de expressividade e a preferência de performance. Quanto aos aspectos musicais relacionados à expressividade, confirmam-se as associações feitas pelos ouvintes entre a expressividade na performance musical e as variações de dinâmica, intensidade, tempo, agógica, articulação, altura e timbre.

Resumo em Inglês:

This study investigated the relationship between expressivity variation and performances preference in the opinion of listeners, taking as study object undergraduate music students from FAMES. Assuming that an expressive performance and the listener's appreciation level are positively correlated, this paper submitted the students to three different performances of the same piece. Thus, each performance, previously considered by independent judges as having a high, medium and low expressivity, received a preference level given by each student, and the premise was evaluated. Students were also requested to indicate which musical aspects they consider preponderant on the construction of an expressive music performance. The results indicate a direct relation between the level of expressivity and the performance preference. About the musical aspects most related to musical expression, are confirmed the associations made by listeners between expressivity in musical performance and changes in dynamic, intensity, duration, time variation, articulation, timbre and time.

Resumo em Português:

A partir da promulgação da Lei 11.769/2008, a educação musical busca sua inserção e aceitação no contexto escolar. Neste artigo, são consideradas algumas características inerentes a este processo. É alegado que as teorizações advindas do campo dos estudos curriculares podem contribuir para o aprofundamento do assunto. Conclui-se que a busca por procedimentos e metodologias adequados pode ser improdutiva se não forem levadas em consideração as várias influências que os conhecimentos sofrem ao se tornarem disciplinas escolares.

Resumo em Inglês:

Since the proclamation of Law 11.769/2008 in Brazil, music education has been seeking full acceptance as an academic focus in that country. This article considers some of the characteristics inherent in this process. It has been alleged that theories in the field of curricular development may contribute to the serious study of this subject. The article concludes that the search for appropriate procedures and methodologies may be unproductive if it does not take into consideration several influences that the study of music undergoes to become an educational discipline.

Resumo em Português:

O presente artigo, uma exposição resumida da dissertação de mestrado (2008), discute a observação e avaliação dos problemas corporais que permeiam a prática de seis estudantes de violino do curso de Graduação da Escola de Música da UFMG. Dados foram colhidos através de observação, filmes e fotos de seis alunos de violino em quatro situações diferentes de performance no contexto do curso, além de avaliações fisioterápicas realizadas no consultório de Fisioterapia da pesquisadora. Estes dados foram apresentados a um painel composto por quatro observadores da área da saúde e da música. A análise destes dados revela que os seis alunos de violino apresentaram padrões físicos inadequados que poderiam prejudicar sua saúde e, consequentemente, sua performance. Além disso, foi conduzida uma pesquisa bibliográfica envolvendo estudos relacionados à Anatomia, Biomecânica e Cinesiologia. Esperamos que este artigo possa chamar a atenção dos violinistas e professores de violino para a importância de uma consciência corporal durante a performance do instrumento, que vise mais simetria e relaxamento das regiões corporais envolvidas no ato de tocar o violino.

Resumo em Inglês:

This article, a summary of the Master thesis (2008), discusses the observation and evaluation of physical problems presented by six Bachelors students of the Music School of UFMG (Brazil), in their violin practice. Data was collected through observation, films and photos of six violin students at four different situations of performance in the context of their program, besides the physiotherapeutic assessments held in the office of the physiotherapist researcher. This data was then submitted to a panel composed of four observers, health and music specialists. The analysis of this data reveals that the six violin students showed inappropriate physical patterns that could jeopardize their performance as well as their health. Also, a bibliographic survey related to the Anatomy, Biomechanical and Kinesiology was conducted. It is hoped that this research draws the attention of violinists and violin teachers to the importance of body consciousness whilst performing the instrument, emphasizing the need to maintain the symmetry and body relaxation of those parts involved in the act of playing the violin.

Resumo em Português:

Para a prática instrumental há necessidade de acessórios, como a partitura e estante. Assim como em computadores, o trabalho dos músicos necessita ajustes para que posturas desnecessárias não sejam adotadas ao longo da jornada das atividades, causando fadiga ou problemas futuros. O objetivo deste estudo foi avaliar a distância visual, o ângulo visual, a altura da partitura musical e o ângulo cervical de 11 músicos de cordas (violino e viola). Os resultados apresentaram associação entre o ângulo visual e a distância e a altura da partitura, assim como a distância visual com a altura da partitura. Os resultados foram de 100,23±5,46 cm para a altura da partitura, 89,36±8,22 cm para a distância visual, 9,23±0,79° para o ângulo visual e 49,86±5,71° para o ângulo da cervical. Apenas o ângulo da cervical estava fora dos padrões recomendados (indicação máxima de 30º) e deve ser analisado com maior profundidade em estudos futuros. Conforme o ritmo, novas obras, troca de acessórios e/ou instrumento, estas dimensões poderão ser modificadas, mas sem interferir nas condições visuais, físicas e de conforto. As dimensões estiveram dentro dos limites recomendados pela ergonomia.

Resumo em Inglês:

For the instrumental practice there are accessories needs, as the musical score and shelf. As well as in computers, the musicians' work needs fittings so that unnecessary postures are not adopted along the day of the activities, causing fatigue or future problems. The objective this study was to evaluate the visual distance, the visual angle, the height of the musical scores and cervical angle in 11 string musicians (violin and viola). The results presented association between the visual angle and the distance and the height of the musical score, as well as the visual distance with the height of the musical score. The results went of 100.23±5.46 cm to the height of the musical score, 89.36±8.22 cm for the visual distance, 9.23±0.79° for the visual angle and 49.86±5.71° for the cervical angle. Only the cervical angle was out of the recommended patterns (maximum indication 30°) and should be analyzed in greater depth in future studies. According to the rhythm, new works, accessory and/or instrument changes, these dimensions can be modified, but without interfere in the visual conditions, physics and comfort. The dimensions are inside of the limits recommended by ergonomics.

Resumo em Português:

O presente artigo apresenta traços biográficos da cantora, professora e folclorista Maria Sylvia Pinto. A pesquisa sobre Maria Sylvia Pinto integra dissertação de mestrado defendida pelo autor onde são analisadas canções da compositora Helza Camêu reunidas sobre o nome O Livro de Maria Sylvia. Apesar de ser uma "imortal", pois era membro da Academia Brasileira de Música, seu nome e seus feitos em prol da canção brasileira vêm sendo esquecidos com o passar do tempo, uma vez que não há nada sobre ela na Academia, a não ser duas fotografias, um recorte de seu obituário e um pequeno esboço de biografia no site www.abmusica.org.br, na internet. As notas biográficas aqui apresentadas baseiam-se nos relatos das personalidades que estiveram em contato com a cantora, em seu currículo, publicado no seu livro A canção de brasileira - da modinha à canção de câmara (PINTO, 1985), e em uma entrevista concedida por Maria Sylvia ao programa Música e Músicos do Brasil, da Rádio MEC, exibida em 28 de março de 1988 - gentilmente cedida pelos diretores desta rádio.

Resumo em Inglês:

This paper presents biographical notes of the Brazilian singer, teacher and folklorist Maria Sylvia Pinto and is part of the dissertation defended by the author where five songs composed by Helza Camêu (O livro de Maria Sylvia) were analyzed. Despite being an "immortal" - since she was a member of the Brazilian Academy of Music, her name and her efforts in favor of Brazilian songs have been forgotten over time, since there is no information about her at the Academy, except two photographs, a clipping of her obituary and a short biographical sketch in the site www.abmusica.org.br. The biographical notes presented here are based on reports of persons who were in contact with the singer, on her curriculum, published in the book A canção de brasileira - da modinha à canção de câmara (PINTO, 1985), and on an interview by Maria Sylvia to the program Música e Músicos do Brasil, presented at Radio MEC in March, 28, 1988.

Resumo em Português:

Este trabalho analisa e discute a construção da performance de Sonetos de Amor, obra de Felipe Kirst Adami para flauta doce e piano composta em 1999. A composição foi inspirada na obra poética Cien Sonetos de Amor de Pablo Neruda, tendo sido registrada no CD Sonetos de Amor e Morte, de Luciane Cuervo. Neste texto, a pesquisadora e intérprete reflete sobre o contexto da composição e de seu criador, bem como analisa a escrita idiomática para os instrumentos e a sua interpretação, buscando fornecer subsídios para futuros intérpretes e compositores interessados nesta formação instrumental. O artigo está organizado em quatro partes, analogamente aos quatro movimentos da obra: Manhã, Meio-Dia, Tarde, Noite.

Resumo em Inglês:

This paper analyzes and discusses the construction of the performance of Sonetos de Amor (Sonnets of Love), for flute and piano, work composed in 1999 by Felipe Kirst Adami. The work was inspired by the poetry collection Cien Sonetos de Amor by Pablo Neruda, having been recorded on CD Sonetos de Amor e Morte (Sonnets of Love and Death) by Luciane Cuervo. In this paper, the researcher and interpreter reflects on the context of the composition and its creator, as well as analyzes the idiomatic writing for the instruments and their interpretation, seeking to provide elements for future performers and composers interested in these instruments. The paper is organized in four parts, similarly to the four movements of the work: Morning, Noon, Evening, Night.

Resumo em Português:

Este artigo discute o uso das estruturas rítmicas complexas, tais como quiálteras dentro de quiálteras na obra Estudo Percussivo II, de 1993, do compositor brasileiro Arthur Kampela. Em alguns casos, serão demonstrados procedimentos de notação da escrita complexa do compositor britânico Brian Ferneyhoug. Isso se dá pelo fato de ao transformar uma semínima em uma quiáltera de cinco, Ferneyhough utiliza uma simbologia acima da quiáltera, indicando que são cinco semicolcheias no lugar de quatro semicolcheias, desta forma, o compositor britânico faz a indicação da mesma figura rítmica ao utilizar a semicolcheia. Diferentemente, Arthur Kampela no Estudo Percussivo II, utiliza uma escrita peculiar na qual ele não faz a mesma indicação das figuras rítmicas como Brian Ferneyhough. Este artigo propõe uma discussão a respeito desta escrita peculiar no Estudo Percussivo II. Para finalizar será abordada a escrita complexa sobre a ótica de outros compositores como Pierre Boulez para que a partir desta visão sejam propostas outras possibilidades de escrita rítmica no Estudo Percussivo II.

Resumo em Inglês:

This article discusses the use of complex rhythmic structures, such as tuplets within triplets in piece Percussion Study II, of 1993, by the Brazilian composer Arthur Kampela. In some cases, it will be shown notational procedures of complex writing by British composer Brian Ferneyhoug. By turning a quarter note in one of five tuplet, Ferneyhough uses an above the tuplet symbology, indicating that there are five sixteenth notes instead of four sixteenths; the British composer thus uses an indication of the same rhythmic figure, using the sixteenth note. In Percussion Study II, Arthur Kampela uses a peculiar writing in which he does the same indication of rhythmic figures such as Brian Ferneyhough. This article proposes a discussion about this peculiar writing in Percussion Study II and finally there will be shown the complex script from the standpoint of other composers such as Pierre Boulez, and from this vision, will be offered other possibilities notational Percussion in Study II.