Abstract in Portuguese:

RESUMO: O presente artigo, recorte de uma tese de doutorado sobre/de Educação Musical escolar, tem por objetivo analisar criticamente os contrapontos entre abordagens pedagógico-musicais - Triangular, a C(L)A(S)P e o Orff-Schulwerk - e as proposições de um trecho dissertativo da BNCC e do Currículo Paulista para o ensino de Arte no Ensino Fundamental, denominado "Dimensões do Conhecimento" (criação e expressão; estesia e fruição; crítica e reflexão). Nesse sentido, realizamos uma revisão bibliográfica das principais publicações sobre as abordagens arte-educativas mencionadas, a fim de discutir qualitativamente os condicionamentos de currículos oficiais que negligenciam lutas e embates historicamente debatidos por agentes especializados. Concluímos, assim, que propostas arte-educativas amplamente difundidas, como as abordadas em nossa revisão, oferecem concepções que atribuem à Educação Musical escolar características identitárias, (re)significadas e negociadas coletivamente, perpassando a normativa estadual que propõe um ensino ambíguo, sem abranger discussões específicas das linguagens artísticas, e que tende a ser meramente voltado a uma educação estética e individualizada.

Abstract in English:

ABSTRACT: This article, a segment of a doctoral thesis on Music Education, aims to analyze the counterpoints between pedagogical-musical approaches - Triangular, C(L)A(S)P, and Orff-Schulwerk - and the propositions of a section of São Paulo's Arts Common Core Curriculum for Elementary Education, titled "Dimensions of Knowledge" (creation and expression; aesthetics and fruition; criticism and reflection). It was conducted a literature review of the main publications on the aforementioned arts-education approaches in order to qualitatively discuss the constraints of an official curriculum that neglects struggles and debates historically discussed by specialists. We conclude that widely disseminated arts-education proposals, such as those covered in our review, offer conceptions that attribute identity, (re)signified and collectively negotiated characteristics to school Music Education, going beyond the state normative that proposes an ambiguous education, which does not encompass the specific discussions of artistic languages and tends to be merely focused on an individualistic aesthetic education.

Abstract in Portuguese:

RESUMO: Este artigo propõe uma análise das linhas de baixo no gênero da milonga e em ritmos similares, característicos da região sul do Brasil, aplicando-os ao contrabaixo. Considera-se não apenas o aspecto prático para a obtenção de uma sonoridade apropriada, mas também o aspecto conceitual por trás desses gêneros, que dialogam com os conceitos de clave e rítmica aditiva. Foi feita uma análise sobre as claves usadas nesses gêneros, que são exatamente as mesmas encontradas em outros estilos, sugerindo uma possível origem africana comum. Este é um trabalho informado pela prática, onde um dos autores participou como músico convidado em performances com o grupo Quarteto Coração de Potro, grupo especializado no repertório sulino, sediado em Lages-SC. Foi realizada uma entrevista com o músico João Gabriel Rosa, que também compartilhou suas percepções e práticas. Neste artigo estão incluídas transcrições e análises de trechos de obras desse repertório para corroborar as conclusões levantadas.

Abstract in English:

ABSTRACT: This article proposes an analysis of bass lines in the milonga genre and similar rhythms, characteristic of the southern region of Brazil, applying them to the contrabass. Not only the practical aspect for obtaining an appropriate sound is considered, but also the conceptual aspect behind these genres, which dialogue with the concepts of clave and additive rhythm. A rhythmic analysis was made of the claffs of those genres, which are exactly the same as those found in other styles, suggesting a possible common African origin. This is a work informed by practice, where one of the authors participated as a guest musician in performances with the group Quarteto Coração de Potro, a group specialized in southern repertoire, based in Lages-SC. An interview was carried out with musician João Gabriel Rosa, who also shared his perceptions . This article includes transcriptions and analyzes of excerpts from works from this repertoire to corroborate the conclusions raised.

Abstract in Portuguese:

RESUMO: Este artigo debruça-se na análise de teses e dissertações sobre coros infantis realizadas entre 2015 e 2024, com o objetivo de examinar se a infância como marcador social da diferença e as vozes das crianças são abordadas nessas pesquisas. A análise abrange os programas de pós-graduação e linhas de pesquisa, a incidência das publicações ao longo dos anos, as temáticas e o perfil profissional dos autores. Os resultados revelaram a invisibilidade das vozes infantis, priorizando temas relacionados às concepções pedagógicas e à formação técnica dos regentes. Como resultados, destaca-se a necessidade de que mais estudos sobre coros infantis tematizem a infância e contemplem as perspectivas das crianças, reconhecendo-as como informantes centrais na construção de novos olhares sobre a prática coral. Ao adotar essa abordagem, as pesquisas podem promover uma prática musical mais ética, inclusiva e sensível, que respeite e valorize as experiências e contribuições das crianças no ambiente coral.

Abstract in English:

ABSTRACT: This article focuses on the analysis of theses and dissertations on children's choirs produced between 2015 and 2024, aiming to examine whether childhood as a social marker of difference and children's voices are addressed in these studies. The analysis encompasses graduate programs and research lines, the frequency of publications over the years, themes explored, and the professional profiles of the authors. The findings revealed the invisibility of children's voices, with a predominant emphasis on pedagogical conceptions and the technical training of choir conductors. The results highlight the need for more studies on children's choirs to address childhood as a central theme and incorporate children's perspectives, recognizing them as key informants in shaping new understandings of choral practice. By adopting this approach, research can foster a more ethical, inclusive, and sensitive musical practice that respects and values children's experiences and contributions within the choral environment.

Abstract in Portuguese:

RESUMO: No âmbito do projeto de pesquisa “AVEMUS: a música em estilo concertante no antigo Real Mosteiro de São-Bento da Avé-Maria do Porto”, do CESEM-UNL, este artigo apresenta os resultados quanti-qualitativos do estudo dos modelos pré-composicionais presentes no escopo específico do repertório selecionado pelo referido projeto, baseados no conceito de modelo pré-composicional e sua metodologia de análise musicológica contextual desenvolvida por mim ao longo do tempo (cf. Sotuyo Blanco 2003; 2004; 2007).

Abstract in English:

ABSTRACT: Within the boundaries of the research project “AVEMUS: music in concertante style in the former Royal Monastery of São-Bento da Avé-Maria at Oporto”, by CESEM-UNL, this article presents the quantitative and qualitative results of the study of pre-compositional models present in the specific scope of the repertoire selected by the aforementioned project, based on the concept of pre-compositional model and its methodology of contextual musicological analysis developed by me over time (cf. Sotuyo Blanco 2003; 2004; 2007).

Abstract in Portuguese:

RESUMO: Este artigo tem por objetivo discutir a atualidade dos estudos (auto)biográficos na pesquisa em música, exemplificada com a produção brasileira recente do século XXI e das últimas décadas do século XX. Utiliza como referenciais teóricos autores como Dosse, Lejeune, Levi, Bourdieu, Ginzburg, entre outros, e inclui a produção recente sobre escrita biográfica de Castro e Lira Neto. Voltado para pesquisadores em música, que são tanto leitores como produtores de textos (auto)biográficos, o artigo discute exemplos do mercado editorial, teses, dissertações e autopublicações ou pequenas tiragens. Aborda a relação entre biógrafos e biografados, analisa três características das (auto)biografias e suas implicações éticas e técnicas: tratar de uma pessoa real, utilizar fontes documentais e testemunhais e ser escrita em forma narrativa. Exemplifica tipos de biografias, discute as particularidades da autobiografia e seu uso na pesquisa-formação. Nas considerações finais, afirma a atualidade da temática e sua importância na pesquisa em música.

Abstract in English:

ABSTRACT: This article aims to discuss the contemporary relevance of (auto)biographical studies in music research, exemplified by recent Brazilian production of the 21st century and the last decades of the 20th century. It draws on theoretical frameworks from authors such as Dosse, Lejeune, Levi, Bourdieu, Ginzburg, among others, and includes recent contributions on biographical writing by Castro and Lira Neto. Targeted at music researchers, who are both readers and producers of (auto)biographical texts, the article examines examples from the publishing market, theses, dissertations, and self-publications or limited editions. It explores the relationship between biographers and their subjects and analyzes three characteristics of (auto)biographies along with their ethical and technical implications: portraying a real person, using documentary and testimonial sources, and being written in narrative form. It illustrates different types of biographies, discusses the specificities of autobiography, and its use in formative research. In the final considerations, the article affirms the relevance of this topic and its importance in music research.

Abstract in Portuguese:

RESUMO: Este artigo explora a interseção entre o jazz e a migração na Espanha através das experiências de vida de quatro cantoras de jazz andaluzas. Foi utilizado um enfoque biográfico para investigar os significados que essas cantoras atribuem à migração com base em suas trajetórias profissionais. O estudo revela o duplo papel da migração como um passo necessário para o desenvolvimento artístico e como um reflexo de dinâmicas culturais mais amplas. Através das narrativas de vida, discutem-se os desafios enfrentados por essas cantoras, destacando o potencial transformador dessas experiências. A pesquisa também envolve debates teóricos sobre a biografia como método, refletindo sobre as particularidades dessa forma de escrita no campo dos estudos musicais.

Abstract in English:

ABSTRACT: This article explores the intersection of jazz and migration in Spain through the life experiences of four Andalusian jazz singers. A biographical approach was employed to investigate the meanings these singers attribute to migration based on their professional trajectories. The study reveals the dual role of migration as both a necessary step for artistic development and a reflection of broader cultural dynamics. Through life narratives, the challenges faced by these singers are discussed, while highlighting the transformative potential of these experiences. The research also engages with theoretical debates on biography as a method, reflecting on the particularities of this form of writing within the field of music studies.

Abstract in Portuguese:

RESUMO: Este artigo discute as perspectivas da pesquisa (auto)biográfica em Educação Musical, destacando seu papel na investigação das memórias, percursos de formação musical e profissional, relações e significações pessoais com a música. Inicialmente, é apresentado um panorama das pesquisas (auto)biográficas a partir de publicações em periódicos da área de Música e das Ciências Humanas. Em seguida, são discutidos alguns estudos desenvolvidos pelo grupo de pesquisa "Música Cultura e Educação" (da Universidade Federal da Paraíba), com foco em suas temáticas e metodologias. Examina-se, ainda, a perspectiva da pesquisa (auto)biográfica em estudos de formação pessoal e profissional, assim como o uso de entrevistas narrativas em investigações mais específicas. Por fim, as contribuições e limites das pesquisas (auto)biográficas são analisados criticamente, de modo a propor reflexões que, embora focadas na Educação Musical, podem ser relevantes para outros campos de estudos musicais.

Abstract in English:

ABSTRACT: This paper discusses the perspectives of (auto)biographical research in Music Education, highlighting its role in the investigation of memories, musical and professional formation paths, personal relations and significance with music. Initially, an overview of (auto)biographical research is presented from publications in academic journals in the field of Music and Human Sciences. Then, some studies developed by the "Music, Culture, and Education" Research Group (of Federal University of Paraíba) are discussed, focusing on their themes and methodologies. The perspective of (auto)biographical research in studies of personal and professional development is also examined, as well as the use of narrative interviews in more specific investigations. Finally, the contributions and limitations of (auto)biographical research are critically analyzed, proposing reflections that, although centered on Music Education, may be relevant to other areas of musical studies.

Abstract in Portuguese:

RESUMO: O artigo investiga a intersecção entre memória, música e historiografia, utilizando como estudo de caso o Coral Mater Verbi e os escritos autobiográficos do Padre compositor José Maria Wisniewski (1913-1995). O objetivo central é analisar como a prática musical e os documentos pessoais de Wisniewski contribuem para a preservação e transmissão da memória coletiva e individual, tomando como recorte temporal a transição do Movimento Ceciliano para o Concílio Vaticano II. A pesquisa, cujos resultados parciais são apresentados neste artigo, baseia-se na análise de crônicas e diários elaborados por Wisniewski, explorando o papel desses textos na manutenção da identidade do coral e na construção de uma memória social. A discussão aborda a função desses registros como agentes de continuidade e ressignificação, considerando o problema do esquecimento. Os resultados sugerem novas formas de integrar estudos autobiográficos em música e estudos de memória, através da criação de narrativas.

Abstract in English:

ABSTRACT: The article investigates the intersection of memory, music, and historiography, using the Mater Verbi’s choir and the autobiographical writings of the composer Father José Maria Wisniewski (1913-1995) as a case study. The primary objective is to analyze how Wisniewski's musical practice and personal documents contribute to the preservation and transmission of both collective and individual memory, with a focus on the transition from the Cecilian Movement to the Second Vatican Council. The research, in which partial results are presented, is based on the analysis of chronicles and diaries written by Wisniewski, exploring the role of these texts in maintaining the identity of the choir and constructing a social memory. The discussion examines the function of these records as agents of continuity and reinterpretation, considering the challenge of forgetting. The results suggest new ways to integrate autobiographical studies in music with memory studies through the creation of narratives.

Abstract in Portuguese:

RESUMO: Este artigo se propõe analisar duas cenas do filme Aftersun (2022), dirigido por Charlotte Wells, para explorar a relação entre memória autobiográfica e mídia, especialmente no que diz respeito ao uso da canção popular e do sound design na trilha sonora do filme. Se, por um lado, o uso de canções consagradas contribui para o acionamento da memória cultural dos espectadores, por outro lado, o uso de efeitos sonoros sobre os fonogramas originais sugere um estranhamento e um distanciamento que ilustram a relação da protagonista com as memórias retratadas e metaforizam o funcionamento do fluxo da memória em si. Para tanto, utilizaremos alguns autores que tratam da memória coletiva (Halbwachs 1990) do relato autobiográfico (Sarlo 2007; Starobinski 1971) e da canção popular como artefato de memória (Frith 2001).

Abstract in English:

ABSTRACT: This article aims to analyze two scenes from the film Aftersun (2022), directed by Charlotte Wells, to explore the relationship between autobiographic memory and media, especially regarding the use of pop songs and sound design in the film's soundtrack. If, on the one hand, the use of famous songs contributes to triggering the cultural memory of spectators, on the other hand, the use of sound effects on the original phonograms suggests an estrangement and a detachment that illustrate the protagonist's relationship with the portrayed memories and metaphorize the functioning of the memory flow itself. In order to that, we will use authors who deal with the concepts of collective memory (Halbwaches 1990), autobiographical report (Sarlo 2007; Starobinski 1971) and pop songs as memory objects (Frith 2001).

Abstract in Portuguese:

RESUMO: Este artigo se concentra na descrição de aspectos da prática musical de Mozart Secundino de Oliveira, tomando-a como referência para examinar a inserção do violão de acompanhamento no contexto dos conjuntos regionais. Mozart teve profícua atuação na cidade de Belo Horizonte, obtendo reconhecimento e notoriedade nos últimos anos de sua vida, entre 2004 e 2015. Esteve envolvido com o choro em suas diversas dimensões durante aproximadamente 70 anos, tocando com instrumentistas fundadores desse estilo, cantores célebres, e também ao lado de jovens músicos inexperientes. Algumas dessas dimensões serão tratadas aqui como categorias analíticas, como as rodas de choro, os baixos de obrigação, as baixarias, e a própria origem e consolidação dos regionais.

Abstract in English:

ABSTRACT: This article describes aspects of the musical practice of Mozart Secundino de Oliveira, taking it as a reference to examine the insertion of the comping guitar in the context of regional ensembles. Mozart had a fruitful performance in Belo Horizonte, obtaining recognition and notoriety in the last years of his life, between 2004 and 2015. He was involved with Choro in its various dimensions for approximately 70 years, playing with instrumentists who founded this style and also with young inexperienced musicians. Some of this dimensions will be treated here as analytical categories, as in the case of the Roda de Choro, the bass lines know as obligation, the improvised bass lines, and the regional group itself.

Abstract in Portuguese:

RESUMO: O presente artigo sustenta a hipótese de a música de piano para a mão esquerda demonstrar características acusmáticas, partindo do conceito de ‘Acusmaticidade’ de Brian Kane (Kane 2014), que estabelece os princípios para a caracterização de diferentes situações acusmáticas por oposição ao estado “estático” de escuta de um som cuja fonte não está visível (Kane 2014). A ilusão da ação de múltiplas mãos - no repertório para a mão esquerda - cria uma fratura no vínculo expectável entre o visual e o auditivo que proporciona uma atitude de escuta particular, normalmente associada à escuta acusmática. Como estudo de caso, será analisada a obra Resignação, melodia para a mão esquerda, op. 39, de José Vianna da Motta. A comparação com o arranjo para piano (duas mãos) e flauta, realizado pelo próprio compositor - Resignação op. 40 -, evidencia o cumprimento das prerrogativas para que se identifique uma situação acusmática em Resignação op. 39.

Abstract in English:

ABSTRACT: This article proposes the hypothesis that left-hand piano music evidences acousmatic characteristics, drawing on Brian Kane's concept of 'Acousmaticity' (Kane 2014), which outlines principles for characterising various acousmatic scenarios, contrasting with the "static" state of listening to a sound whose source is unseen (Kane 2014). The illusion of multiple hands at work in left-hand repertoire disrupts the expected link between visual and auditory perception, fostering a specific listening stance often associated with acousmatic perception. As a case study, the work Resignação, melody for the left hand, Op. 39, by José Vianna da Motta, is analysed. A comparison with the composer’s own arrangement for piano (two hands) and flute, Resignação, Op. 40, highlights the fulfilment of the conditions necessary to identify an acousmatic situation in Resignação, Op. 39.

Abstract in Spanish:

RESUMO: El ambiente que rodea al alumnado es clave para el éxito académico, llegando a ser determinante para su progreso musical. El propósito de este estudio residió en analizar el clima motivacional percibido (clima de ego y clima de tarea) del alumnado de enseñanzas superiores de música, atendiendo a variables sociodemográficas (sexo, vínculos familiares con la música, país y centro de estudios). Los resultados muestran que la percepción del clima de ego no presenta diferencias significativas en ninguna de las variables estudiadas. Por el contrario, el clima de tarea presenta diferencias a favor de los hombres e importantes diferencias en cuanto al país y al tipo de centro de estudios, siendo el alumnado que realiza sus estudios en Portugal el que muestra una percepción más favorable. Se resalta la importancia de generar contextos educativos que favorezcan un clima de tarea positivo, orientados al logro y a potenciar las habilidades del alumnado.

Abstract in English:

ABSTRACT: The environment surrounding students is key to their academic success, becoming a determining factor for their musical progress. The purpose of this study was to analyze the perceived motivational climate (ego climate and task climate) of students in higher music education, taking into account sociodemographic variables (gender, family ties to music, country and school). The results show that the perception of ego climate does not show significant differences in any of the variables studied. On the other hand, the task climate shows differences in favor of men and important differences in terms of country and type of study center, with students studying in Portugal showing the most favorable perception. The importance of generating educational contexts that favor a positive homework climate, oriented towards achievement and the empowerment of students' skills is highlighted.

Abstract in Spanish:

RESUMEN: Este artículo examina cómo la ópera Guatemotzín (1871) de Aniceto Ortega construye subjetividades contrastantes mediante recursos musicales que trascienden el simple exotismo. A través del análisis de elecciones tonales, contornos melódicos y estructuras rítmicas, exploramos cómo Ortega crea personalidades musicales distintivas para Cuauhtémoc y Cortés que representan conflictos culturales más amplios. En lugar de emplear marcadores musicales estereotípicamente "indígenas", Ortega utiliza el lenguaje musical occidental para crear un perfil psicológico complejo para Cuauhtémoc, reservando las referencias musicales prehispánicas para las secciones tlaxcaltecas. Este enfoque establece a Guatemotzín como obra fundacional del nacionalismo musical mexicano, donde elementos puramente musicales narran dinámicas de poder colonial y resistencia cultural.

Abstract in English:

ABSTRACT This article examines how Aniceto Ortega's opera Guatemotzín (1871) constructs contrasting subjectivities through musical resources that transcend simple exoticism. Through analysis of tonal choices, melodic contours, and rhythmic structures, we explore how Ortega creates distinctive musical personalities for Cuauhtémoc and Cortés that represent broader cultural conflicts. Instead of employing stereotypical "indigenous" musical markers, Ortega uses Western musical language to create a complex psychological profile for Cuauhtémoc, while reserving pre-Hispanic musical references for the Tlaxcalteca sections. This approach establishes Guatemotzín as a foundational work of Mexican musical nationalism, where purely musical elements narrate colonial power dynamics and cultural resistance, making sound itself a territory for identity affirmation and historical reflection.

Abstract in Portuguese:

RESUMO: Este artigo analisa as representações do violão em São Paulo entre 1890 e 1932, com foco na imprensa e nos discursos que associavam o instrumento à marginalidade, à boemia e à desordem social. A partir de periódicos e fontes históricas, investiga-se como o violão foi alvo de repressão simbólica durante a modernização urbana, atuando como marcador de classe, raça e gênero. O texto aborda antecedentes da censura musical, o papel performativo das práticas sonoras em espaços públicos e as tensões envolvendo a presença feminina no campo violonístico. Examina-se, ainda, como essas práticas resistiram ao disciplinamento imposto por autoridades e elites urbanas. Ao articular som, espaço e controle, propõe-se uma escuta crítica das dinâmicas de exclusão e resistência que moldaram a presença do violão na cidade.

Abstract in English:

ABSTRACT: This article analyzes representations of the guitar in São Paulo between 1890 and 1932, focusing on the press and discourses that associated the instrument with marginality, bohemianism, and social disorder. Drawing on newspapers and historical sources, it investigates how the guitar became a target of symbolic repression during urban modernization, functioning as a marker of class, race, and gender. The text addresses the historical background of musical censorship, the performative role of sound practices in public spaces, and tensions surrounding the presence of women in the guitar scene. It also examines how these practices resisted the disciplining imposed by authorities and urban elites. By articulating sound, space, and control, the article proposes a critical listening to the dynamics of exclusion and resistance that shaped the guitar’s presence in the city.

Abstract in Portuguese:

RESUMO: O atuar do performer vocal está condicionado aos atributos de respiração, fonação e aparelhos ressoadores, que devem funcionar de forma homogênea e equilibrada, visando a uma interpretação livre de tensões desnecessárias. Esse aparato técnico deve sustentar a emissão chamada de sul fiato - sobre o ar - e, na música brasileira de concerto, temos os problemas adicionais da dicção e fonação provenientes da língua falada e cantada no Brasil. Objetivando sanar eventuais dificuldades relacionadas a essa performance vocal da música brasileira, desenvolvo aqui um estudo teórico que mostra como o estudante de canto lírico e mesmo o profissional da voz podem se valer de técnicas corporais dinâmicas e flexíveis para prover sua interpretação de elementos cênicos que conjuguem, ao mesmo tempo, liberdade e certo grau de improvisação. Os resultados foram que ao integrar corpo, voz e argumentos cênicos o performer poderá aliar música de concerto nacional com uma linguagem corporal específica.

Abstract in English:

ABSTRACT: The vocal performer´s acting is conditioned to elements such as breathing, phonation and resonator devices, that must work through homogeneous and balanced way, aiming a performance free of unnecessary tensions. This technical apparat should support the vocal emission called sul fiato - through the air - and, in Brazilian´s Classical Music, there are other problems such as diction and phonation that emerges from spoken and sung language in Brazil. Aiming to solve occasional difficulties reported to that vocal performance of Brazilian Music, I´ve developed here a theoretical study that shows how the Opera Singer student and even the professional could improve their performance using dynamic and flexible body techniques, utilizing freedom and a certain mode of improvisation. The results were that when the performer integrate voice, body and scenic arguments, he can ally Brazilian classical music with a body specific language.

Abstract in Portuguese:

RESUMO: Embora a maioria das escalas do mundo seja repetida na oitava, o fato é que escalas sem repetição de oitava têm sido empregadas para organizar o conteúdo tonal em diferentes culturas musicais desde a Idade Média até os dias atuais. No entanto, há poucos estudos acadêmicos que tratam do assunto de uma perspectiva global, além da aplicação de determinadas escalas sem repetição de oitavas em contextos musicais específicos. Portanto, a extensão em que essas estruturas serviram para determinar o conteúdo da altura na música não foi até agora amplamente ampliada ou prontamente disponível para pesquisadores e músicos potencialmente interessados no assunto. O presente artigo se baseia em uma variedade de fontes diferentes para apresentar uma visão geral detalhada e estruturada do uso de escalas sem repetição de oitava em uma ampla gama de ambientes musicais, confirmando, assim, a hipótese de que essas estruturas provaram ser uma forma útil e comprovada de organizar o conteúdo de altura na música.

Abstract in English:

ABSTRACT: Whilst most of the world’s scales are octave-repeating, the fact is that non-octave-repeating scales have been employed for organizing tonal content in different musical cultures from the Middle Ages to present day. However, there have been few academic studies that deal with the subject from a global perspective, beyond the application of certain non-octave-repeating scales in specific musical contexts. Hence, the extent to which these structures have served for determining pitch content in music has until now not been widely extended or readily available to researchers and musicians potentially interested in the issue. The present paper draws from a variety of different sources in order to present a detailed and structured overview of the use of non-octave-repeating scales in a wide range of musical settings, thus confirming the hypothesis that these structures have proven to be a useful and time-tested way of organizing pitch content in music.

Abstract in Portuguese:

RESUMO: O objetivo do estudo é analisar o impacto de um ambiente de aprendizagem digital na motivação, envolvimento e criatividade dos alunos no ensino da música, centrando-se na implementação de ferramentas digitais no ensino da música. A metodologia de investigação inclui um inquérito a 100 professores de música, cinco entrevistas a grupos de discussão e um estudo experimental com 81 alunos divididos em três grupos, utilizando modelos de aprendizagem interactiva, orientada para projectos e mista. Os resultados mostram que a utilização de plataformas digitais aumenta a motivação dos alunos, a competência digital e o desempenho musical. O estudo oferece recomendações metodológicas para a integração das tecnologias digitais no ensino da música.

Abstract in English:

ABSTRACT: The aim of the study is to analyze the impact of a digital learning environment on students’ motivation, engagement, and creativity in music education, focusing on the implementation of digital tools in music education. The research methodology includes a survey of 100 music teachers, five focus group interviews and an experimental study with 81 students divided into three groups using of interactive, project-oriented, and blended learning models. The results show that the use of digital platforms increase student motivation, digital competence, and music performance. The study offers methodological recommendations for integrating digital technologies into music education.

Abstract in Portuguese:

RESUMO: O trabalho aborda o significado da obra para piano “The Anti-Abolitionist Riots in the 1830’s and 1840’s” de Charles Ives. A história intelectual permite analizar sua concepção do mundo junto com as influências compositivas e ideológicas que nutriram suas criações. A tomada de consciência histórica sobre os altercados e os confrontos de rua entre os defensores da escravidão e os abolicionistas feriam a sensibilidade do joven músico, que se viu compelido a evocar estes acontecimentos. O conflito social não somente ainda se encontrava vigente no inicio do século XX, mas había recrusdescido ao som de novas circunstâncias. Conclui-se que a memória dos distúrbios mereceu por parte do artista sua representação estética e que sua capacidade de evocar a sobrevivência do passado dá um sentido pleno à partitura. entido pleno à partitura.

Abstract in Spanish:

RESUMEN: El trabajo aborda el significado de la obra para piano “The Anti-Abolitionist Riots in the 1830's and 1840's” de Charles Ives. La historia intelectual permite analizar su concepción del mundo junto a las influencias compositivas e ideológicas que nutrieron sus creaciones. La toma de conciencia histórica sobre los altercados y los enfrentamientos callejeros entre los defensores de la esclavitud y los abolicionistas hirieron la sensibilidad del joven músico, el cual se vio compelido a evocar estos sucesos. El conflicto racial no sólo se encontraba vigente hacia principios del siglo XX, sino que había recrudecido al son de nuevas circunstancias. Se concluye que la memoria de los disturbios mereció por parte del artista su representación estética y que su capacidad para evocar la pervivencia del pasado brinda un sentido pleno a la partitura.

Abstract in Portuguese:

RESUMO: O presente artigo discorre sobre a interpretação historicamente informada da música barroca, abordando a execução de movimentos lentos do tipo italiano, que costumeiramente devem ser ornamentados pelo intérprete. Para sustentar seus argumentos, a autora se vale do auxílio de um exemplo prático retirado do repertório flautístico: o Larghetto da Sonata em mi menor para flauta e baixo contínuo, op.1 no 1a, HWV 379, do compositor George Frideric Handel. Para este Larghetto são sugeridas opções de articulação, dinâmicas e andamento, sendo apresentadas justificativas musicais para tais escolhas, embasadas nos tratados da época e em fontes secundárias, usando como inspiração as Sonatas Metódicas de Georg Philipp Telemann. Ao final do artigo, há uma partitura contendo as partes originais de flauta e baixo contínuo do movimento em questão, acrescidas de sugestões de ornamentação e interpretação. Ao cotejar a parte original e a versão proposta, pode-se constatar o resultado prático da discussão teórica proposta pelo artigo.

Abstract in English:

ABSTRACT: This article discusses the historically informed interpretation of baroque music, focusing on the execution of slow movements of the Italian type, which typically require ornamentation by the performer. To support her arguments, the author uses a practical example taken from the flute repertoire: the Larghetto of the Sonata in E minor for flute and basso continuo, op.1 no 1a, HWV 379, by George Frideric Handel. For this Larghetto, articulation, dynamics, and tempo options are suggested, and musical justifications for these choices are presented, based on treatises of the time and secondary sources, with Georg Philipp Telemann's Methodical Sonatas serving as inspiration. At the end of the article, a score is offered containing the original flute and basso continuo parts of the movement in question, plus suggestions for ornamentation and interpretation. By comparing the original part and the proposed version, the practical result of the theoretical discussion proposed by the article can be appreciated.

Abstract in Portuguese:

RESUMO: Esta pesquisa aborda a pedalização do piano como uma ferramenta essencial na interpretação pianística. Seu objetivo é explorar o uso do pedal direito. A técnica do pedal é frequentemente moldada por instruções diretas de um professor particular ou pelas tradições de uma escola nacional de piano. Existem diferenças nos enfoques de pedalização entre diversas escolas pianísticas, métodos de ensino e aplicações individuais do pedal. Metodologicamente, o estudo se insere no campo aplicado da educação pianística, fundamentando-se na experiência pessoal e em uma extensa formação formal. Adota-se um método qualitativo e descritivo para fornecer informações claras e destacar técnicas específicas de pedal. Dessa forma, a pesquisa é estruturada de modo a cumprir o objetivo principal de facilitar e enriquecer a compreensão do pedal entre professores e alunos de piano. Embora inúmeros autores abordem essa temática, a pedalização continua sendo uma área em que as discrepâncias entre escolas e intérpretes são evidentes. Portanto, o propósito desta pesquisa é estabelecer uma ponte entre os métodos e estratégias pedagógicas oriundos das escolas pianísticas orientais e ocidentais. O estudo também investiga os problemas decorrentes da terminologia inconsistente, analisa onde o pedal direito é aplicado e identifica treze tipos de pedais que auxiliam pianistas e professores no aprimoramento da interpretação pianística.

Abstract in English:

ABSTRACT: This research discusses piano pedaling as a vital tool in piano performance. It aims to explore the use of right pedals. Pedal technique is often shaped by direct instructions from a particular teacher or by traditions of a national piano school. Differences in pedaling approaches exist among various piano schools, teaching methods, and individual pedal applications. Methodologically, the study falls within the applied field of piano education, drawing on personal experience and extensive formal training. A qualitative and descriptive approach is employed to provide coherent information and highlight specific pedal techniques. Thus, it follows a structure that adequately supports the main objective of presenting and enhancing piano teachers and students with a better understanding of the pedaling. While many authors dedicate attention to this topic, pedalization remains an area where discrepancies between schools and performers are apparent. Therefore, the purpose of the present research is to bridge pedagogical methods/strategies streaming from the Eastern and Western piano schools. The study also investigates problems arising from inconsistent terminology, discusses where the right pedal is applied, and identifies thirteen types of pedals assisting pianists and teachers in their approach to piano performance.

Abstract in Portuguese:

RESUMO: Este estudo teve como objetivo traduzir e avaliar a eficácia do Modelo Heidelberg de Musicoterapia (HNMT) no tratamento de indivíduos com zumbido tonal crônico no Brasil. Trata-se de uma pesquisa quantitativa e exploratória, composta por 10 sessões individuais de musicoterapia ao longo de três meses. O impacto do zumbido foi mensurado por meio do Tinnitus Handicap Inventory (THI) e da Escala Visual Analógica (EVA). A análise estatística foi conduzida utilizando o aplicativo Estimação da trajetória individual, empregando os modelos Harmônico Linear (HL) e de 4 Parâmetros Logísticos (4PL). Dois participantes completaram o protocolo, apresentando redução do incômodo entre a 3ª e a 7ª sessões. O HL identificou padrões cíclicos e tendência de declínio nos escores do THI, enquanto o 4PL evidenciou pontos críticos de melhora. Apesar da ausência de alterações na intensidade percebida do zumbido, os achados sugerem que o HNMT favorece a resiliência emocional. Estudos futuros devem considerar amostras ampliadas e acompanhamento psicoterapêutico.

Abstract in English:

ABSTRACT: This study aimed to translate and assess the preliminary efficacy of the Heidelberg Model of Music Therapy (HNMT) in the treatment of individuals with chronic tonal tinnitus in Brazil. It is a quantitative and exploratory study comprising 10 individual music therapy sessions over three months. The impact of tinnitus was measured using the Tinnitus Handicap Inventory (THI) and the Visual Analog Scale (VAS). Statistical analysis was conducted using the Estimation of Individual Trajectory application, employing the Harmonic Linear Model (HL) and the 4-Parameter Logistic Model (4PL). Two participants completed the protocol, showing a reduction in distress between the 3rd and 7th sessions. The HL identified cyclical patterns and a declining trend in THI scores, while the 4PL highlighted critical points of improvement. Despite no significant changes in perceived tinnitus loudness, findings suggest that HNMT fosters emotional resilience. Future studies should consider larger samples and psychotherapeutic support.

Abstract in Spanish:

RESUMEN: La formación inicial del Maestro/a de Educación Musical en el Espacio Europeo de Educación Superior en España ha retrocedido en calidad con respecto de la antigua Diplomatura de Maestro/a Especialista. La planificación universitaria de las Menciones de Educación Musical del Grado de Educación Primaria ha generado modelos heterogéneos en su estructura. Esta diversidad se refleja en el Practicum, en las que algunas universidades incluyen como formación específica y otras no. Dada la importancia que tiene el Practicum en la formación del profesorado, este estudio analiza qué titulaciones tienen la materia de Practicum vinculada a la Mención, realizando un estudio de caso en el Practicum de la Mención de música de la USC a través de una metodología documental con un análisis de contenido legislativo nacional y local. Los resultados muestran desigualdad en los títulos sobre su vinculación con la Mención, evidenciando la necesidad de reformar esta asignatura.

Abstract in English:

ABSTRACT: The initial Music Education teachers within the European Higher Education Area in Spain has declined in quality compared to the former Specialist Teacher Diploma. The university planning for Music Education Specializations in Primary Education has generated heterogeneous models in their structure. This diversity is reflected in the Practicum program, where some universities include it as a specific training program while others do not. Given the importance of the Practicum program in teacher training, this study analyzes which degrees have a Practicum subject linked to the Specialization. This study conducts a case study of the Practicum program for the Music Specialization at the University of Barcelona (USC) using a documentary methodology and an analysis of national and local legislative content. The results show inequality among the degrees regarding their connection to the Specialization, highlighting the need to reform this subject.

Abstract in Portuguese:

RESUMO: Esta discussão teórica aprofunda os dados da minha pesquisa de doutorado e introduz novos elementos para refletir sobre o conceito de Salvação Cultural (SC). O texto delineia características centrais da SC identificadas a partir de uma revisão da literatura nas áreas da Educação Musical e das Ciências Sociais. Entre janeiro de 2022 e julho de 2023, realizei trabalho de campo etnográfico no Projeto Social Ilha da Música, localizado na Comunidade África, em Natal, Brasil. Identifico três elementos centrais da SC: o véu metafísico do poder da música, a ordem ritualística e o processo de transformação. Compreender a SC como exercício de poder é essencial para educadores musicais. Essa consciência sustenta uma abordagem crítica e inclusiva da educação musical voltada para crianças e adolescentes em contextos de desigualdade social. O texto conclui levantando questões que buscam reconstruir as práticas musicais no âmbito de projetos sociais, com o objetivo de questionar e superar os fundamentos estruturais da desigualdade presentes na ideia de Salvação Cultural.

Abstract in English:

ABSTRACT: This theoretical discussion deepens the data from my doctoral research and introduces new elements to reflect on the concept of Cultural Salvation (CS). It outlines key characteristics of CS identified through a review of literature in Music Education and the Social Sciences. Between January 2022 and July 2023, I conducted ethnographic fieldwork at Ilha de Música Social Project, located in África Community in Natal, Brasil. I identified three central elements of CS: the metaphysical veil of music’s power, the ritualistic order, and the transformation process. Understanding CS as an exercise of power is essential for music educators. This awareness supports a critical, inclusive approach to music education for children and adolescents living in socially unequal conditions. The text concludes by raising questions that seek to reconstruct musical practices within social projects, aiming to challenge and overcome the structural foundations of inequality embedded in the idea of Cultural Salvation.

Abstract in Spanish:

RESUMEN: Tradicionalmente, la práctica instrumental se ha centrado en la repetición y la optimización técnica, limitando el desarrollo de la autonomía y la comprensión profunda del repertorio. Este artículo propone una nueva narrativa para la práctica instrumental, viéndola no solo como una actividad técnica, sino como un proceso autorregulado, reflexivo y estratégico. Se enfatiza la importancia de la práctica consciente, que integra la técnica con la interpretación crítica y la expresión artística, promoviendo la autonomía progresiva como un objetivo formativo. Además, se subraya el papel esencial del docente como mentor reflexivo, facilitando la motivación, el pensamiento estratégico y la toma de decisiones conscientes, lo que favorece un aprendizaje más profundo y sostenible. Esta narrativa invita a reconsiderar la práctica instrumental como un proceso educativo activo, en el que el estudiante toma decisiones, conecta el aprendizaje con su identidad artística y se involucra en su evolución personal y musical.

Abstract in English:

ABSTRACT: Traditionally, instrumental practice has focused on repetition and technical optimization, limiting the development of autonomy and deep understanding of the repertoire. This article proposes a new narrative for instrumental practice, viewing it not only as a technical activity but as a self-regulated, reflective, and strategic process. It emphasizes the importance of conscious practice, integrating technique with critical interpretation and artistic expression, promoting progressive autonomy as a formative goal. Furthermore, the essential role of the teacher as a reflective mentor is highlighted, facilitating motivation, strategic thinking, and conscious decision-making, which fosters deeper and more sustainable learning. This narrative invites a reconsideration of instrumental practice as an active educational process, where the student makes decisions, connects learning with their artistic identity, and engages in their personal and musical development.

Abstract in Portuguese:

RESUMO: Este artigo tem como objetivo analisar as obras Phantasiestück III (1973) e the storm of the stars will turn to quiet (década de 1990), de Willy Corrêa de Oliveira, mediante análise musical e pesquisa documental. O estudo combina exame das partituras com pesquisa bibliográfica sobre intertextualidade (Kristeva, 1966; Klein, 2005; De Bonis, 2015) e polarização harmônica (Costère, 1973), contextualizando-as com uma breve biografia do compositor e sua relação com o pensamento marxista. Em Phantasiestück III, a análise revela o uso de séries derivadas de Schumann e polarizações em ASCH (Lá-Mib-Dó-Si), culminando em citações diretas na Coda, enquanto the storm of the stars will turn to quiet demonstra diálogos intertextuais com Bach, com a poetisa Marina Tsvetaeva (1892-1941) e o filme Leaving Las Vegas (1995). Os resultados evidenciam como a reescrita musical em Oliveira articula vanguarda e tradição, refletindo sua trajetória estética e política.

Abstract in English:

ABSTRACT: This article analyzes Willy Corrêa de Oliveira’s works Phantasiestück III (1973) and the storm of the stars will turn to quiet (1990s) through musical analysis and documentary research. The study combines an examination of the scores with bibliographical research on intertextuality (Kristeva, 1966; Klein, 2005; De Bonis, 2015) and harmonic polarization (Costère, 1973), contextualizing them with a brief biography of the composer and his relationship with Marxist thought. In Phantasiestück III, the analysis reveals the use of Schumann-derived series and polarizations in ASCH (A-Eb-C-B), culminating in direct quotations in the Coda, while the storm of the stars will turn to quiet demonstrates intertextual dialogues with Bach, with the poet Marina Tsvetaeva (1892-1941), and the film Leaving Las Vegas (1995). The results highlight how Oliveira’s musical rewriting articulates avant-garde and tradition, reflecting his aesthetic and political trajectory.

Abstract in Portuguese:

RESUMO: O presente trabalho é uma tradução para o português brasileiro do artigo de Anette Vande Gorne intitulado “L’interprétation spatiale” publicado na Revue Électronique, Université de Lille-3, França, em 2002. Compositora e professora no Conservatório Real de Música de Mons, Anette é diretora do estúdio Musiques et Recherches (Ohain - Bélgica), e do festival anual “L’Espace du Son” em Bruxelas. Ele se destaca por descrever de forma clara e objetiva a estética envolvida nos processos de espacialização sonora aplicáveis tanto na prática interpretativa ao vivo quanto no processo composicional em estúdio, servindo como importante referência para diversos trabalhos na área.

Abstract in English:

ABSTRACT: This work is a translation into Brazilian Portuguese of an article by Anette Vande Gorne, titled “L’interprétation spatiale” and published in Revue Électronique, Université de Lille-3, France, 2002. Composer and professor at the Royal Conservatory of Music in Mons, Anette is a director of the Musiques et Recherches studio (Ohain - Belgium), and of the annual festival “L’Espace du Son” in Brussels. It stands out for describing in a clear and objective way the aesthetics involved in the processes of sound spatialization applicable both in live performance practice and in the compositional process at the studio, serving as an important reference for several works in the area.