Resumo em Francês:
RÉSUMÉ L'article portera un regard sur les transformations subies par le jeu d'acteur à Buenos Aires lors de l'irruption d'éléments du théâtre postdramatique au cours des années 1990. Il s'agira d'analyser l'appropriation de cet univers technique/esthétique par le champ théâtral porteño et les changements suscitées aussi bien dans le jeu des acteurs que dans leur formation. Ces éléments, fondés sur la présence physique de l'acteur et initialement utilisés dans les propositions transgressives des années 1980, deviennent partie intégrante du répertoire, participant au développement de poétiques de mise en scène et de dramaturgie durant la décennie suivante et confortant ainsi l'expression porteña du phénomène postdramatique.Resumo em Espanhol:
RESUMEN Se abordarán las características que adquiere la actuación porteña a partir de la inclusión de elementos del Teatro Posdramático durante la década del 1990. Para ello, se analizará la apropiación de dicho universo técnico/estético por el campo teatral porteño y las transformaciones que suscitó tanto en el desempeño actoral como en la formación para la actuación. Estos elementos, basados en la presencia física del actor e inicialmente utilizados en las propuestas transgresoras de los 80, pasan a formar parte del repertorio disponible para el desarrollo de poéticas de dirección y de dramaturgia durante la década siguiente, conformando la expresión porteña del fenómeno Posdramático.Resumo em Inglês:
ABSTRACT This paper addresses the influences of postdramatic theatre in Buenos Aires from the 1990s. Therefore, the appropriation of such technical/aesthetic universe by the theatre of the city and the transformations it provoked in acting and actor's training will be analysed. These elements, based on the physical presence of the actor and initially used in the transgressive proposals of the 1980s, became part of the repertoire available for the development of a poetics of direction and dramaturgy in the following decade, shaping the Buenos Aires expression of the postdramatic phenomenon.Resumo em Francês:
RÉSUMÉ Cet article expose les conséquences du prolongement du corps à travers les techniques audiovisuelles et la façon dont cette nouvelle corporalité touche la perception du spectateur qui découvre une dissonance dans la présence. L'idée de corps se voit étendue dans ses limites à travers l'image et le son et cette capacité particulière sera utilisée par certains artistes qui, fondant leur travail sur le corps, décident de se placer sur ce terrain glissant entre la présence corporelle et la présence audiovisuelle.Resumo em Espanhol:
RESUMEN El presente artículo muestra las consecuencias de la extensión del cuerpo a través del medio audiovisual y cómo esa nueva corporalidad afecta a la percepción del espectador que encuentra una disonancia en la presencia. Lo que entendíamos por cuerpo extiende sus límites a través de la imagen y del sonido y esta capacidad será aprovechada por algunos artistas que basan su trabajo en el cuerpo y que deciden establecerse en ese terreno deslizante entre la presencia corporal y la presencia audiovisual.Resumo em Inglês:
ABSTRACT This article shows the impact of body extensions through audiovisual language and how this new embodiment affects the perception of the viewer experiencing dissonance in presence. What we previously understood as body expands its limits through images and sounds, and this will be used by some artists who base their work on the body and have decided to work in this fleeting area between physical and audiovisual presence.Resumo em Francês:
RÉSUMÉ Dans l'actuel contexte médiatique et spectaculaire de la culture, le développement de la performance dans diverses pratiques met le théâtre au défi de créer des modèles alternatifs d'approche dans l'expérience humaine. Pour y répondre, l'art théâtral fait appel au contact sensible et empathique des corps, à l'intimité des liens affectifs, aux récits biographiques et ses projections respectives dans le social et dans l'histoire. Ce travail se présente comme une quête dans le théâtre de l'artiste argentine Lola Arias, dans un dialogue avec ce modèle performatif de la culture contemporaine.Resumo em Espanhol:
RESUMEN En el actual contexto mediático y espectacular de la cultura, la expansión de la performance en prácticas diversas desafía al teatro a crear modelos alternativos de aproximación a la experiencia humana. Como respuesta, el arte teatral apelará al contacto sensible y empático de los cuerpos, a la intimidad de los vínculos afectivos, a los relatos biográficos y sus respectivas proyecciones en lo social y en la historia. El presente trabajo se propone como una indagación al teatro de la artista argentina Lola Arias en diálogo con este modelo performativo de la cultura contemporánea.Resumo em Inglês:
ABSTRACT In the current media and spectacles cultural context, the expansion of performance into different practices challenges theatre to create alternative models to approach human experience. As a response, theatre appeals to the sensitive and empathic contact of bodies with the intimacy of affective connections, with biographical stories and their respective projections in the social and historical realms. This work proposes an investigation of the theatrical work of Argentine artist Lola Arias in dialog with this performative model of contemporary culture.Resumo em Francês:
RÉSUMÉ Cet article a pour point de départ le paradoxe théâtral: être ou ne pas être sur scène. Mais que se passe-t-il lorsque cette dernière intervient dans le cadre de la vie quotidienne? Les citoyens deviennent alors des spectateurs actifs devant reconnaître, momentanément, la scène comme un récit fictionnel. Ces interventions urbaines changent le regard habituel sur la ville et proposent une inversion des rôles entre regardants et regardés, dans un jeu de présences. Pour réfléchir sur cette question, nous prendrons l'exemple de la performance urbaine A veces creo que te veo (Parfois je crois que je te vois) réalisée par Mariano Pensotti en 2010.Resumo em Espanhol:
RESUMEN El artículo parte de la paradoja teatral: ser o no ser en la escena. Pero ¿qué ocurre cuando ésta sucede dentro de un ámbito de la vida cotidiana? Los ciudadanos se vuelven parte de ella y se convierten, a la vez, en espectadores activos que deben reconocer momentáneamente, la instancia de relato ficcional. Este tipo de teatralidad propone cambiar la mirada habitual sobre la ciudad y mezclar los roles entre quienes miran y quienes son mirados, como un juego de presencias. Para analizar esta cuestión tomaremos la performance urbana de Mariano Pensotti, A veces creo que te veo realizada en 2010.Resumo em Inglês:
ABSTRACT This article is based on the following assumption: to be or not to be on the stage. However, if the stage is real life, part of a public space, this situation is a very complex one. Thus, everyday urban life becomes an artistic and performance event. In this way, citizens become active spectators. Urban interventions change the usual way of regarding the city, and propose a blurs the line between the roles of the person who looks and the person who acts. The example to discuss this game of presences will be A veces creo que te veo (Sometimes I think I can see you), a performance work done in Buenos Aires by Mariano Pensotti, in 2010.Resumo em Francês:
RÉSUMÉ Dans l'espace interdisciplinaire de la performance, diverses productions argentines de la dernière décennie ont pour objectif de réfléchir sur la transmission des héritages générationnels qui circulent dans la vie quotidienne. Cet article se penchera tout d'abord sur certaines œuvres de Verónica Gómez qui inventorient et analysent des objets domestiques légués. Il sera question ensuite d'observer la production de Gabriel Baggio qui s'interroge sur les phénomènes sémiotiques présents dans la transmission d'images et de pratiques et, enfin, sur les projets d'Ana Gallardo dont la thématique est celle des récits récurrents autour des souvenirs et des sentiments.Resumo em Espanhol:
RESUMEN En torno al espacio interdisciplinario de la performance, diversas producciones argentinas de la última década tienen el objetivo de reflexionar sobre la transmisión de los legados generacionales que circulan en la vida cotidiana. Nos centraremos en ciertas obras de Verónica Gómez que documentan y analizan objetos domésticos heredados, luego observaremos la producción de Gabriel Baggio que indaga en los fenómenos semióticos presentes en la transmisión de imágenes y prácticas, finalmente nos focalizaremos en proyectos de Ana Gallardo donde se tematizan narrativas recurrentes alrededor de los recuerdos y los sentimientos.Resumo em Inglês:
ABSTRACT Concerning the interdisciplinary space of performance, several Argentine productions of the last decade aim to reflect on the transmission of generational legacies that circulate in daily life. We will focus on Verónica Gómez's works that document and analyze domestic inherited objects, then we will ponder over Gabriel Baggio's production that investigates semiotic phenomena present in the transmission of images and practices, finally, we will focus on Ana Gallardo's projects that have as themes constant narratives about memories and feelings.Resumo em Francês:
RÉSUMÉ Dans cet article nous parcourrons quelques perspectives théoriques pour analyser la proposition artistique de la metteuse en scène argentine Vivi Tellas, matérialisée dans son projet de théâtre documentaire Archivos, qui fait partie de son macro-projet Biodrama. Nous analyserons les clés distinctives qui définissent sa manière particulière de travailler avec ces "matériels réels" avec lesquels elle construit ses spectacles, en réfléchissant aux possibles implications éthiques et esthétiques de ce travail. Les idées de Giorgio Agamben autour de la notion de témoin seront très importantes pour cette réflexion, puisqu'elles nous permettront de formuler une hypothèse sur le type de témoignage qu'offrent les corps ordinaires et les objets/documents que Tellas porte à la scène.Resumo em Espanhol:
RESUMEN En este artículo recorreremos algunos enfoques teóricos para analizar la propuesta artística de la directora argentina Vivi Tellas materializada en su proyecto de teatro documental Archivos, el cual se enmarca dentro de su macro-proyecto Biodrama. Analizaremos distintas claves que definen su modo particular de trabajar con aquellos materiales reales con los que construye sus espectáculos, reflexionando sobre las posibles implicancias éticas y estéticas de este trabajo. Un lugar privilegiado tendrán en esta reflexión las ideas de Giorgio Agamben respecto principalmente de la noción de testigo, que nos permitirán acercarnos a una hipótesis sobre el tipo de testimonio que brindan los cuerpos - de personas comunes y corrientes - y también los objetos/documentos que Tellas lleva a escena.Resumo em Inglês:
ABSTRACT In this article we review some theoretical approaches to the artistic proposal of Argentine theatre director Vivi Tellas, focusing on her documentary theatre project Archivos, an expression of her wider project Biodrama. We will look into different aspects that define her particular way of working with the real materials her performances are based on, and we will consider the possible ethical and aesthetic implications of her work. Giorgio Agamben's notion of witness will play a special role in this analysis, since it enables us to formulate a hypothesis about the kind of testimony given by these ordinary bodies as well as by the objects/documents Tellas brings to the stage.Resumo em Francês:
RÉSUMÉ Le Proyecto Museos (1994-2000) de Vivi Tellas nous invite à examiner la théâtralité innée des musées et ainsi la manière dont les théâtres incorporent les éléments esthétiques des musées. Je me concentre sur l'œuvre de Federico León, Museo Miguel Ángel Boezzio (1998), afin d'approfondir l'analyse de l'impact de l'usage de la narration autobiographique sur scène en tenant compte les réflexions de Hans-Thies Lehmann sur le postdramatique. J'étudie la manière par laquelle la pièce transgresse la frontière entre le réel et le fictif pour cultiver une connexion intime avec le public et je propose des chemins susceptibles de mener à une compréhension de la politisation de l'affect sur scène.Resumo em Espanhol:
RESUMEN El Proyecto Museos (1994-2000) de la directora Vivi Tellas nos invita a examinar la teatralidad innata de los museos y asimismo la manera en que los teatros incorporan elementos estéticos y funcionales de los museos. En este estudio me enfoco en la obra de Federico León, Museo Miguel Ángel Boezzio (1998) para profundizar en un análisis sobre el impacto del uso de la narración autobiográfica, tomando en cuenta las reflexiones de Hans-Thies Lehmann sobre este uso en el marco posdramático. Examino cómo la obra transgrede la frontera entre lo real y lo ficcional para cultivar una conexión íntima con el público como también presento posibles caminos para entender la politización de lo afectivo en el escenario.Resumo em Inglês:
ABSTRACT Vivi Tellas's Project Museums (1994-2000) invites us to examine the theatricality inherent in museums and, simultaneously, the ways in which theatre draws on functional and aesthetic elements from museums. Focusing on Federico León's Museo Miguel Ángel Boezzio (1998), I discuss the impact of the use of autobiographical narratives onstage, taking into account observations by Hans-Thies Lehmann regarding this usage in a postdramatic context. I examine the ways in which the play crosses the boundary between real and fictional in order to establish an intimate connection with the audience and present possible modes of understanding the politicization of emotions onstage.Resumo em Francês:
RÉSUMÉ L'auteur se propose d'examiner les concepts de travestissement et de performativité du genre, au regard des études queer, en s'appuyant sur des mises en scène de Les Bonnes de Genet. Il s'agit de spectacles produits par des argentins, à Buenos Aires et dans d'autres ville du monde, dont le socle commun réside non seulement dans le texte dramatique mais aussi dans la remise en question de la représentation. L'analyse des mises en scène de S. Renán, V. García, A. Arias et C. Zorzoli qui réfléchissent à cette idée, permettra de réfléchir sur la déstabilisation opérée par Les Bonnes.Resumo em Espanhol:
RESUMEN Se reflexiona sobre los conceptos de travestismo y performatividad de género mediante la lente de los estudios queer, ejemplificando con sucesivas puestas en escena de Las Criadas de Jean Genet. Se trata de teatro producido por argentinos, en Buenos Aires y algunas otras ciudades del mundo, cuyo factor común reside no sólo en el texto dramático sino en los cuestionamientos a la idea de la representación. Los directores S. Renán, V. García, A. Arias y C. Zorzoli problematizan esta idea y nos permiten pensar la desestabilización operada por Las Criadas.Resumo em Inglês:
ABSTRACT This article explores the concepts of cross dressing and gender performativity through the conceptualization of queer studies, exemplifying them with successive stagings of The Maids, by Jean Genet. It focuses specifically on Argentine directors, whose common feature lies not only in the dramatic text but in objections to the idea of representation, as Genet suggests in his text. S. Renán, V. García, A. Arias and C. Zorzoli problematise this idea, with each new staging, and allow us to reflect on the destabilization operated by The Maids.Resumo em Francês:
RÉSUMÉ En 2007, les départements des Technologies de Genre et de Communication du Centre Culturel Rojas (UBA) ont publié El Teje. La première revue travesti de l'Amérique Latine. Depuis, l'institution a promu l'inclusion de personnes transéxuelles, questionant la bipolarité générique propre à la pensée hétérosexuelle. Nombreuses cérémonies de lancement de la revue ont été accompagnéés de performances scéniques. Cet article propose donc une réflexion sur la construction de l'identité travesti du poète et performer Naty Menstrual dans la première présentation de El Teje. Cette analyse s'appuiera sur la théorie théâtrale postdramatique appliquée au champ des études queer.Resumo em Espanhol:
RESUMEN En el año 2007, el Área de Tecnologías de Género y el Área de Comunicación del Centro Cultural Rojas (UBA) publicó El Teje. La primera revista de travestis en América Latina. Desde ella, la institución promovió la inclusión de personas trans y cuestionó la binaridad genérica propia del pensamiento heterosexual. Varias de las presentaciones de lanzamiento de la revista fueron acompañadas por performances escénicas. Aquí, abordamos la construcción de la identidad travesti corporalizada por la poeta y performer Naty Menstrual en la primera presentación de El Teje. Para tal fin, utilizamos aportes de la teoría del campo teatral posdramático aplicados al campo de los estudios queerResumo em Inglês:
ABSTRACT In 2007, the Area of Gender's Technology and the Area of Communication of Centro Cultural Rojas (UBA) published El Teje. The first magazine of transvestites in Latin America. From it, the institution promoted the inclusion of transgender persons and questioned the dualism typical of the heterosexual contract. Many presentations of the magazine were accompanied by performances. We have studied the construction of the transvestite identity embodied by poet and performer Naty Menstrual in the first presentation of El Teje. For this, we apply postdramatic theatrical theory to the field of queer studies.Resumo em Francês:
RÉSUMÉ Dans la tentative de dépasser définitivement les deux préjugés théâtraux encore en vigueur - le mépris autoproclamé des metteurs en scène envers la réflexion théorique et le manque d'expérience artistique qui dévalorise le discours critique - nous analyserons l'autoréflexion, méthode sur laquelle se fonde les modalités scéniques postdramatiques, aussi bien du point de vue productif (la praxis théâtrale) que réceptif (les nouvelles recherches théoriques des spécialistes du théâtre).Resumo em Espanhol:
RESUMEN Para aportar a la definitiva superación de dos prejuicios teatrales aún vigentes - el autoproclamado desprecio de los realizadores por la reflexión teórica y el de la falta de experiencia artística, que devaluaría el discurso de críticos y teóricos - analizaremos la auto-reflexión que funda las modalidades escénicas posdramáticas, tanto desde el punto de vista productivo (la praxis escénica), como del receptivo (las nuevas búsquedas teóricas de los especialistas del teatro).Resumo em Inglês:
ABSTRACT In order to deal with the definitive overcoming of two theatrical prejudices still in force - the self-proclaimed rejection of producers against theoretical reflection and lack of artistic experience, which allegedly devaluate critical discourse - we will analyze the self-reflection that gives the foundations to postdramatic staging modalities not only from a productive viewpoint (theatrical practice), but also from a receptive one (new theoretical inquiries of theater experts).Resumo em Português:
RESUMO Este texto faz um balanço dos doze anos de emergência da prática e do termo Pós-dramático e alguns de seus desdobramentos e questões para as artes cênicas. Discutem-se as mudanças pelas quais a cena contemporânea foi protagonista desde 1999 e, em consequência, as mudanças que devemos considerar ao ler e analisar o pós-dramático; entre elas, a ênfase no trabalho colaborativo; as novas relações entre teatro e sociedade; os usos do coro; a atenção à dança; o retorno da palavra. Por fim, o texto coloca a questão de saber se o termo pós-dramático precisaria ou não ser revisto.Resumo em Francês:
RÉSUMÉ Ce texte dresse un bilan de la pratique et du terme postdramatique, depuis son émergence il y a douze ans, et de certains de ses développements appliqués aux arts du spectacle. Il propose une réflexion sur les bouleversements qu'a connu la scène contemporaine depuis 1999 et sur l'évolution du mode de lecture et d'analyse du postdramatique qui en découle. L'accent est mis sur le travail collectif; les nouvelles relations entre le théâtre et la société; les usages du cœur; l'attention portée à la danse; le retour du mot. Pour finir, le texte s'interroge sur éventuelle remise en question du terme postdramatique.Resumo em Inglês:
ABSTRACT This text takes stock of the twelve years of emergence of the practice and term Postdramatic and some of its developments and issues in the performing arts. It discusses the changes through which the contemporary scene has gone since 1999 and consequently the changes we should consider when reading and analysing the concept of postdramatic; among them, the focus on collaborative work; new relations between theatre and society; the focus on dance; and the return of words. Finally, the text raises the question of whether or not the term postdramatic should be reconsidered.Resumo em Português:
RESUMO O Príncipe Constante, espetáculo dirigido por J. Grotowski e internacionalmente famoso no qual se destacou a atuação de R. Cieslak, apresenta muitas especificidades, dentre as quais algumas podem ser reunidas em torno da noção de precisão cênica. Através de uma análise genética, o objetivo deste artigo é examinar como nesse espetáculo, no qual foram articuladas duas técnicas de atuação distintas, há diferenças pontuais em relação à precisão cênica e à mobilização dos recursos psicofísicos dos atores. Assim, busca-se explicar, na medida do possível, por que somente o desempenho do protagonista teria sido denominado por Grotowski como um Ato Total.Resumo em Francês:
RÉSUMÉ Le Prince Constant, spectacle mis en scène par J. Grotowski, jouissant d'une renommée internationale avec la participation remarquable de R. Cieslak, présente de nombreuses spécificités dont certaines peuvent être assemblées autour de la notion de précision scénique. À travers une analyse génétique, cet article cherche à examiner ce spectacle dans lequel deux techniques de jeu différentes ont été utilisées, faisant apparaître des différences ponctuelles quant à la précision scénique et la mobilisation des ressources psychophysiques des acteurs. Il s'agit de comprendre, dans la mesure du possible, pourquoi seulement la performance du protagoniste aurait été considérée par Grotowski comme un Acte Total.Resumo em Inglês:
ABSTRACT The Constant Prince, an internationally famous play directed by J. Grotowski, in which R. Cieslak's acting stood out remarkably, presents some peculiarities related to the notion of scenic precision and, based on this premise, this paper proposes to describe and discuss them. The goal of this paper is to explore how in this play, in which two different acting techniques were used, there are differences related to the way the actors mobilize and control their psychic and physical resources. Using genetic analysis, the paper's intention is also to point out why only the acting performance of Cieslak was considered a Total Act by Grotowski.Resumo em Português:
RESUMO Este artigo trata sobre o trabalho do ator como possibilidade de criação, de invenção de si. Relaciona-se essa ideia a modos de ficcionar a si mesmo, ou seja, a maneiras de pensar o trabalho do ator sobre si como uma formação possível de projetar-se para além da criação artística, chegando a reverberar no prosaico da vida cotidiana. Para sustentar tal discussão, foram abordados os conceitos de ética, verdade e cuidado de si, além de outros, conforme tratados na obra de Michel Foucault. Além disso, do campo teatral tomam-se as noções de segunda natureza e corpo fictício, problematizadas a partir de Constantin Stanislavski, Franco Ruffini, Eugenio Barba e Nicola Savarese.Resumo em Francês:
RÉSUMÉ Cet article envisage le travail de l'acteur comme une possibilité de création, d'invention de soi. Cette idée est mise en rapport avec des modes de fiction de soi-même, c'est-à-dire, des manières d'envisager le travail de l'acteur sur soi comme une formation qui tend à dépasser la création artistique, pouvant réverbérer dans le prosaïque de la vie quotidienne. Cette réflexion s'appuie sur les concepts d'éthique, de vérité et de soin de soi, tels qu'ils ont été traités dans l'œuvre de Michel Foucault; entre autres. Du champ théâtral sont empruntées les notions de seconde nature et de corps fictif, problématisées à partir de Constantin Stanislavski, Franco Ruffini, Eugneio Barba et Nicola Savarese.Resumo em Inglês:
ABSTRACT This article discusses the actor's work as a possibility of creation and invention of the self. This concept is related to ways of fictionalising oneself, that is, ways to think an actor's work on themselves as a possible way to project the self beyond artistic creation, even coming to reverberate in ordinary daily life. To support this discussion, we addressed the concepts of ethics, truth, and care of the self, as they are discussed in the work of Michel Foucault and others. Furthermore, we drew from theatre notions of second nature and fictitious body, problematised based on the ideas of Constantin Stanislavski, Franco Ruffini, Eugenio Barba, and Nicola Savarese.Resumo em Português:
RESUMO Dramaturgia de ator é um termo que tenta dar conta do descentramento do discurso textual/verbal para processos de enunciação que emergem das interações complexas do corpo do ator com os demais elementos constitutivos da cena. O artigo lança um olhar sobre possíveis acepções dessa expressão. O texto dedica-se, ainda, a pensar recursos a serem buscados e princípios que podem orientar as práticas de corpos cênicos.Resumo em Francês:
RÉSUMÉ Dramaturgie de l'acteur est un terme qui tente de rendre compte du décentrement du discours textuel / verbal qui émerge, dans l'énonciation, des interactions complexes du corps de l'acteur avec d'autres éléments de la scène. L'article se penche sur les acceptions possibles de cette expression. Le texte propose également une réflexion sur les ressources et les principes qui pourraient guider les pratiques des corps scéniques.Resumo em Inglês:
ABSTRACT Actor's Dramaturgy is a term that attempts to account for the decentralisation of textual/verbal discourse enunciation processes emerging from complex interactions between the actor's body and other scenic elements. The article presents an overview of the possible meanings of the term, and also thinks the practices and principles which may guide the research on scenic bodies.