Resumo em Português:

RESUMO Este artigo propõe uma análise comparativa dos diálogos interartísticos em obras selecionadas de literatura para crianças e jovens nas quais se constatam a presença de elementos do surrealismo. Pretende-se instaurar reflexões sobre os diálogos entre palavras e imagens que estruturam as obras Tempo de voo (2016), de Bartolomeu de Campos Queirós, com ilustrações de Alfonso Ruano, Lá dentro tem coisa (2019), de Adriana Falcão e Lole, e As coisas de que não me lembro, sou (2022), escrito por Jacques Fux e ilustrado por Raquel Matsushita. Os três livros apresentam narrativas que constroem experiências literárias que rejeitam o realismo linear em favor de prosa poética espontânea, de fluxo de pensamentos, escrita automática e de movimentos oníricos, que levaram seus ilustradores a produzirem narrativas visuais surrealistas com referências diretas a pintores do movimento. A análise, desenvolvida a partir da escolha de duas ilustrações representativas em cada obra, busca demonstrar como esses livros operam dentro de uma lógica surrealista reformulada, apropriada ao público jovem, e como a articulação entre texto e imagem potencializa a experiência estética, filosófica e simbólica da leitura.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This article proposes a comparative analysis of interartistic dialogues in selected works of literature for children and young people that contain elements of surrealism. The aim is to foster reflections on the dialogues between words and images that structure the works Tempo de voo (2016), by Bartolomeu de Campos Queirós and illustrated by Alfonso Ruano, Lá dentro tem coisa (2019), by Adriana Falcão and Lole, and As coisas de que não me lembro, sou (2022), ritten by Jacques Fux and illustrated by Raquel Matsushita. The three books present narratives that construct literary experiences that reject linear realism in favor of spontaneous poetic prose, a flow of thoughts, automatic writing, and dreamlike movements, which led their illustrators to produce surreal visual narratives with direct references to painters of the movement. The analysis, developed based on the selection of two representative illustrations in each book, seeks to demonstrate how these books operate within a reformulated surrealist logic, appropriate for young audiences, and how the articulation between text and image enhances the aesthetic, philosophical and symbolic experience of reading.

Resumo em Português:

RESUMO O artigo apresenta a questão da collage desde a ótica surrealista do amor (Breton), como trajetória amorosa (Fuão, Barthes), uma expressão filosófica existencial que ultrapassa a mera questão de uma técnica, procedimento e até mesmo de uma representação. Associa-se, aqui, a collage à fenomenologia dos Encontros (Buytendijk) e à ética da Acolhimento/Hospitalidade apresentadas por Emmanuel Levinas e Jacques Derrida. Para tal formulação se apresenta duas figuras centrais: a espera/hospedeiro e a errância/hóspede. Na última parte do artigo apresenta-se a cola como o procedimento metafórico do acolhimento (accueil), a ação de acolher, singular ação da cola, do colar e da collage.

Resumo em Francês:

RÉSUMÉ Cet article aborde la question du collage dans la perspective surréaliste de l'amour (Breton), le collage comme trajectoire amoureuse (Fuão, Barthes), expression philosophique existentielle qui dépasse la simple question de la technique, de la procédure et même de la représentation. Le collage est ici associé à la phénoménologie de la Rencontre (Buytendijk) et à l'éthique de l'Hospitalité/Accueil présentée par Emmanuel Levinas et Jacques Derrida. Cette formulation met en avant deux figures centrales : l'attendant/hôte et l'errant/invité. La dernière partie de l'article présente la colle comme la procédure métaphorique de l'accueil, l'acte d'accueillir, l'action singulière de la colle, du collage et du collage.

Resumo em Português:

RESUMO O artigo pretende refletir sobre o legado do surrealismo na atualidade, por ocasião do centenário da publicação do seu manifesto. A partir da obra de André Breton (1924), e por meio do análises aprofundadas de Pellegrini (1981) e Castiglioni (2000), evidenciam-se os pilares de um movimento voltado para alcançar a liberdade do ser humano. Dá-se ênfase as características-chave como a importância atribuída a poesia, ao universo onírico, a imaginação e ao amor, especialmente na obra de Remedios Varo (1908-1963). A pintora e escritora, conseguio também afirmar-se como artista, sendo mulher. Com o objetivo de demonstrar a curiosidade e a fascinação que o surrealismo continua a despertar na critica contemporânea, são apresentados estudos acadêmicos, obras literárias e exposições que continuam a proliferar, tornando-se testemunhos da energia ainda viva duma mística da revolta.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN El articulo pretende reflexionar sobre la herencia del surrealismo en la actualidad en ocasión del centenario de la publicación de su manifiesto. Partiendo de la obra de André Breton (1924), y guiados por el profundo análisis elaborado por Pellegrini (1981) y Castiglioni (2000), se evidencian los pilares de un movimiento finalizado a lograr la liberación espiritual del ser humano. Se hace hincapié en sus características clave como la importancia otorgada a la poesía, al universo onírico, a la imaginación y al amor, especialmente en la obra de Remedios Varo (1908-1963). La pintora y escritora no solamente abrazó el surrealismo, sino que logró afirmarse con su propia identidad de mujer artista. Con el fin de demostrar la curiosidad y fascinación que el surrealismo continúa generando en la crítica actual, se ilustran estudios académicos, obras literaria y exposiciones que siguen proliferando, convirtiéndose así en testigos de la energía aún viva de una mística de la revuelta.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT The article aims to reflect on the legacy of Surrealism today, on the centenary of the publication of its manifesto. Starting from the work of Andre Breton (1924), and through reference to the in-depth analyses by Pellegrini (1981) and Castiglioni (2000), the foundational pillars of a movement aimed at achieving freedom for the human being are brought to light. Emphasis is places on key characteristics such as the importance attributed to poetry, the dreamlike universe, imagination, and love, especially in the work of Remedios Varo (1908-1963). The painter and writer, also succeeded in asserting herself as a woman artist. To demonstrate the curiosity and fascination that Surrealism continues to generate in contemporary criticism, academic studies, literary works and exhibitions are presented and thus bear witness to the still living energy of a mysticism of revolt.

Resumo em Português:

RESUMO Este artigo especula sobre o surrealismo e a condição da surrealidade dentro da tradição literária latino-americana, partindo do pressuposto de lugar, com base na teoria de Silviano Santiago do entrelugar e seus desdobramentos, como questões de originalidade e autoria na literatura produzida na colônia e a desnecessidade de chancela do colonizador na produção literária desta parte do mundo. O autor latino-americano goza de plena liberdade, inclusive de apropriação de termos e conceitos para a sua produção. Dentro desse parâmetro, iniciamos um percurso com destino aos realismos mágico e fantástico e análise das razões que fazem essa literatura um condutor ideal primeiro para o surrealismo, nas pegadas de Alejo Carpentier, depois o surreal e a surrealidade, desde um pouco antes até do notório boom do realismo fantástico nas letras da América Latina. Ainda como continuação desse percurso, faz-se também uma análise do realismo delirante, literatura em princípio mais ligada aos escritores argentinos, mas que veio se espalhando pela América Latina no decorrer do século XX e início do XXI. Como conclusão, especula-se sobre o lugar de surrealidades que é a América Latina e o tão diferente que esses conceitos viajam entre Europa e o Sul Global.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This article speculates on surrealism and the condition of surreality within the Latin American literary tradition, starting from the assumption of place, based on Silviano Santiago's theory of the entrelugar (in-between) place and its ramifications, such as questions of originality and authorship in the literature produced in the colony and the no need for the colonizer's stamp on literary production in this part of the world. The Latin American author enjoys complete freedom, including the appropriation of terms and concepts for his production. Within this parameter, we begin a journey towards magical and fantastic realism and analyze the reasons that make this literature an ideal conduit first for surrealism, in the footsteps of Alejo Carpentier, then the surreal and surreality, from just before the notorious boom of fantastic realism in Latin American letters. As a continuation of this journey, an analysis is also made of delirious realism, a literature that was initially more closely linked to Argentine writers, but which spread throughout Latin America during the 20th and early 21st centuries. In conclusion, we speculate on the place of surrealities that is Latin America and how differently these concepts travel between Europe and the Global South.

Resumo em Português:

RESUMO Este artigo tem como objetivo propor uma leitura de uma seleção de Sobre los ángeles (1929), livro de poemas do autor espanhol Rafael Alberti. A partir de textos de Michael Lowy, Theodor Adorno e Walter Benjamin, pensaremos o Surrealismo não apenas como um movimento estético, antes como aquilo que Lowy (2018) denomina estado de espírito. A nossa hipótese é de que Sobre los ángeles se configura como um exemplo de “protesto contra a racionalidade limitada”, na contramão de uma sociedade baseada em uma estrutura alienante, ou melhor, enclausurada em um habitáculo ou jaula de aço, como denomina Max Weber (1920). Finalmente, proporemos uma interpretação para três poemas que nos parecem centrais para relacionar o surrealismo a uma das produções incontornáveis do poeta espanhol.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This article proposes a reading of a selection from Sobre los ángeles (1929), a book of poems by Spanish author Rafael Alberti. Based on texts by Michael Lowy, Theodor Adorno, and Walter Benjamin, surrealism will be considered not only as an aesthetic movement but also as what Lowy (2018) calls a state of mind. We hypothesize thatSobre los ángelesis an example of a “protest against limited rationality”, in opposition to a society based on an alienating structure, or rather, one confined in a steel cage, as Max Weber (1920) calls it. Finally, we will propose an interpretation of three poems that seem central to us in relating surrealism to one of the Spanish poet’s essential works.

Resumo em Português:

RESUMO Ao longo da aventura surrealista, Breton admitiu que, além da poesia, as artes plásticas são também capazes de apresentar o homem a si mesmo, na medida em que podem colocar em evidência e desenvolver dois mundos aparentemente opostos - o objetivo e o subjetivo. O nosso intuito é apresentar como a contribuição original do surrealismo para as artes plásticas tomou a forma do objeto. Para tanto, abordaremos, brevemente, o debate ensejado no interior do movimento sobre as artes plásticas para centrar a atenção na questão do objeto surrealista, numa perspectiva que vai além da subversão dos meios tradicionais da pintura e da escultura, que visa, colocar em crise a relação do objeto com sua função utilitária e mercadológica e, ao mesmo tempo, recuperar a capacidade do espírito humano se fundir com o mundo sensível. Perspectiva esta que nos permite mostrar convergências com os objetos do artista brasileiro Arthur Bispo do Rosário, cuja vida exigiu a criação de uma obra ao mesmo tempo encantada e em sintonia com sua época.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT Throughout the surrealist adventure, Breton acknowledged that, beyond poetry, the visual arts are also capable of presenting man to himself, as they can highlight and develop two seemingly opposing worlds − the objective and the subjective. Our aim is to demonstrate how Surrealism's original contribution to the visual arts took the form of the object. To this end, we will briefly address the debate within the movement on the visual arts to focus attention on the question of the Surrealist object, from a perspective that goes beyond the subversion of the traditional media of painting and sculpture, aiming at challenging the relationship of the object with its utilitarian and marketable function and, at the same time, recover the human spirit's capacity to merge with the sensible world. This perspective allows us to demonstrate convergences with the objects of Brazilian artist Arthur Bispo do Rosário, whose life demanded the creation of a work at once enchanting and in tune with its time.

Resumo em Português:

RESUMO Este texto trata da escrita automática de Antonin Artaud entre 1925 e 1947, analisando sua relação ambígua com o movimento surrealista e a maneira como essa prática se transforma ao longo de sua obra. Embora expulso do grupo em 1926, Artaud manteve e aprofundou o automatismo como meio de expressão do inconsciente e do corpo, articulando linguagem, sensações e experiência vital. A análise de poemas como “A múmia amarrada” e “Invocação à múmia” revela uma crítica ao suposto engessamento do surrealismo e a construção de uma “corpo-linguagem” que funde palavra e carne. Para tanto, nosso principal aporte teórico gravita em torno de Artaud, Breton, Derrida, Blanchot, Nadeau e Foucault. Por fim, é importante dizer que, ao longo de sua trajetória, Artaud radicaliza o automatismo, deslocando os limites da linguagem e propondo uma poética em que corpo e inconsciente tornam-se indissociáveis.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This text examines Antonin Artaud's automatic writing between 1925 and 1947, analyzing his ambiguous relationship with the Surrealist movement and how this practice transformed throughout his work. Although expelled from the group in 1926, Artaud maintained and deepened automatism to express the unconscious and the body, articulating language, sensations, and vital experience. The analysis of poems such as "The Bound Mummy" and "Invocation to the Mummy" reveals a critique of the supposed rigidity of Surrealism and the construction of a "body-language" that fuses word and flesh. To this end, our main theoretical contribution revolves around Artaud, Breton, Derrida, Blanchot, Nadeau, and Foucault. Finally, it is important to note that, throughout his career, Artaud radicalized automatism, pushing language boundaries and proposing a poetics in which body and unconscious become inseparable.

Resumo em Português:

RESUMO Este artigo examina alguns elementos das complexas e pouco estudadas relações entre o surrealismo e a arquitetura. A metodologia é bibliográfica. Após uma sintética introdução ao surrealismo, oferecemos um rápido panorama das referidas relações, que organizamos em enfoques diversos: a crítica da arquitetura realmente existente, as atividades dos surrealistas (ou amigos muito próximos dos surrealistas) que eram arquitetos, as leituras poéticas feitas pelos surrealistas de elementos dos espaços urbanos, as arquiteturas que os surrealistas prezaram, das quais gostaram, enfoques que ilustramos com exemplos. Debruçamo-nos então detalhadamente sobre dois inspirados que se destacaram pelas suas práticas arquitetônicas espontâneas - o francês Ferdinand Cheval e seu Palácio Ideal, o brasileiro Gabriel dos Santos e sua Casa da Flor -, colocando-os em paralelo e comparando-os. Finalmente, efetuamos algumas reflexões sobre a proximidade dos mesmos com as valorizações surrealistas.

Resumo em Francês:

RÉSUMÉ Cet article examine certains éléments des relations complexes et peu étudiées entre le surréalisme et l'architecture. Sa méthodologie est bibliographique. Après une très brève introduction au surréalisme, nous proposons un aperçu rapide de ces relations, que nous avons organisées selon des perspectives différentes: la critique de l'architecture existante, les activités des surréalistes (ou des amis très proches des surréalistes) qui étaient architectes, les lectures poétiques faites par les surréalistes d'éléments des espaces urbains, les architectures que les surréalistes ont appréciées, qu'ils ont aimées, axes que nous illustrons par des exemples. Nous nous penchons ensuite attentivement sur deux inspirés qui se sont distingués par leurs pratiques architecturales spontanées - le Français Ferdinand Cheval et son Palais idéal, le Brésilien Gabriel dos Santos et sa maison de la Fleur -, en les mettant en parallèle et en les comparant. Enfin, nous proposons quelques réflexions sur leur proximité avec les valeurs surréalistes.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This article examines some elements of the complex and little-studied relationships between surrealism and architecture. Our methodology is bibliographical. After a brief introduction to surrealism, we offer a quick overview of these relationships, which we organize into different approaches: criticism of existing architecture, the activities of surrealists (or close friends of surrealists) who were architects, the surrealists' poetic interpretations of elements of urban spaces, the architectures that the surrealists valued and liked, approaches that we illustrate with examples. We then focus in detail on two inspired figures who stood out for their spontaneous architectural practices-the Frenchman Ferdinand Cheval and his Ideal Palace, and the Brazilian Gabriel dos Santos and his Flower House-placing them in parallel and comparing them. Finally, we offer some reflections on their proximity to surrealist values.

Resumo em Português:

RESUMO Diante do olhar canônico que, ao reivindicar o privilégio do alto modernismo, costuma exaltar as fases francesa e espanhola de Luis Buñuel e reduzir seu período mexicano a uma etapa menor ou meramente “alimentícia” - salvo exceções como Los olvidados ou El ángel exterminador -, este artigo sustenta, na contracorrente, que foi precisamente no México que o cineasta aragonês conseguiu realizar com maior plenitude os princípios estéticos e políticos do surrealismo. Longe de constituir um parêntese concessivo, essa etapa representa a culminação de uma poética radical, na qual o automatismo onírico e o compromisso revolucionário, enunciados nos dois manifestos surrealistas, colocados agora em contato com o público de massas, encontraram sua síntese mais fecunda.

Resumo em Espanhol:

RESUMEN Frente a la mirada canónica que, reivindicando el privilegio del alto modernismo, suele exaltar las etapas francesa y española de Luis Buñuel y reducir su periodo mexicano a una fase menor o meramente “alimenticia” -salvo excepciones como Los olvidados o El ángel exterminador-, este artículo sostiene, a contracorriente, que fue precisamente en México donde el cineasta aragonés logró realizar con mayor plenitud los principios estéticos y políticos del surrealismo. Lejos de constituir un paréntesis concesivo, esta etapa representa la culminación de una poética radical, en la que el automatismo onírico y el compromiso revolucionario, enunciados en los dos manifiestos surrealistas, puestos ahora en contacto con el público masivo, encontraron su síntesis más fecunda.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT Against the canonical view that, by upholding the privilege of high modernism, tends to exalt the French and Spanish phases of Luis Buñuel’s work while reducing his Mexican period to a minor or merely “subsistence” stage - with exceptions such as Los olvidados or El ángel exterminador - this article argues, counter to that narrative, that it was precisely in Mexico that the Aragonese filmmaker most fully realized the aesthetic and political principles of surrealism. Far from being a concessive parenthesis, this stage represents the culmination of a radical poetics in which oneiric automatism and revolutionary commitment, as set forth in the two surrealist manifestos, found their most fertile synthesis when brought into contact with a mass audience.

Resumo em Português:

RESUMO: Este artigo é uma análise literária da primeira obra da escritora irlandesa, Maeve Brennan: a novela The Visitor, possivelmente escrita na década de 1940 e publicada postumamente, em 1998. Reflete também sobre o diálogo da novela com os contos da autora, e sobre possíveis relações de intertextualidade, como com o romance The Uninvited (1941), de Dorothy Macardle, e com os contos de Dubliners (1914), de James Joyce.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT: This article is a literary analysis of the first work by the Irish writer, Maeve Brennan: the novella The Visitor, possibly written in the 1940s and published posthumously in 1998. The article reflects on the novel's dialogue with the author's short stories. Lastly, the article considers possible relationships of intertextuality, such as with the novel The Uninvited (1941), by Dorothy Macardle, and with the short stories of Dubliners (1914), by James Joyce.

Resumo em Português:

RESUMO Este artigo procura investigar como se constrói, por detrás da linguagem jurídica e jesuítica do narrador de Dom Casmurro, de Machado de Assis, um enredo econômico baseado na ideia fundamental da dívida, do papel-moeda e da moeda falsa. O argumento que se apresenta é que o narrador é, além de advogado e ex-seminarista, também uma espécie de falsário na construção de um enredo baseado no atraso e no calote das dívidas. A base histórica para o tratamento dado por Machado em seu romance parece-nos ser a crise do Encilhamento e o funding loan de 1898, acontecimentos contemporâneos à elaboração do romance.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This article seeks to investigate how, behind the legal and Jesuit language of Dom Casmurro's narrator, an economic plot based on the fundamental idea of debt, paper money and counterfeit currency is constructed. The argument presented is that the narrator is, in addition to being a lawyer and former seminarian, also a kind of forger in constructing a plot based on delays and defaulting on debts. The historical basis for the treatment given by Machado in his novel seems to be the Encilhamento crisis and the funding loan of 1898, events contemporary to the writing of the novel.

Resumo em Português:

RESUMO A correspondência inédita (1953-1984) entre Carlos Drummond de Andrade e seu tradutor sueco Arne Lundgren se caracteriza pelas solicitações constantes do jovem tradutor, o qual pede a Drummond não somente o envio de poemas para as suas traduções, mas também explicações a respeito de alguns textos do poeta. O presente artigo tem como objetivo analisar o diálogo entre eles a respeito da tradução de alguns versos do poeta mineiro. Nesse sentido, as cartas se tornam relevantes por permitir ao leitor ter um contato mais direto com a obra de Drummond, através de definições e esclarecimentos do próprio poeta a respeito de seus textos.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT The unpublished correspondence (1953-1984) between Carlos Drummond de Andrade and his Swedish translator Arne Lundgren is characterized by the young translator’s constant requests, asking Drummond not only to send him texts for his translations, but also for explanations about some of the poet’s verses. This article aims to analyze the dialogue between them regarding the translation of some verses by the poet from Minas Gerais. In this sense, the letters become relevant because they allow the reader to have more direct contact with Drummond’s work, through definitions and clarifications from the poet himself about his texts.

Resumo em Português:

RESUMO Estas considerações abordam a relação entre a estética do feio e a poética do grotesco em Cruz e Sousa sob perspectiva que busca evidenciar a relevância do problema estético do feio para afirmação de uma sensibilidade artística distinta dos postulados clássicos. Confere-se atenção à considerável convergência entre o conceito de feio e o grotesco, categoria que, em sua modalidade moderna, é aqui tratada como a manifestação do que convencionamos chamar de “feio absoluto”. O tratamento do grotesco como feio absoluto é oportuno à investigação das composições imagéticas de alguns poemas de Cruz e Sousa que associam as formas do grotesco à dicção sugestiva da poesia simbolista, gerando imagens ostensivas, porém livres de referencialidade imediata ou dotadas de referencialidade oblíqua. Por colocar a referencialidade em crise e levar à transfiguração da linguagem regular, o grotesco surge como traço distintivo da modernidade de Cruz e Sousa e importante alicerce de seu programa poético.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT These considerations address the relationship between the aesthetics of ugliness and the poetics of the grotesque in Cruz e Sousa from a perspective that seeks to highlight the relevance of the aesthetic problem of ugliness for the affirmation of an artistic sensibility distinct from classical postulates. Attention is given to the considerable convergence between the concepts of the ugliness and the grotesque, a category that, in its modern form, is treated here as the manifestation of what we conventionally call “absolute ugliness.” The treatment of the grotesque as absolute ugliness is opportune for investigating the imagistic compositions of certain poems by Cruz e Sousa, which associate grotesque forms with the suggestive diction of Symbolist poetry, generating striking images that are either free from immediate referentiality or imbued with oblique referentiality. By placing referentiality in crisis and leading to the transfiguration of regular language, the grotesque emerges as a distinctive feature of Cruz e Sousa's modernity and an important foundation of his poetic program.

Resumo em Português:

RESUMO O objetivo deste artigo é apontar, a partir dos pressupostos da Literatura Comparada, a presença da imortal obra Dom Quixote de La Mancha, do escritor espanhol Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616), no filme Febre do rato (2012), do diretor pernambucano Cláudio Assis, com roteiro de Hilton Lacerda. Longe de se tratar de uma adaptação, o filme é marcado por uma notável intertextualidade com a obra cervantina. Em nosso modo de ver, o movimento intertextual se dá, principalmente, em dois âmbitos: personagens e procedimentos literários/fílmicos. Pretendemos estabelecer as relações entre os “pares” Zizo e Dom Quixote, Pazinho e Sancho Pança, Eneida e Dulcineia. Os procedimentos literários/fílmicos, ao quais nos referimos, podemos chamar de “a história dentro da história” e a “convocação do leitor/espectador”, respectivamente.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT The objective of this article is to show, based on the assumptions of Comparative Literature, the presence of the immortal book Don Quixote de La Mancha, by the Spanish writer Miguel de Cervantes (1547-1616), in the film Febre do rato (2012), by Pernambuco-born director Cláudio Assis, with a screenplay by Hilton Lacerda. Far from being an adaptation, the film is marked by a notable intertextuality with Cervantes' work. In our view, the intertextual movement occurs primarily in two spheres: characters and literary/filmic procedures. We intend to establish the relationships between the "pairs" Zizo and Don Quixote, Pazinho and Sancho Panza, Eneida and Dulcinea. The literary/filmic procedures to which we refer can be called "the story within the story" and "the calling of the reader/viewer," respectively.

Resumo em Português:

RESUMO Neste artigo abordamos o romance-folhetim Ouro sobre azul (1874), de Visconde de Taunay (1843-1899). Tendo por mote a condição feminina à época e a representação da mulher na literatura, traremos à baila o perfil de Laura, a protagonista que reverberava certo desajuste em relação ao papel social conjugado às mulheres brasileiras de então. Isto posto, em cena contundente, Laura apresenta-se como uma leitora inveterada dos escritos de George Sand (1804-1876), ou, do título Césarine Dietrich (1872), em específico. E, a partir do escrutínio de tal jogo metaficcional, cogitamos a hipótese de que Taunay, advindo de família francesa intelectualizada, pudesse mediar uma relação cultural entre Brasil e França pautada por uma verve potencialmente afrontosa ao status quo de uma experiência de gênero tida por resignada e/ou subjugada.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This article analyzes the novel Ouro sobre azul (1874), by Visconde de Taunay (1843-1899), focusing on the representation of women in literature and the condition of women in the period. I examine the character of Laura, the protagonist, who reflects a certain resistance to the social role prescribed for Brazilian women at the time. In a striking scene, Laura emerges as an inveterate reader of George Sand’s (1804-1876) writings, particularly the novel Césarine Dietrich (1872). By exploring this metafictional element, I propose that Taunay, with his intellectualized French background, could be mediating a cultural exchange between Brazil and France. This approach potentially challenges the traditional, submissive gender roles of the period.

Resumo em Português:

RESUMO A obra mais conhecida de Carolina Nabuco (1890-1981) é o romance A sucessora (1934), publicado no ciclo do Romance de 30. O título, bem recebido pela crítica, ficou efetivamente famoso devido ao suposto plágio pela inglesa Daphne du Maurier. Esse episódio acabou obliterando a variada produção de Nabuco, ao menos na historiografia literária mais recente. Pouco se tem falado de suas outras obras (ficção, biografias, ensaios), entre as quais está a colaboração em periódicos, especialmente os da imprensa, que é o objeto deste artigo. Um levantamento na Hemeroteca Digital da Biblioteca Nacional e em outras bases, circunscrito a três estados brasileiros e aos anos 1930, encontrou 33 textos de Nabuco em jornais, revistas, boletins e anuários. O presente artigo apresenta os métodos e resultados do levantamento e discorre sobre os textos encontrados. Uma breve análise desses textos, por ora não aprofundada, mostra a recorrência de alguns temas: a relação entre maturidade literária e formação nacional, a Abolição, e a visão do Brasil como país do futuro.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT Carolina Nabuco’s (1890-1981) best-known work is the novel A sucessora (1934), published in the cycle of the “Romance de 1930”. The title, well received by critics, became effectively famous due to alleged plagiarism by the English writer Daphne du Maurier. This episode ended up obliterating Nabuco’s varied output, at least in more recent literary historiography. Little has been said about her other writings (fiction, biographies, essays), among which is her collaboration in periodicals, especially those of the press, which is the subject of this article. A search in the Hemeroteca Digital of Biblioteca Nacional and in other databases, circumscribed to three Brazilian states and the 1930s, found 33 texts by Nabuco in newspapers, magazines, bulletins and annuals. This article presents the methods and results of the survey and discusses the texts found. A brief analysis of these texts, which for the moment is not in-depth, shows the recurrence of certain themes: the relationship between literary maturity and national formation, Abolition, and the vision of Brazil as the country of the future.

Resumo em Português:

RESUMO A nudez e o desnudamento são aspectos da criação literária de Nelson Rodrigues que estão associados, respectivamente, a duas personas públicas que ele cultivou como artista, a do “reacionário” e a do “tarado de suspensórios”. Também se ligam ao arcaico e ao moderno, forças que estão em tensão permanente em suas obras, tensão essa que jamais se resolve. Este artigo analisa como esses dois aspectos encontram expressão na obra do escritor. Analisam-se textos escritos em diversos gêneros explorados por Nelson Rodrigues, traçando-se também um panorama da relação das sociedades ocidentais com a nudez e examinando como ele pratica o desnudamento de seus personagens, de seu público e de si mesmo como estratégia literária.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT Nakedness and denudation are aspects of Nelson Rodrigues’s literary creation associated, respectively, with two public personas he cultivated throughout his career as an artist: the “reactionary writer” and the “pervert artist in suspenders”. They are also linked to archaic and modern forces that are in permanent tension in his works, without ever being resolved. This article analyzes how these two aspects find expression in author’s work. It analyzes texts written in various genres explored by him. Moreover, it outlines the relationship between Western societies and nakedness, as well as investigates how Rodrigues carries out a denudation of his characters, his audience and himself as a literary strategy.

Resumo em Português:

RESUMO O presente trabalho, parte de uma pesquisa ainda em andamento, busca elaborar uma leitura do poema A lágrima de um Caeté (1849), de Nísia Floresta, (re)inserindo-o no contexto do indianismo brasileiro do século XIX, movimento em que a autoria feminina é tradicionalmente excluída pela historiografia literária hegemônica. A construção do poema, que aborda tanto o destino do indígena quanto o movimento insurrecional da Praieira ocorrido em Pernambuco no século XIX, aponta para as disputas políticas, revelando não apenas a afinidade de Nísia Floresta com os princípios liberais em detrimento dos conservadores, mas também seu envolvimento nos debates públicos reservados majoritariamente às figuras masculinas do cenário político nacional. Para além da evidente correlação com o episódio da Praieira explícito no poema nisiano, o trabalho apresenta material de arquivo que revela a produção e publicação de textos de teor liberal em periódicos da época assinados por um “Caheté”. A partir deste, propomos atravessamentos entre a figura pioneira da escritora, enquanto mulher intelectual pública, e sua personagem, o indígena Caeté.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT The present work is part of an ongoing research that reads the poem A lágrima de um Caeté (1849), by Nísia Floresta, (re)inserting in the context of Brazilian Indianism in the 19th century, a literary movement from which female authorship is usually excluded by hegemonic literary historiography. The construction of the poem takes into consideration both the indigenous fate and the Praieira insurrection that took place in Pernambuco in the 19th century. It points to the political disputes of that time and reveals not only Nísia Floresta’s affinity with the liberal principles against the conservative ones, but also her knowledge of the public debates mostly reserved for male characters on the national political scene. In addition to the evident part taken by the Praieira episode, which is very explicit on Nisia’s poem, this analysis presents archive material that reveals the writing of texts with liberal content published in periodicals of the time signed by a “Caheté”. It allows us to explore the relations that can be established between the woman writer as a public intellectual and her character, the indigenous Caeté.

Resumo em Português:

RESUMO Considerando a provocação borgiana de que cada autor cria o seu precursor, este ensaio busca traçar a leitura que Fernando Pessoa teria feito de Um sopro de vida, obra póstuma de Clarice Lispector, no que toca a uma poética de afinidades eletivas. Conduzindo essa especulação às últimas consequências, trabalha-se a ideia de Ângela Pralini como heterônima de Alberto Caeiro, na medida em que a personagem clariceana aprende com o mestre pessoano a importância da sensação, superando-o em direção ao impensável. Para tal leitura, recorre-se a comentadores da obra de Pessoa e de Clarice, além de pensadores como Jacques Lacan, de modo a sustentar tais afinidades entre os projetos estético e político dos autores.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT Considering Borges’ provocation that each author creates his precursor, this essay seeks to trace the reading that Fernando Pessoa would have made of Um sopro de vida, a posthumous work by Clarice Lispector, in terms of a poetics of elective affinities. Taking this speculation to its ultimate consequences, we work on the idea of ​​Ângela Pralini as Alberto Caeiro's heteronym, as the Claricean character learns from Pessoa's master the importance of sensation, overcoming him towards the unthinkable. For this reading, we turn to critics on the work of Pessoa and Clarice, as well as thinkers such as Jacques Lacan, to support such affinities between the aesthetic and political projects of the authors.

Resumo em Português:

RESUMO O artigo analisa, a partir da obra O castelo, de Franz Kafka, um traço em comum entre os personagens kafkianos, a saber, a facilidade com que se desviam de seus propósitos centrais, desvirtuados por acontecimentos ou situações menos relevantes ou até insignificantes. Para isso, emprega-se a Teoria Mimética de René Girard como referencial de análise, com base, principalmente, nas obras Mentira romântica e verdade romanesca, de 1961, e Coisas ocultas desde a fundação do mundo, de 1978. São mobilizadas as noções de mediação, skandalon e desejo metafísico a fim de lançar luz sobre o mecanismo de funcionamento do desejo do protagonista de O castelo, o agrimensor K., com o objetivo de propor uma hipótese explicativa acerca da “desmedida” que o acomete, lançando-o a empreendimentos fracassados. Alguma crítica literária especializada sobre Kafka também foi mobilizada neste trabalho, em especial Modesto Carone e Erich Heller e, mais pontualmente, Harold Bloom e Vilém Flusser.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT The article analyzes, based on Franz Kafka's The Castle, a trait also present in other Kafkaesque characters, namely, the ease which they stray from their central purposes, diverted by events or situations that are less relevant or even insignificant. To this goal, René Girard's Mimetic Theory is used as the analytical framework, primarily based on his works Mensonge romantique et vérité romanesque (1961) and Things Hidden Since the Foundation of the World (1978). The notions of mediation, skandalon, and metaphysical desire are mobilized to shed light on the functioning of the desire of the protagonist of The Castle, the land surveyor K., with the aim of proposing an explanatory hypothesis regarding the “excess” that afflicts him, leading him to failed endeavors. Specialized literary criticism on Kafka was also drawn upon in this work, particularly that of Modesto Carone and Erich Heller, and more briefly, Harold Bloom and Vilém Flusser.

Resumo em Português:

RESUMO Este artigo pauta a viabilidade da aproximação entre a leitura integrativa de Antonio Candido e a crítica dialógica do Círculo de Bakhtin como procedimentos simultâneos de análise literária. Para isso, discute as singularidades de cada mirada crítica e os pontos relacionais que permitem articular as propostas concomitantemente, destacando a introdução do entendimento de ordem sócio-histórica nas duas concepções. As conclusões teórico-metodológicas obtidas desse diálogo - do qual resulta a expectativa de enriquecimento de uma dada leitura analítica a partir da compreensão da obra literária ora como estrutura, ora como enunciado - são aplicadas a uma breve discussão de O ano da morte de Ricardo Reis, de José Saramago, em que se observa, pela somatória de conclusões diversas e complementares acerca do romance, um cenário favorável ao encontro defendido.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This study proposes the viability of articulating Antonio Candido’s integrative analysis and Bakhtin Circle’s dialogical method as simultaneous procedures for literary criticism. To obtain such intent, the singularities and the relational traits that authorise the concurrent articulation of both proposals are discussed, highlighting the introduction of social and historical factors within the fictional work by both understandings. The theorical and methodological conclusions derived from that dialogue - from which results the enrichment of the analytical readings by the application of concepts such as structure and utterance - are applied to a brief discussion of The Year of the Death of Ricardo Reis, by José Saramago, source from which it was observed, as a consequence of adjoining different and complementary conclusions about the novel, a favourable scenery to the defended encounter.

Resumo em Português:

RESUMO O romance brasileiro contemporâneo Noite dentro da noite: uma autobiografia, de Joca Reiners Terron, é lido segundo o desvio que estabelece em relação à voga autoficcional do realismo literário corrente no país. Sua fuga, através de entrecho pleno de fantasias inverossímeis, é caracterizada como bovarista, posto que o herói é leitor voraz de relatos de guerra e diários de viagem. No entanto desvendaremos que o bovarismo é sobretudo autoral, com uma influência literária que age tanto no conteúdo quanto na forma do romance analisado: o autor norte-americano Thomas Pynchon, junto a seu clássico dos anos 1970, O arco-íris da gravidade.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT The contemporary Brazilian novel Noite dentro da noite: uma autobiografia, by Joca Reiners Terron, is analyzed in light of its departure from the current autofictional trend of literary realism in the country. Its escape, through a plot filled with implausible fantasies, is characterized as bovaristic, since the protagonist is a voracious reader of war stories and travel diaries. However, we come to understand that this bovarism is, above all, authorial - stemming from a literary influence that shapes both the content and the form of the novel: the American author Thomas Pynchon and his 1970s classic, Gravity's Rainbow.

Resumo em Português:

RESUMO: Este artigo analisa o estado atual da literatura comparada no Irão, uma disciplina introduzida há quase um século, mas que nunca obteve um departamento independente em nenhuma universidade. Explora diversos fatores que contribuíram para essa situação, incluindo questões sociais e políticas, a predominância dos departamentos de literatura nacional, o desenvolvimento curricular e, de forma mais crítica, as tendências nacionalistas extremas incorporadas em todos esses aspetos. O estudo também analisa a situação das humanidades iranianas antes e depois da Revolução de 1979, considerando os contextos históricos e políticos relevantes para os estudos literários comparados. Apesar dos esforços de numerosos académicos ao longo das últimas décadas, a academia iraniana ainda não reconheceu a autonomia da literatura comparada devido à sua natureza interdisciplinar e transnacional, que desafia os enquadramentos literários nacionais.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT: This article examines the current state of comparative literature in Iran, a discipline introduced nearly a century ago but never granted an independent department at any university. It explores various factors contributing to this situation, including social and political issues, the dominance of national literature departments, curriculum development, and, most critically, extreme nationalistic tendencies embedded in all these aspects. The study also analyzes the condition of Iranian humanities before and after the 1979 revolution, considering historical and political contexts relevant to comparative literary studies. Despite the efforts of many scholars over the past decades, Iranian academia has yet to acknowledge the autonomy of comparative literature due to its interdisciplinary and transnational nature, which challenges national literary frameworks.

Resumo em Português:

RESUMO Este artigo propõe uma leitura comparada de As Ruínas (2007), de Scott Smith, e Invasores de corpos (1955 [2020]), de Jack Finney, à luz do conceito de eco-horror vegetal tentacular, com base nas seis teses propostas por Dawn Keetley (2016). A análise parte do entendimento de que o horror ecológico não se limita à representação de catástrofes ambientais, mas configura uma estética que desestabiliza categorias ontológicas da modernidade, como sujeito, linguagem, tempo e agência. Nessas narrativas, a flora deixa de ocupar o papel passivo de cenário para tornar-se força ativa, consciente e indiferente ao humano. Em As Ruínas (2007), a planta devora corpos, simula sons e rompe com os sistemas de sentido dos personagens; em Invasores de corpos (1955), cápsulas vegetais substituem humanos por duplicatas destituídas de afeto. O horror, em ambos os casos, não é o da destruição súbita, mas da dissolução progressiva da subjetividade, da inteligibilidade e da confiança nos sentidos. O artigo demonstra como essas obras incorporam formalmente a instabilidade ontológica do Antropoceno, recusando explicações reconfortantes e encerramentos tradicionais. Ao perturbar as fronteiras entre humano e vegetal, entre sujeito e ambiente, tais ficções operam uma crítica radical à gramática antropocêntrica que sustenta a narrativa ocidental moderna. Assim, o eco-horror vegetal tentacular se revela não apenas como representação da crise ecológica, mas como operador estético que traduz o colapso simbólico de um mundo centrado no humano - e a possibilidade de imaginar outras formas de existência narrativa e sensível para além dele.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This article proposes a comparative reading of The Ruins (2007), by Scott Smith, and The Body Snatchers (1955), by Jack Finney, through the lens of the concept of tentacular vegetal eco-horror, based on the six theses proposed by Dawn Keetley (2016). The analysis starts from the premise that ecological horror is not limited to the depiction of environmental catastrophes but rather constitutes an aesthetic that destabilizes key ontological categories of modernity, such as subject, language, time, and agency. In these narratives, flora ceases to play a passive background role and becomes an active, conscious, and human-indifferent force. In The Ruins (2007), the plant devours bodies, imitates sounds, and disrupts the characters' systems of meaning; in The Body Snatchers (1955 [2020]), vegetal pods replace humans with emotionless duplicates. In both cases, horror lies not in sudden destruction, but in the gradual dissolution of subjectivity, intelligibility, and sensory trust. The article shows how these works formally embody the ontological instability of the Anthropocene, rejecting comforting explanations and traditional narrative closures. By unsettling the boundaries between human and vegetal, subject and environment, these fictions enact a radical critique of the anthropocentric grammar underlying modern Western storytelling. Thus, tentacular vegetal eco-horror emerges not only as a representation of ecological crisis, but as an aesthetic operator that translates the symbolic collapse of a human-centered world - and the possibility of imagining alternative modes of narrative and sensory existence beyond it.

Resumo em Português:

RESUMO Não há regras para se ensinar literatura, pois se trata de lidar com uma linguagem especial que deve ser conhecida por experiência. Ainda que, como matéria escolar, ela exija organização disciplinar, com objetivos e métodos claramente definidos, como objeto estético vai além do mero conteúdo programático e proporciona conhecimentos que transcendem os limites pedagógicos. Por isso, seu ensino depende, fundamentalmente, da atuação do professor na sala de aula, ambiente privilegiado para a educação literária. É na aula que se pode mostrar como funciona a literatura, por meio da leitura e da análise de obras. Para desenvolver essa perspectiva, vai-se recorrer a autores que suscitam reflexões sobre a especificidade do conteúdo de uma aula de literatura, que mais do que fornecer respostas desperta desejos.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT There are not rules for teaching literature, since one has to deal with a special language which must be known by experience. Although, as a school discipline, it demands disciplinary organization, with aims and methods clearly defined, as esthetic object it goes beyond the mere syllabus and provides findings which go beyond pedagogical limits. Therefore, its teaching depends, fundamentally, on the teachers’ action in classroom, a privileged environment for literary education. It is in the class that one may show how literature works, by means of the reading and the analysis of literary works. To develop such a perspective, one will resort to authors who bring up reflections on the content specificity of a literature lesson, which more than providing answers, arouses desires.

Resumo em Francês:

RÉSUMÉ Il est des images dont la puissance d’évocation attise instinctivement l’esprit et le pousse d’emblée à spéculer. Le conflit entre Arachné et Athéna et la métamorphose de la mortelle qui s’en suit, appartient, à bien des égards, à cette catégorie. Le présent texte se propose d’aller à la rencontre de ce conflit primordial pour analyser l’œuvre de Clarice Lispector sous l’angle d’un affrontement féminin qui inaugurerait une « communauté des femmes » autour de l’acte de création littéraire. La lutte entre la déesse et la Lydienne constitue ainsi un « miroir » de la bataille intense que les créatrices doivent mener pour aller au bout de leur œuvre, de leur texte.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT There are images whose evocative power instinctively stirs the mind and immediately provokes it to speculate. The conflict between Arachne and Athena and the mortal's metamorphosis which follows, falls, in many respects, into this category. The present text goes to meet this primordial conflict to analyze the work of Clarice Lispector from the perspective of a feminine confrontation which would inaugurate a “community of women” around literary creation. The struggle between the goddess and the Lydian is a “mirror” of the lively battle that creators must wage to achieve their work, their text.

Resumo em Português:

RESUMO A partir da proposição de José Miguel Wisnik sobre a canção popular como uma forma de pensar o mundo, portanto um tipo de “gaia ciência”, na expressão originalmente criada por Nietzsche, este trabalho pretende analisar a canção “Borzeguim”, de Antonio Carlos Jobim, para compreender suas potencialidades para o desenvolvimento da sensibilidade ecológica. Para referencial teórico, utilizam-se os conceitos de José Miguel Wisnik, como a ideia da canção popular como meio de reflexão sobre o mundo, e de Luiz Tatit, com sua proposta semiótica de leitura da canção, bem como as contribuições de críticos da obra de Jobim, como o estudioso André Rocha L. Haudenschild. A tese principal aqui defendida é a de que há, na canção de Jobim, pontos de conexão com a poesia concreta, com os ritmos indígenas brasileiros (por inspiração na obra de Heitor Villa-Lobos) e com elementos da cultura popular (mitologia indígena e profecia sertaneja) que intensificam sua potência para o despertamento da consciência ambiental. Borzeguim é o jeito jobiniano de pensar o mundo com as lentes da imaginação, é alerta e lamento para estes tempos de crise ambiental.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT Based on José Miguel Wisnik's proposition that popular song is a way of thinking about the world, and therefore a kind of “Gay Science”, to use the term originally coined by Nietzsche, this paper aims to analyse the song “Borzeguim” by Antonio Carlos Jobim to understand its potential for developing ecological sensitivity. As theoretical framework, I will use the proposals of José Miguel Wisnik and Luiz Tatit, as well as the contributions of critics of Jobim's work, such as the academic André Rocha L. Haudenschild. The main thesis I'm trying to defend is that Jobim's songs have points of contact with concrete poetry, with indigenous Brazilian rhythms (inspired by the work of the master Villa-Lobos) and with elements of popular culture (indigenous mythology and sertaneja prophecy) that intensify its power to awaken environmental awareness. Borzeguim is the Jobinian way of thinking about the world through the lens of the imagination. It's a warning and a lament for these times of environmental crisis.

Resumo em Português:

RESUMO O objetivo deste artigo é a promoção de um debate sobre movimentos de (des)colonização na comparação de discursos literários que tematizam o herói mapuche Lautaro. Recortando o contexto chileno contemporâneo, examinamos, de modo comparado, dois poemas da escritora e dirigente mapuche María Teresa Panchillo recuperando seus diálogos interdiscursivos com La Araucana e Mariluán que constituem obras do cânone literário. Para tanto, mobilizamos, enquanto dispositivo teórico-metodológico, a análise de discurso materialista, focalizando a noção de colonização linguística (Mariani, 2004). Nossa análise desvela que no tocante à figuração de Lautaro, a poética de Panchillo ao ensejar um diálogo com a cosmogonia ancestral realiza gestos de descolonização entendidos como gestos contrapedagógicos (Segato, 2018) na medida em que reapropriam e ressignificam a memória colonial e canônica que historicamente estereotipa e idealiza personagens indígenas.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT The aim of this article is to promote a debate on (de)colonization movements by comparing literary discourses that address the Mapuche hero Lautaro. Focusing on the contemporary Chilean context, we comparatively examine two poems by the Mapuche writer and leader María Teresa Panchillo, recovering their interdiscursive dialogues with La Araucana and Mariluán, which constitute works of the literary canon. To this end, we mobilize, as a theoretical-methodological device, materialist discourse analysis, focusing on the notion of linguistic colonization (Mariani, 2004). Our analysis reveals that, with regard to Lautaro's figuration, Panchillo's poetics, by enabling a dialogue with ancestral cosmogony, performs gestures of decolonization understood as counterpedagogical gestures (Segato, 2018) to the extent that they reappropriate and resignify the colonial and canonical memory that historically stereotypes and idealizes indigenous characters.

Resumo em Português:

RESUMO Este artigo examina como a terra funciona simultaneamente como um espaço de opressão e resistência na Irlanda sob domínio britânico e no Brasil pós-colonial. A partir de uma análise comparativa de Famine (1937), de Liam O’Flaherty, e Torto arado (2019, traduzido para o inglês em 2023), de Itamar Vieira Júnior, este estudo investiga como a expropriação da terra, a exploração do trabalho e as crises ambientais e humanitárias moldam experiências coloniais e pós-coloniais. Embora reconheça as diferenças históricas e raciais entre esses contextos, o artigo destaca mecanismos comuns de controle da terra e do trabalho que perpetuam desigualdades sistêmicas. Dialogando com teorias pós-coloniais e decoloniais, a análise revela como a literatura representa a terra tanto como um espaço de sofrimento quanto como um lugar de resistência, memória e identidade. O artigo conclui que a resistência em ambos os romances é multifacetada, manifestando-se por meio de atos de desafio, embate cultural e novas formas de relação com a terra.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This article examines how land functions as both a site of oppression and resistance in British-ruled Ireland and postcolonial Brazil. Through a comparative analysis of Famine (1937) by Liam O’Flaherty and Crooked Plow (2019, translated 2023) by Itamar Vieira Júnior, this study explores how land dispossession, labor exploitation, and environmental and humanitarian crises shape colonial and postcolonial experiences. While acknowledging the historical and racial differences between these contexts, the article highlights shared mechanisms of control over land and labor that perpetuate systemic inequalities. By engaging with postcolonial and decolonial thought, the analysis reveals how literature represents land as both a space of suffering and a site of resistance, memory, and identity. The article concludes that resistance in both novels is multilayered, emerging through acts of defiance, cultural struggle, and reimagined relationships with the land.

Resumo em Português:

RESUMO Este artigo tem como objetivo mostrar e comparar as leituras de Roland Barthes das críticas Susan Sontag, nos Estados Unidos, Leyla Perrone-Moisés, no Brasil e Beatriz Sarlo, na Argentina. Para isso, começamos com algumas observações relativas à circulação internacional da crítica literária e depois, tentamos descrever de forma panorâmica a produção de cada uma das três críticas relativas às leituras de Barthes, destacando os textos que elas escreveram logo após a morte de Barthes, em 1980: “Recordando Barthes”, de Sontag, “Relembrando Barthes, sem autópsias acadêmicas”, de Perrone-Moisés e “Roland Barthes, uma biografia impossível”, de Sarlo. No final, também discutimos o impacto das leituras dessas críticas na obra do próprio Roland Barthes, a partir do estudo do seu arquivo, na Biblioteca Nacional da França.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This article aims to present and compare the readings of Roland Barthes by three critics: Susan Sontag in the United States, Leyla Perrone-Moisés in Brazil, and Beatriz Sarlo in Argentina. To this end, we begin with some observations on the international circulation of literary criticism and then offer an overview of each critic’s engagement with Barthes, highlighting the texts they wrote shortly after his death in 1980: Sontag’s “Remembering Barthes”, Perrone-Moisés’s “Remembering Barthes, Without Academic Autopsies”, and Sarlo’s “Roland Barthes: An Impossible Biography”. Finally, we discuss the impact of these readings on Barthes’s own work, drawing on research in his archive at the Bibliothèque Nationale de France.

Resumo em Português:

RESUMO O trabalho almeja investigar a figura do cantor presente no filme Orfeu negro (1959), de Marcel Camus, no filme Orfeu (1999), de Cacá Diegues - ambos baseados na peça Orfeu da Conceição, de Vinicius de Moraes -, e aproximá-los da imagem diferente do Orfeu presente no documentário AmarElo: É tudo pra ontem, do rapper Emicida. Tomando como base noções de “comunidade”, “sobrevivência” e “literatura e outras artes”, almejamos contribuir para o debate relativo à resistência e à inventividade negra brasileira. Emicida traz para a cena moradores de espaços periféricos e personagens que tiveram e têm lugar importante na luta por direitos de minorias no país. Mediações culturais, tonalidade lírica e perspectiva sociopolítica fazem-se presentes nas três obras que contribuem para a elaboração deste ensaio.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT This work aims to investigate the figure of the singer featured in Marcel Camus's film “Black Orpheus” (1959) and Cacá Diegues's film “Orpheus” (1999)-both based on Vinicius de Moraes's play “Orfeu da Conceição”-and to compare them to the distinct image of Orpheus featured in the documentary “AmarElo: É tudo pra ontem” (AmarElo: It's All for Yesterday), by rapper Emicida. Drawing on notions of “community,” “survival,” and “literature and other arts,” we aim to contribute to the debate on Black Brazilian resistance and inventiveness. Emicida brings to the forefront residents of peripheral areas and characters who have had and continue to play an important role in the struggle for minority rights in Brazil. Cultural mediations, lyrical tone, and sociopolitical perspective are present in the three works that contribute to this essay.

Resumo em Português:

RESUMO Neste artigo, analiso The underground railroad: os caminhos para a liberdade (2017), de Colson Whitehead, a partir das novas narrativas de escravizados, um gênero que revisita a escravidão nos EUA sob uma perspectiva contemporânea. Exploro como Whitehead transforma a Ferrovia Subterrânea em um sistema de metrô literal para criticar o legado do racismo e da escravidão. Apoio-me em teóricos como Bernard Bell, Ashraf Rushdy e Toni Morrison para discutir intertextualidade, revisionismo histórico e ficção especulativa, destacando a representação da eugenia. Concluo que o romance denuncia injustiças passadas e alerta para a persistência do racismo sistêmico.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT In this article, I analyze The underground railroad: os caminhos para a liberdade (2017) by Colson Whitehead within the framework of neo-slave narratives, a genre that revisits the history of slavery in the U.S. from a contemporary perspective. I explore how Whitehead reimagines the Underground Railroad as a literal subway system to critique the legacy of racism and slavery. Drawing on theorists such as Bernard Bell, Ashraf Rushdy, and Toni Morrison, I discuss intertextuality, historical revisionism, and speculative fiction, highlighting the representation of eugenics. I conclude that the novel both denounces past injustices and warns of the persistence of systemic racism.

Resumo em Português:

RESUMO O objetivo foi realizar análise histórico-literária de Os Sertões, de Euclides da Cunha, procurando-se compreender os significados do conceito de fome e como o autor relatou aspectos do ambiente alimentar, dos hábitos e práticas alimentares. A análise fundamentou-se em referencial teórico-conceitual do campo da Nutrição, complementada por revisão bibliográfica. Foram observadas quatro percepções da fome: fome como penitência religiosa, fome biológica, fome como instrumento de luta ou resistência e fome epidêmica (conjuntural). A percepção biológica da fome como problema sofrido pelas tropas militares que dizimaram a população de Canudos revelou-se hegemônica. As narrativas da fome relativas ao beato Antônio Conselheiro e seguidores foram reportadas com preconceito religioso, racial, ideológico, regional ou cultural. A fome como ato de penitência praticada pelos fiéis foi narrada com sátira. A fome não foi percebida como um fenômeno social e historicamente produzido pela guerra do Exército Brasileiro contra o povo de Canudos.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT The objective was to conduct a historical-literary analysis of Os Sertões by Euclides da Cunha, seeking to understand the meanings of the concept of hunger and how the author reported aspects of the food environment, eating habits and practices. The analysis was based on a theoretical-conceptual framework from the field of Nutrition, complemented by a bibliographic review. Four perceptions of hunger were observed: hunger as religious penance, biological hunger, hunger as an instrument of struggle or resistance, and epidemic (conjunctural) hunger. The biological perception of hunger as a problem suffered by the military troops that decimated the population of Canudos proved to be hegemonic. The narratives of hunger related to Blessed Antônio Conselheiro and his followers were reported with religious, racial, ideological, regional or cultural prejudice. Hunger as an act of penance practiced by the faithful was narrated with satire. Hunger was not perceived as a social and historical phenomenon produced by the war of the Brazilian Army against the people of Canudos.

Resumo em Português:

RESUMO Neste artigo, examinamos a antropofagia como matriz de interpretação da cultura brasileira, desde o imaginário colonial até a ressignificação modernista de Oswald de Andrade, destacando seus desdobramentos na obra de Hélio Oiticica. Concentramos a análise na tríade de parangolés que inscrevem os enunciados “Da adversidade vivemos”, “Incorporo a revolta” e “Estou possuído”, articulando-os à noção de corpo selvagem como saber encarnado, manifesto na ginga, na incorporação e na possessão. Exploramos a performatividade dos parangolés no contexto da contracultura e da Ditadura Militar e concluímos que, apesar das tensões entre invenção coletiva e circulação institucional, os parangolés reativam a antropofagia como estratégia descolonizadora e afirmam uma contra-história da arte brasileira, centrada na potência do corpo selvagem e marginal.

Resumo em Inglês:

ABSTRACT In this article, we examine anthropophagy as a matrix for interpreting Brazilian culture, from the colonial imaginary to the modernist re-signification proposed by Oswald de Andrade, highlighting its ramifications in the work of Hélio Oiticica. We focus our analysis on the triad of parangolés that inscribe the statements “Da adversidade vivemos” [From adversity we live], “Incorporo a revolta” [I embody revolt], and “Estou possuído” [I am possessed], articulating them with the notion of the wild body as embodied knowledge, manifested in the ginga, in incorporation, and in possession. We explore the performativity of the parangolés within the context of counterculture and the military dictatorship, and we conclude that, despite the tensions between collective invention and institutional circulation, the parangolés reactivate anthropophagy as a decolonial strategy and assert a counter-history of Brazilian art, centered on the power of the wild and marginal body.