Scielo RSS <![CDATA[ARS (São Paulo)]]> http://www.scielo.br/rss.php?pid=1678-532020080002&lang=en vol. 6 num. 12 lang. en <![CDATA[SciELO Logo]]> http://www.scielo.br/img/en/fbpelogp.gif http://www.scielo.br <![CDATA[<b>Ensaio gráfico</b>]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202008000200001&lng=en&nrm=iso&tlng=en <![CDATA[<b>Marcel Duchamp e o fim do gosto</b>: <b>uma defesa da arte contemporânea<a name="tx*"></a></b>]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202008000200002&lng=en&nrm=iso&tlng=en <![CDATA[<b>O Problema dos museus</b>]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202008000200003&lng=en&nrm=iso&tlng=en Neste texto, publicado pela primeira vez em 1931, o poeta e escritor Paul Valéry (1871-1945) deixa entrever seu sentimento ambíguo em face da modernidade, sentimento admiravelmente revelado no relato melancólico que faz de uma visita às galerias povoadas de "solidões céreas" do Museu do Louvre. Para Valéry, o museu é um reduto de "visões mortas", mas é, também, conforme observou Theodor Adorno a respeito do autor em seu ensaio "Museu Valéry-Proust", o lugar mais propício a uma percepção crítica da arte em "nossa realidade catastrófica". Tanto Proust como Valéry, afirma Adorno, pensam o museu como figura da morte (embora a partir de posições aparentemente antagônicas), somente a experiência funda dessa morte sendo capaz, para ambos, de abrir possibilidades para a arte no presente.<hr/>The text from the poet and writer Paul Valéry (1871-1945) and originally published in 1931, brings to light his ambiguous feelings about modernity, feelings which are here remarkably revealed in the melancholic report he renders of a visit to the Louvre Museum, in which the poet confronts "waxen solitudes". The museum is, to Valéry, a dwelling for "dead visions", although being at the same time the most auspicious place, as noticed by Theodor Adorno in his essay "The Valéry-Proust Museum", for a critical perception of art in "our catastrophical reality". Both Valéry and Proust, Adorno argues, see the museum through the figure of death (in spite of their apparently antagonistic points of view), the deep experience of this death being, for them, the only way to unleash new possibilities to art in the present days. <![CDATA[<b>Cinema digital</b>: <b>novos suportes, mesmas histórias</b>]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202008000200004&lng=en&nrm=iso&tlng=en A relação entre cinema e literatura data do momento em que o cinema descobre seu potencial narrativo. Assim, ele absorve o modelo narrativo do romance do séc. XIX para ajudá-lo a melhor contar histórias, ao mesmo tempo em que liberta a literatura dessa "obrigação". Na era da imagem digital, onde a plasticidade do meio permitiria grandes vôos formais, por que o cinema ainda continua preso a um modelo narrativo que já foi superado pela própria literatura?<hr/>The relation between cinema and literature was born when cinema realized its real function: to tell stories. Thus, the directors learned, from the nineteenth century novels, how to tell something - and literature could be left to do different things. In the "digital age", despite the enormous possibilities of creation, cinema is still telling stories in the same way. <![CDATA[<b>Três pintores contemporâneos</b>: <b>Paulo Pasta/ Sean Scully/ Luc Tuymans</b>]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202008000200005&lng=en&nrm=iso&tlng=en O texto a seguir foi apresentado como trabalho final da disciplina "Os dilemas da pintura do século XX na obra de Iberê Camargo/ apontamentos para uma análise comparativa", ministrada por Sônia Salzstein no Departamento de Artes Plásticas da ECA-USP, no primeiro semestre de 2008. Procurei desenvolver o tema trazendo-o para o presente através de entrevistas com artistas da contemporaneidade. Dilemas que se colocam para cada um deles no campo da arte - sobretudo da pintura - com o advento da modernidade constituíram o principal objeto a ser tratado. <![CDATA[<b>Limite</b>: <b>Sinfonia do sentimento</b>]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202008000200006&lng=en&nrm=iso&tlng=en Limite. Sinfonia do sentimento é uma análise comparativa entre duas obras que marcam a história do cinema na América Latina. O filme "Limite" de Mário Peixoto (1931) e "Perón Sinfonia del Sentimiento" de Leonardo Favio (1998) são interpretados a partir de nossa atualidade, primeira década do terceiro milênio, momento crítico, frente ao desaparecimento dos suportes analógicos fundamentais do cinema e do vídeo. A partir de um presente onde predomina a uniformidade expressiva e a máquina digital, retomam-se os valores de mise en scéne de ambos os projetos experimentais realizados por dois dos mais importantes diretores da história do cinema do continente. O contraste entre os usos do fílmico, do vídeo, e da pós-produção digital permitem uma leitura do uso criativo de diversos suportes audiovisuais a partir da tensão que estabelecem esses grandes criadores, entre máquina e imaginário. Atualmente produzir cinema na América Latina continua sendo uma tarefa complexa, dolorosa e titânica. Peixoto e Favio são referências permanentes no processo de uma escritura poética em audiovisual confrontada com os modelos do espetáculo predominante nos meios de massa.<hr/>Limite. Sinfonía del sentimiento es un análisis comparativo entre dos obras que marcan la historia del cine en América Latina. El film "Límite" de Mário Peixoto (1931) y "Perón Sinfonía del Sentimiento" de Leonardo Favio (1998) son interpretadas desde esta primera década del tercer milenio, un momento crítico, frente a la desaparición de los soportes analógicos fundacionales del cine y el video. A partir de un presente donde predomina la uniformidad expresiva y la máquina digital, se recorren los valores de puesta en escena de ambos proyectos experimentales realizados por dos de los directores más importantes de la historia del cine del continente. El contraste entre los usos del fílmico, del video, y de la postproducción digital permiten una lectura del uso creativo de los diversos soportes audiovisuales a partir de la tensión que establecen estos grandes creadores, entre máquina e imaginario. Actualmente producir cine en América Latina sigue siendo una tarea compleja, dolorosa y titánica. Peixoto y Favio son referencias permanentes en el proceso de una escritura poética con el audiovisual enfrentada a los modelos del espectáculo predominante en los medios masivos. <![CDATA[<b>Economia política da arte moderna/ providências para uma história crítica</b>]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202008000200007&lng=en&nrm=iso&tlng=en Este texto, a ser publicado em duas partes, contém, com pequenas modificações para efeito de edição, extratos da introdução e da conclusão da tese de doutorado A fabricação da pintura: de Manet a Rothko, defendida no Departamento de Filosofia, FFLCH-USP, sob orientação do Prof. Dr. Paulo Arantes em 2000. Opondo-se à visão hegemônica propagada pelas correntes formalistas, cujas motivações ideológicas pretende explicitar, o ensaio salienta a valorização dos processos produtivos frente às obras acabadas como característica fundamental da arte moderna, característica por meio da qual os artistas resistem ao progresso da modernização capitalista. <![CDATA[<b>Salões de maio </b>]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202008000200008&lng=en&nrm=iso&tlng=en O texto traz uma visão geral sobre a documentação pertencente ao Arquivo Quirino da Silva, guardado no Centro Cultural São Paulo, principalmente sobre a parte que se refere aos "Salões de Maio", destacando fontes primárias e secundárias que poderão servir a futuras pesquisas na área de história da arte brasileira. <![CDATA[<b>Experiências em Nova Iorque na década de 1970</b><a name="tx*"></a>]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202008000200009&lng=en&nrm=iso&tlng=en Este artigo discute a presença de dois artistas brasileiros em Nova Iorque na década de 1970, bem como suas possíveis conexões com aquele circuito de arte. Também são relacionados os interesses econômicos e diplomáticos que contribuíram para que os Estados Unidos se tornassem uma rota alternativa para os artistas brasileiros que se exilavam, voluntariamente ou não, nas décadas de 1960 e 1970.<hr/>This article discusses about two brazilian artists in New York in 1970, as well as their conexions with the circuit of art. Additionally, this is also related to the economic interest and diplomats wich contributed to making the United States as an alternative route for the contemporary artists who left Brazil, voluntarily or not,in the decades of the 60's and 70's. <![CDATA[<b>Reflexões sobre a formação da poética de Umberto Boccioni em "Beata solitudo - sola beatitudo"</b>]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202008000200010&lng=en&nrm=iso&tlng=en No ano de 1908, Umberto Boccioni (1882-1916), artista do Futurismo italiano, produziu a segunda versão do desenho "Beata solitudo - Sola beatitudo", obra que expressa o contraste entre os valores antigos e modernos vivenciado pelo artista em seus primeiros anos em Milão. Este artigo procura analisar as principais influências estéticas que conduziram Boccioni na elaboração desse desenho, um dos mais representativos dentro de sua poética pré-futurista, e de que maneira essa obra antecipa os principais elementos de sua arte propriamente futurista.<hr/>In the year of 1908, Umberto Boccioni (1882-1916), artist of the Italian Futurism, produced a second version of the drawing "Beata solitudo - Sola beatitudo", a work which expresses the contrast between the ancient and the modern values, experienced by the artist in his first years living in Milan. This article intends to study the main aesthetical influences which have guided Boccioni in this work, one of the most important ones in his pre-futurist aesthetics, as well as to demonstrate how this work anticipates the main elements of his futurist art. <![CDATA[<b>Leonilson - uma questão de escala</b>]]> http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1678-53202008000200011&lng=en&nrm=iso&tlng=en Este texto discute a obra de José Leonilson (1957-1993) dos anos finais da década de 1980, buscando examinar o aparecimento de uma poética marcada pela escassez de materiais e procedimentos - poética através da qual o artista parecia confrontar de modo novo os materiais do mundo da cultura de massa.<hr/>This text focuses the work of the artist José Leonilson (1957-1993) produced during the late eighties, when it begins, at it is argued here, to show a poetics of parsimoniousness, marked by a strict economy of means. This poetics would have brought about to the work new ways of confronting materials coming from the mass culture universe.